Il giovane artista britannico colpisce la mezza età: mettersi al passo con Marc Quinn

Si ha uno strano senso di déjà vu quando si incontra l’artista britannico Marc Quinn. La sua testa-o, meglio, una scultura congelata di essa gettata dal suo stesso sangue-è diventata un’immagine iconica dell’arte contemporanea, incisa nella nostra memoria collettiva. Al tempo stesso un ritratto dell’artista e di Everyman, la scultura, intitolata Self, racchiude vita e morte—un memento mori di materia reale che potrebbe, teoricamente, essere clonato per fare nuova vita. E c’è un esercito in costante crescita di queste inquietanti repliche di Quinn, che evocano il mostro di Frankenstein, il sacrificio azteco e l’Eucaristia cristiana.

Ispirato dagli autoritratti di Rembrandt che descrivono il suo volto dalla giovinezza alla vecchiaia, Quinn si è impegnato a produrre un nuovo “Sé” ogni cinque anni, che comporta l’estrazione di otto pinte del suo sangue per diversi mesi. Ne ha fatti cinque fino ad oggi, eppure queste cosiddette teste di sangue, ciascuna disincarnata in cima a un basamento in acciaio inossidabile contenente un’unità di refrigerazione, sfidano qualsiasi processo di invecchiamento lineare; in effetti, la testa originale di Quinn del 1991 sembra la più anziana.

“‘Self’ è quasi come una versione Beckett di Rembrandt”, dice Quinn. “Con Rembrandt, si tratta davvero di lui in ogni punto e della sua personalità, mentre la mia è come una ripetizione della stessa cosa. È più una visione del progresso del 21 ° secolo.”Per quanto riguarda il motivo per cui ha scelto il sangue come mezzo, dice che voleva spingere i confini materiali della scultura, e “il sangue era l’unica parte del mio corpo che potevo estrarre senza mutilarmi.”

Nello studio di East London di Quinn, enormi dipinti di fiori psichedelici e iris umani competono per l’attenzione con sculture di top model Kate Moss legate in nodi yogici, una coppia transessuale che copula alla pecorina e conchiglie fuori misura. Tali soggetti apparentemente disparati sono legati dalla costante preoccupazione dell’artista di riflettere la cultura del nostro tempo. Nelle sue esplorazioni di identità, sessualità, bellezza e fragilità dell’esistenza, ha realizzato sculture di pornostar e persone disabili, dipinti di impronte digitali gigantesche e installazioni di giardini fioriti congelati. Altrettanto diversi sono i suoi materiali, che includono pane, DNA, ghiaccio, feci, placenta e sangue dalla nascita di suo figlio.

A 50 anni, Quinn conserva un aspetto giovanile, sfoggia una T-shirt verde lime da lime 200 con un motivo di impronte digitali che fa parte della linea di abbigliamento che ha lanciato tre anni fa e un Rolex nero che ha progettato con il reparto orologi Bamford. Attualmente, è impegnato a creare nuove opere per una mostra a settembre presso il Centro de Arte Contemporáneo de Málaga in Spagna, e per tre importanti mostre personali in programma per il prossimo anno: al 18th-century Jantar Mantar outdoor observatory a Jaipur, in India; il Denver Art Museum; e la cavernosa filiale di Bermondsey di White Cube nel sud-est di Londra.

Sta mettendo insieme una nuova serie di arazzi (realizzati con un telaio jacquard computerizzato) che raffigura scene di recenti rivolte in tutto il mondo. Questi pezzi si estendono dal suo arazzo The Creation of History (2012), basato su un’immagine delle rivolte del 2011 in Inghilterra, che mostra un giovane incappucciato su uno sfondo di conflagrazione. ” Ero interessato al modo in cui gli arazzi venivano usati per celebrare le battaglie in epoca medievale”, spiega. “Queste sono come battaglie contemporanee.”A differenza degli arazzi che un tempo fiancheggiavano le mura del palazzo, quelli di Quinn sono destinati al pavimento—per essere calpestati e trasformati, riflettendo lo spirito democratico delle proteste di base.

I suoi bronzi di alberi bonsai segnano un’altra incursione in nuove tecniche, utilizzando una tecnologia rivoluzionaria per scansionare le dimensioni di un albero vivente e quindi tagliare al laser un prototipo che viene successivamente fuso in bronzo. “Credo che la scansione 3D—che ho già utilizzato nelle sculture shell-sia uno sviluppo per la scultura importante quanto l’invenzione della fotografia era per la pittura cento anni fa”, afferma.

Quinn è nato a Londra nel 1964 da madre francese e padre britannico—un fisico che ha lavorato per molti anni a Parigi presso il BIPM (l’inizialismo francese per l’International Bureau of Weights and Measures), un’organizzazione che mantiene lo standard mondiale per il tempo e i pesi. Quinn ricorda vividamente di aver visitato il laboratorio di suo padre, dove avrebbero guardato insieme gli orologi atomici.

Nei primi anni 1990, Quinn è salito alla ribalta come uno dei giovani artisti inglesi originali, o YBAs, che ha scosso la scena dell’arte contemporanea di Londra con le loro provocatorie opere concettuali e buffonate edonistiche. Il filo che univa il gruppo divergente era, secondo Quinn, “l’idea di portare la vita reale nell’arte” e il rifiuto di aspettare l’approvazione istituzionale per mostrare il loro lavoro.

Spesso raffigurato nei media come il brainy one, Quinn ha studiato storia e storia dell’arte presso l’Università di Cambridge, mentre molti altri YBA perseguito belle arti presso l’Università di Goldsmiths College di Londra. Dice che non ha mai avuto alcuna formazione artistica formale, ma prima di Cambridge ha lavorato come assistente dello scultore gallese Barry Flanagan, rinomato per i suoi bronzi eccentrici di lepri.

Quinn condivideva un appartamento con l’allora fidanzata di Damien Hirst, Maia Norman; festeggiava duramente; e combatteva con l’alcolismo. È andato in riabilitazione nel 1993 e ha rinunciato all’alcol. “Era solo una scelta tra la morte e la vita, davvero. Era piuttosto estremo”, dice l’artista, il cui atteggiamento placido e la voce morbida smentiscono un temperamento attratto dall’estremità.

È stato il primo YBA a essere firmato da Jay Jopling, direttore della multivenue operation White Cube gallery, che rappresenta ancora lui e altri del gruppo. (YBA patron Charles Saatchi scattato varie opere Quinn attraverso Jopling, tra cui Self 1991, che in seguito ha venduto al gestore di hedge fund americano Steve Cohen.) Oggi, i dipinti di Quinn recuperano fino a $400,000 e le sue sculture vanno da $250,000 a più di $1.5 milioni al White Cube e alla Mary Boone Gallery di New York. Il suo lavoro è nelle collezioni della Tate britannica, del Metropolitan Museum of Art di New York e del Centre Pompidou di Parigi, tra le altre istituzioni.

Il concetto di “materializzare l’immateriale” e far sparire le cose affascina Quinn—l’idea che un semplice tocco dell’interruttore di alimentazione potrebbe trasformare un autoritratto ghiacciato in una pozza di sangue. (Questo si diceva che fosse successo nella casa di Saatchi nel 2002, ma Quinn dice che l’aneddoto è un mito urbano.) Ha creato una serie di” sculture sul supporto vitale ” che dipendono dalla tecnologia e dall’infrastruttura per esistere. Questi spaziano da the blood heads a frozen flowers a Breath (2012), la sua colossale scultura gonfiabile di un nudo disabile e incinta. Quinn considera l’ultimo come un “monumento vivente”, dicendo: “È una scultura tenuta nell’aria dal respiro. E ‘ molto umano. Se lo tocchi, dà come carne.”

Basato sul suo ritratto in marmo dell’artista Alison Lapper—nato senza braccia e con le gambe sottosviluppate—Breath ha scatenato attacchi da parte di critici, media locali e Chiesa cattolica quando è stato ambientato tra l’architettura rinascimentale di Venezia durante la biennale dello scorso anno come parte della retrospettiva di Quinn alla Fondazione Giorgio Cini. Quinn considerava Breath ” l’unica vera opera politica” della biennale per coinvolgere il pubblico, e vedeva la polemica come la prova del suo successo. ” In Italia, dove cose come la disabilità sono molto nascoste, è stata una cosa incredibile”, dice.

La scultura Lapper originale apparteneva a una serie di marmi perfettamente rifiniti raffiguranti persone disabili, una ruminazione su nozioni convenzionali di bellezza ispirate alla statuaria classica frammentata. La statua ha vinto un concorso per adornare il quarto zoccolo di Trafalgar Square a Londra, dove la sua installazione nel 2005 accanto a monumenti di leggende militari britanniche ha suscitato indignazione e ammirazione. La versione gonfiabile di 36 piedi è diventata il fulcro della cerimonia di apertura delle Paralimpiadi estive 2012 a Londra prima della sua uscita a Venezia.

Indagando ulteriormente gli ideali contemporanei di bellezza fisica, Quinn ha realizzato una serie di sculture in bronzo e oro di Kate Moss in contorsioni yogiche, presentando il modello willowy e la stella dei tabloid come una divinità secolare per la nostra cultura ossessionata dall’immagine. Mentre l’arte del momento di Quinn sembra toccare un accordo con il pubblico, l’accoglienza critica a volte è stata dura. “Quinn ha fuso i metodi concettuali dell’arte britannica contemporanea con generose iniezioni di correttezza politica e sentimento eroico per creare alcune delle arti più superficiali del nostro tempo”, ha scritto Jonathan Jones del Guardian l’anno scorso, che ha bollato le sculture di Muschio “manipolative non – capolavori in cerca di attenzione di massa.”

Tuttavia, i Kates hanno dimostrato di essere” grandi favoriti ” dai collezionisti, secondo Oliver Barker, senior international specialist di Sotheby’s. Da quando ha venduto la prima testa di sangue, Quinn ” ha probabilmente avuto una maggiore longevità rispetto ad artisti come Sarah Lucas, Tracey Emin e persino Damien Hirst”, osserva Barker. “Il suo è un mercato in continua crescita e sempre più globale.”Una versione in oro 18 carati di Moss intitolata Microcosmos (Siren), 2008, venduta all’asta ad un investitore asiatico per $900.000 nel 2011.

Più recentemente, Quinn ha trovato muse in persone che hanno radicalmente modificato i loro corpi attraverso la chirurgia plastica, gli impianti e i tatuaggi. Il suo spettacolo White Cube 2010 presentava sculture a grandezza naturale del transgender” pregnant man ” Thomas Beatie e del compianto Dennis “Stalking Cat” Avners, che ha ricevuto protesi di capelli e tatuaggi per assomigliare a una tigre. Le stelle di quella mostra erano due attori porno transessuali-Allanah Starr, che ha mantenuto il suo pene, e Buck Angel, un uomo trans che ha una vagina—raffigurato in bronzo laccato come un moderno Adamo ed Eva variamente tenendosi per mano e avendo sesso.

Un tale “freak show”, come i media britannici lo hanno etichettato, rende Quinn un facile bersaglio per accuse di voyeurismo e titillazione. Ma questo manca il punto, dice l’ammiratore Joachim Pissarro, professore di storia dell’arte all’Hunter College di New York e coautore di Wild Art, un libro sulle modalità non convenzionali di espressione artistica. Vede i ritratti di Quinn nel contesto degli studi di Toulouse-Lautrec sulle prostitute e sulle ballerine di Degas. “Marc guarda le complessità umane con un occhio molto profondo ed empatico”, insiste Pissarro. “C’è un rifiuto di escludere persone che non sono conformi ai nostri criteri di ciò che è accettabile o meno.”

La scienza permea la pratica di Quinn, forse non sorprende. La prima testa di sangue continuava a minacciare di congelarsi a causa dell’aria nella camera, fino a quando Quinn ideò la soluzione di congelarla in silicone liquido. Ciò ha stimolato ulteriori esperimenti. Lasciando un fiore in un barattolo di silicone nel suo congelatore, ha trovato, fermato il processo di decomposizione naturale, con conseguente sua serie di sculture di fiori congelati.

“È come questa trasformazione magica tra vita e arte”, dice Quinn. “Hai qualcosa che diventa una scultura di se stesso fatta dalle stesse molecole di cui è stata fatta la pianta vivente, ma non è più viva.”Andando oltre, ha creato l’installazione “Garden” presso la Fondazione Prada di Milano nel 2000, un Eden artificiale di fiori esotici conservati in eternal bloom in silicone sottozero—fintanto che il potere era acceso.

Quelle opere congelate hanno spinto dipinti colorati e bronzi di fiori, che sono popolari tra i collezionisti ma mancano del pugno espressivo delle prime sculture crude di Quinn in piombo e lattice. Tuttavia, il veterano storico dell’arte Germano Celant, che ha curato “Garden” e la mostra di Quinn a Venezia, sostiene che le apparenze lisce nascondono problemi profondi. “Quando abbiamo smantellato ‘Giardino’, i fiori sono diventati neri-semplicemente orribile. Sono diventati, come, bruciati”, dice. “Bellezza e morte vanno insieme nel suo lavoro.”

Le idee che Quinn esplora in un corpo di lavoro spesso portano tangenzialmente a un altro. La serie” Self ” ha dato origine a un ritratto del 2001 di John Sulston, realizzato dal DNA del biologo vincitore del premio Nobel. L’identità entra di nuovo in gioco nei dipinti di impronte digitali “Labyrinth” di Quinn e nei suoi dipinti di iris, entrambi astratti ma ritratti di individui. “Quando entri in America, le tue impronte digitali sono prese, il tuo occhio è scansionato. È come se fossimo ridotti, siamo controllati dall’astrazione”, dice Quinn. Recentemente, ha aggiunto mappe del mondo alle opere di iris, ispirate in parte da Alighiero Boetti e anche dal ciclo di notizie globali di 24 ore.

Quinn è sposato con l’autrice di libri per bambini Georgia Byng, con la quale ha due figli, Lucas, 11, e Sky, 8, e una figliastra, Tiger, 23, dal precedente matrimonio di Byng. La famiglia vive nel nord di Londra e ha una seconda casa nei Caraibi, e Quinn e Byng sono clienti abituali nel circuito celebrity party. Appassionato collezionista d’arte, Quinn ha disseminato nel suo studio un volto in argilla di Picasso, un’opera di Lucio Fontana, una toilette in resina di Sarah Lucas, sette “Sedie da favola” di Ai Weiwei, un dipinto di Gary Hume e diverse antiche statue indiane di Chola (l’ispirazione per lo yogico Kates).

Nonostante il suo modo modesto e affabile, Quinn ha chiaramente grandi aspirazioni. Dice che la sua serie 2005-7 di embrioni tagliati in marmo, “Evolution”, gli ricorda gli” Schiavi ” incompiuti di Michelangelo, e suggerisce che il suo recente dipinto ad olio di una modella nuda e incinta sdraiata su carne cruda potrebbe essere una versione moderna della Venere di Urbino di Tiziano o dell’Olimpia di Manet. Ma poi gli YBA non sono noti per il loro auto-effacement. Alla domanda su dove andrà la sua esplorazione dell’umanità da qui, Quinn risponde con un sorriso: “Non lo so ancora. E ‘ questo che mi fa andare avanti.”E poi aggiunge:” Gli unici limiti sono nella mia mente.”

Elizabeth Fullerton è una scrittrice freelance con sede a Londra. Sta lavorando a una storia di Britart che sarà pubblicata da Thames & Hudson.

Una versione di questa storia è apparsa originariamente nel numero di maggio 2014 di ARTnews a pagina 76 con il titolo “‘Self’ in the Age of Selfies.”