IWAN BAAN/COURTESY GLENSTONE MUSEUM
Clausura in una tenuta silvestre che un tempo era utilizzata da un club di caccia alla volpe nel ricco Washington, D. C., sobborgo di Potomac, Maryland, il Museo Glenstone è stato per molti anni qualcosa di un mistero.
Quando ha aperto per la prima volta al pubblico nel 2006, le visite al suo edificio espositivo di 30.000 piedi quadrati progettato da Charles Gwathmey e ai suoi giardini pieni d’arte erano disponibili solo su appuntamento, pochi giorni alla settimana. I suoi fondatori—Mitchell Rales, un industriale con un patrimonio netto stimato di circa billion 4 miliardi, e sua moglie, Emily Rales, un ex mercante d’arte—raramente hanno parlato con la stampa, ed erano reticenti sui loro piani a lungo termine. Nel 2013, quando hanno annunciato la loro intenzione di creare un secondo edificio molto più grande per il museo, meno di 10.000 persone avevano mai visitato.
“Ci vuole tempo per costruire un’istituzione”, mi ha detto Emily di recente, ricordando quei primi anni. “L’intento era sempre quello di essere accoglienti e di aprire le nostre porte—ci è voluto un po’ di tempo per arrivarci.”La domanda di vedere la loro formidabile collezione di arte prevalentemente postbellica e contemporanea, che ora conta 1.300 opere, ha finito per essere enorme, ha detto. “Tutto si riduce a questioni pratiche molto semplici riguardanti infrastrutture, parcheggi e personale. Avevamo ben poco di queste tre cose.”
Che è cambiato. Il 4 ottobre, l’espansione—una struttura di 204.000 piedi quadrati progettata dall’architetto di New York Thomas Phifer, oltre a un’ambiziosa iniziativa paesaggistica di PWP Landscape Architecture sui 230 acri di Glenstone-sarà inaugurata. Ma in un caldo pomeriggio di giugno, mentre l’arte veniva ancora accuratamente installata, ho visitato i giardini e l’edificio, che sono sorprendenti sia per la loro scala che per la loro attenzione ai dettagli. Una volta aperto, il Glenstone ingrandito si classificherà come uno dei musei d’arte privati singolarmente più ambiziosi e impressionanti al mondo oggi.
IWAN BAAN/CORTESIA GLENSTONE MUSEO
Phifer l’edificio è uno dei sontuosa semplicità, fatta di legno, di vetro, e circa 26.000 blocchi di cemento, che è andato verso la creazione di 11 gallerie—Padiglioni, in Glenstone linguaggio corrente—molti dei quali sono dedicati a lungo termine mostra di pezzi singoli artisti, tra cui Brice Marden, Cy Twombly, Charles Ray, e altri. Uno spazio solitario nella presentazione iniziale sarà dedicato a 65 pezzi di 52 artisti della collezione del museo, che è ricca di quel tipo di espressionismo astratto, minimalismo e concettualismo che pochi musei possono permettersi in questi giorni. (Il museo ha rifiutato di dichiarare il costo dell’espansione.)
“Glenstone parla di questo ambiente molto contemplativo, sereno e minimale”, ha detto Emily. “L’architettura non cerca di mettere in ombra l’arte—è in armonia con essa.”I Ralesi erano intenti a trovare un architetto di metà carriera, e sono stati presi con il North Carolina Museum of Art che Phifer ha completato a Raleigh nel 2010, “vedendo quanto fosse sensibile al paesaggio e all’arte”, ha detto. L’edificio che ha progettato per Glenstone ha un potente ma insolitamente caldo senso di tranquillità che ricorda il museo Kolumba di Peter Zumthor a Colonia, mentre la sua luce naturale ricorda la sottile ristrutturazione di Dia:Beacon di Robert Irwin a nord dello stato di New York. ” Non vogliamo che le lampadine vengano accese durante il giorno”, ha detto Phifer, ” in modo da sentire il movimento della luce e l’atmosfera della luce e il cambiamento della luce da stagione a stagione.”
” Più di ogni altra cosa, stavamo cercando un’esperienza lenta e immersiva, in modo che inizi a rallentare e muoverti attraverso il paesaggio e muoverti attraverso gli edifici con tutti questi momenti di riflessione e pausa”, ha detto Phifer. Ha collegato le undici gallerie con corridoi situati intorno a un giardino d ” acqua tentacolare punteggiato di ninfee-una scena direttamente da Monet. ” Volevamo creare una stanza che riguardasse il cielo, la luce e l’acqua”, ha detto Phifer, menzionando Ryōan-ji, il tempio zen di Kyoto, in Giappone, come ispirazione per quel tranquillo spazio all’aria aperta. Una lunga panca in legno dell’artista Martin Puryear, il cui lavoro i Raleses hanno raccolto in modo approfondito, si trova all’esterno nel giardino acquatico.
Nel concepire l’espansione di Glenstone, Emily ha detto, il team si è chiesto: “Come evitiamo la fatica del museo?”e” Come estendiamo l’esperienza del museo in modo che possa coprire forse tre ore, forse cinque ore?”È facile immaginare una visita che consuma mezza giornata o più. I 50.000 piedi quadrati di spazio espositivo nell’espansione è uguale a quello del Whitney Museum di New York, e i motivi includono un pezzo topiaria torreggiante di Jeff Koons, un’opera sonora di Janet Cardiff e George Bures Miller ospitata in fitti boschi e sculture su larga scala di Richard Serra e Ellsworth Kelly. (L’edificio originale Gwathmey ha 9.000 piedi quadrati di spazio espositivo. Ci sono due caffè e una zona di arrivo con una libreria, entrambi situati lontano dall’edificio principale, in modo che l’esperienza artistica sia libera da cibo e commercio, à la the Menil Collection a Houston. (Come il Menil, l’ingresso è gratuito.) Il museo è aperto quattro giorni alla settimana.
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Anche se l’espansione progredisce, la collezione Glenstone continua a crescere e cambiare. “Mitch e io prendiamo tutte le decisioni da soli” per quanto riguarda le acquisizioni, ha detto Emily. Preferiscono delegare quelle scelte ai consulenti perché” è troppo divertente e lo amiamo troppo”, ha continuato. “Detto questo, abbiamo linee guida molto severe a cui aderiamo.”Tra questi c’è un intenso focus sulla qualità: “Siamo molto metodici nel cercare il meglio del meglio”, ha detto. Qualsiasi artista che comprano deve anche essere stato attivo per 15 anni, e tengono d’occhio ciò che la vicina National Gallery of Art, il cui consiglio Mitchell è su, e il Museo Hirshhorn proprio. “Ci sentiamo molto legati a questa comunità di istituzioni di Washington, e non vogliamo duplicare le loro partecipazioni”, ha detto.
Hanno mostrato una rara propensione ad essere pazienti nella loro ricerca. Tra le loro opere pregiate ci sono pezzi chiave di Willem de Kooning, Louise Bourgeois e Jasper Johns, così come quello che è forse il più famoso di David Hammons: How Ya Like Me Now? (1988), un ritratto di circa 13 per 19 piedi di una versione dalla pelle bianca di Jesse Jackson accompagnata dal testo di quella domanda. È stato mostrato per la prima volta in una mostra d’arte pubblica a Washington, DC, l’anno in cui è stato realizzato, quando è stato vandalizzato con mazze. (Hammons successivamente collocato un recinto costruito da quegli strumenti di fronte al lavoro.)” Aveva tenuto su di esso per 20 anni, ” Emily ha detto. “Siamo stati molto persistenti ed eravamo disposti ad aspettare e abbiamo continuato a chiedere se sarebbe stato ok lasciandolo andare, e alla fine ha accettato, il che è stato molto eccitante.”
Uno dei loro acquisti più recenti è Allan Kaprow’s Yard (1961)—uno sprawl di pneumatici in gomma che possono essere riconfigurati ogni volta che viene installato. Si unisce a una collezione che ha aggiunto fotografia, installazioni su larga scala (un altro motivo per l’espansione), lavoro basato sul tempo-tra cui 144 pezzi del collezionista canadese Ydessa Hendeles-così come lavori provenienti da oltre gli Stati Uniti e l’Europa, come il giapponese Gutai e il brasiliano Neo—Concrete. ” Non è affatto un progetto finito”, ha detto Emily. “Abbiamo ancora molto lavoro da fare, guardando ad altre tradizioni. Ci vorra ‘un po’ di tempo per costruire.”
Una versione di questa storia è apparsa originariamente nel numero di autunno 2018 di ARTnews a pagina 94 con il titolo ” Maximum Minimalism.”