Sono fermamente convinto che i ruoli degli artisti non siano specifici per la loro concentrazione scelta, o anche per la loro inclinazione naturale. Che tu sia un illustratore, autore, fotografo, attore o musicista, è senza dubbio trovare una certa misura di conforto in espressione creativa. Lo storyboarding è un ottimo modo per incoraggiarlo, poiché è molto più accessibile rispetto, ad esempio, alla pittura o al disegno della vita. Inoltre, la posta in gioco non è così alta con gli storyboard poiché, come ho detto prima, sono un mezzo per un fine, e non “la fine” stessa. Quindi, se siete pronti a tracciare un lungometraggio, o semplicemente curioso come prendere la pratica, ecco tutto quello che c’è da sapere per iniziare!
Disegna le tue scatole
Un “Ridleygram” di Ridley Scott per il suo film Prometheus (2012).
Adoro disegnare le mie scatole di storyboard, anche se alla fine passerò a un modello pre-creato. Creando i tuoi confini, ti stai permettendo di sperimentare con diversi rapporti di aspetto e quindi scoprire quanto sia economico fare o non dover essere con ciò che stai includendo nello scatto.
Inoltre, creare a mano il contorno delle cornici crea un rapporto fisico e tattile con il tuo lavoro – ciò che è buono in questo è che coltiva una connessione organica tra l’immaginativo (i disegni) e il meccanico (il bordo che contiene detti disegni). Fare questo può letteralmente spingere a disegnare fuori dagli schemi (cioè aprire composizioni), o almeno cambiare il tipo di scatola che si sta utilizzando. Questo può manifestarsi in alcuni bordi in grassetto (“molto importante”), punteggiato (“non molto importante”), ondulato (“sequenza dei sogni”) o persino codificato a colori. Come si definiscono questi è completamente a voi. Il modo migliore per pensare a questa azione è come un riscaldamento o una stretta di mano con la tua tela di scelta.
Linea dell’orizzonte, Punto di fuga e prospettiva
Una singola linea disegnata dietro o sopra le tue figure chiave, per quanto imperfetta possa essere, può fare miracoli: aggiungendo questo, stai rendendo un aspetto essenziale, se apparentemente rudimentale, della profondità e dello spazio. È qualcosa che molti di noi probabilmente hanno imparato nella scuola elementare, e il suo posto nella nostra educazione infantile è meritato, perché porta i nostri schizzi fuori dal mondo chiaramente 2D e in quello (finto) 3D. Come amava dire uno dei miei professori universitari, il disegno è tutto “un gioco truffaldino” – il che significa che, quando si tratta di grafite su carta o pixel su uno schermo, stiamo creando l’illusione di un oggetto nello spazio, non l’oggetto stesso. Ricordarmi di questo contemporaneamente toglie una certa pressione e libera la mia immaginazione.
L’altra metà di questo passaggio è altrettanto semplice e infantile, ma anche cruciale: per creare il tuo punto di fuga, disegna semplicemente un punto in qualsiasi punto della linea dell’orizzonte. Dal punto, irradia alcune linee verso di te (asse Y) e parallele a te (asse X). Io uso raramente un righello, come trovo rallenta e mi distrae, ma è sempre bene avere uno intorno a prescindere. Se vuoi fare un ulteriore passo avanti, puoi persino disegnare cerchi sulla griglia che hai appena creato per rappresentare (in senso quasi topografico) dove saranno le tue figure/oggetti chiave.
In definitiva, indipendentemente dalle tue armi di scelta(carta e penna, stilo e tablet, ecc.), il tuo obiettivo è quello di dare volume alle tue figure e profondità alle tue posizioni e impostazioni. L’atto di disegnare una linea di orizzonte e un punto di fuga, anche se non sempre necessario (come con primi piani o angoli bassi), è sempre una pratica utile.
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Forme, composizione e scala di base
Prima di riempire la tua mente (e successivamente la tua cornice) con dettagli irrilevanti, è importante stabilire la relazione tra le tue figure e l’area che occupano. Si è tentati di saltare a destra nelle linee di un volto o le finestre di un edificio, ma se si disegna liberamente le sagome di questi elementi chiave prima, la somma del tuo schizzo sarà maggiore delle sue parti — che ti dà una maggiore licenza per poi compilare le specifiche.
Quando si esplora la scala (grandiose inquadrature, ampie vedute aeree, scenari letterali / metaforici di “Davide e Golia”), il modo migliore per iniziare è con linee e forme di base.
Ad esempio, semplicemente disegnando una forma più grande e audace accanto a una più piccola, stai suscitando una risposta emotiva. Allo stesso modo, lasciare una grande quantità di spazio negativo attorno a un singolo segno può suggerire la solitudine o la perdita. Questo è il potere della scala. Proprio come la musica a volte riguarda le note che non suoni, lo storyboarding a volte riguarda le linee che non disegni.
L’ordine delle tue azioni potrebbe anche farti risparmiare tempo prezioso (per non parlare del mal di testa). Lavorare con tratti ampi e significativi all’inizio organizza gli elementi chiave del tuo colpo piuttosto che confonderlo. Se puoi farne a meno, non vuoi mai distrarti disegnando le stoppie di un personaggio prima ancora di finire di disegnare la testa.
Frame Division
Mentre la regola dei terzi è onnipresente per un motivo — è la chiara articolazione del motivo per cui troviamo certe immagini così convincenti – semplificare ulteriormente una composizione, in quadranti (o anche metà), può arrivare al cuore di quell’interesse ancora più velocemente. Per quanto l’occhio umano sia in grado di leggere una parola o una frase con la metà inferiore tagliata (ma raramente con la parte superiore tagliata), lo stesso si potrebbe dire per la messa in scena di una scena. Prendiamo, per esempio, l’immortale Lawrence d’Arabia di David Lean. A livello puramente funzionale, è facile notare il modo in cui l’azione essenziale è incorniciata per risiedere nella metà superiore. In un modo leggermente più complesso, ma interamente basato sulla storia e sul personaggio, prendi nota del modo in cui Peter O’Toole mentre Lawrence si muove dal quadrante in alto a sinistra dello schermo in alto a destra in un atto di aggressione. Niente di tutto questo è casuale. Il tuo lavoro dovrebbe, e sarà sempre a un certo livello, essere il risultato del tuo istinto, ma i tuoi momenti più orgogliosi saranno senza dubbio quando sposerai l’istinto con il pensiero deliberato.
Profondità di campo e sfondi
DREDD (2012) storyboard di JOCK. Il suo stile audace e a blocchi è ingannevolmente minimale e completamente funzionale.
In precedenza, ho menzionato come l’uso di un righello mi rallenta. Poiché il tempo è spesso essenziale nello storyboarding, tu, come artista, devi dare la priorità alle informazioni visive pur essendo consapevole della gestione del tempo (a volte inconsciamente). Questo accadrà nel tempo, attraverso la pratica e la ripetizione, e probabilmente hai già instillato il tuo modo di farlo. Il punto è che – e questo è un tema ricorrente dello storyboarding-ti stai concentrando sulle informazioni visive chiave, non necessariamente su tutte le informazioni. Francamente, ci sono momenti in cui non c’è bisogno di disegnare uno sfondo a tutti. Se sei in anticipo sul previsto, forse ti piacerebbe, ma a seconda di fattori critici come il tempo assegnato e il budget dato, rappresenterai l’azione sulla posizione stabilita ogni volta. Questo perché cose come l’impostazione diventeranno naturalmente implicite quando lo hai disegnato in fotogrammi e scatti precedenti.
Detto questo, quando crei uno sfondo, anche la versione più primitiva (una linea di orizzonte o un lavaggio di tonalità) aumenterà ancora la tua profondità di campo, perché solo il suggerimento delle impostazioni locali può essere sufficiente per mantenere il flusso e la quantità di moto.
Rendering dei tuoi Storyboard
Justice League storyboard di Steve Skroce. Il suo background in fumetti è una misura naturale per storyboard; l’uso del colore identifica chiaramente le figure chiave all’interno del suo stile di disegno più flessibile, più gestuale.
Ancora una volta, a seconda del tempo, delle risorse e/o del budget, potresti voler mantenere uno stile di disegno semplice ma energico, o forse un approccio più approfondito, ispirato a graphic novel. Si consiglia di aggiungere full-on colore, bastone a scala di grigi, o fare un mix di entrambi. Queste sono tutte scelte che a volte saranno fatte per te, da un regista o dalle circostanze del progetto. Indipendentemente dal risultato, uno stile non è migliore dell’altro; è semplicemente una questione di preferenza e di ciò che è appropriato. Il tono, lo sfondo o l’intenzione del progetto informeranno il modo in cui fai le cose.
Ad esempio, film come The Hughes Brothers’ The Book of Eli e Mad Max: Fury Road di George Miller sono notevoli per l’uso dei loro storyboard al posto di una sceneggiatura tradizionale. A parte i lunghi periodi di pre-produzione che hanno permesso alla totalità di entrambi i film di essere storyboarded, questi film hanno impiegato artisti di fumetti (Chris Weston su Eli, Mark H. Sexton Su Max) per dare un aspetto volutamente più grande della vita e altamente estetizzato che è stato mantenuto per tutta la produzione. I concept artist e gli storyboard artist arrivano quasi sempre prima di costumisti, production designer e altri – quindi, comunque tu scelga di rendere i tuoi disegni, non sottovalutare l’influenza che il tuo lavoro avrà sul cast, sulla troupe e sul film nel suo complesso.
Il libro di Eli storyboard di Chris Weston. Il suo stile è definito da un livello di dettaglio e atmosfera Brian Bolland-esque. Il lavoro di Weston è stato presentato come un romanzo grafico agli attori al posto di una sceneggiatura tradizionale.
Jim Penola è un illustratore freelance e storyboard artist. Ha studiato da vicino sotto i suoi mentori e veterani del settore Robert Castillo (The Sopranos, Precious) e William H. Frake III (Pocahontas, L’era glaciale). Jim ha conseguito la laurea in Arte/Illustrazione presso la William Paterson University. Potete seguirlo su Twitter e Instagram @ jimpenola.
Immagine in alto: storyboard selezionati da Jim Penola per un prossimo video musicale da Lindsey Stirling.