Tre generazioni di donne Inuit sfidano lo sfruttamento visualizzando resilienza e amore

Andrea R. Hanley era stato a lungo un ammiratore della penna di Annie Pootoogook e disegni a matita colorata della vita domestica Inuit contemporanea. Era anche consapevole degli impressionanti antenati di Pootoogook-tre generazioni di artisti, influenzando e influenzando l’un l’altro, la loro comunità e il mondo dell’arte nel processo.

“Akunnittinni: A Kinngait Family Portrait, ” una nuova mostra in mostra allo Smithsonian’s National Museum of the American Indian presso l’Heye Center di New York City, ripercorre l’arte e le influenze di una nonna Inuk Pitseolak Ashoona (1904-1983), una madre Napachie Pootoogook (1938-2002) e una figlia Annie Pootoogook (1969-2016).

La mostra presenta solo 18 opere totali dei tre artisti prolifici, ma trasmette una vasta gamma di stili ed espressioni di vita nella loro remota comunità artica orientale su Dorset Island, Nunavut, Canada.

“È una conversazione incredibile che si sente e si vede”, dice Hanley, curatore della mostra e membro e responsabile del programma presso l’Institute of American Indian Arts (IAIA) Museum of Contemporary Native Arts, dove la mostra ha avuto origine. “Il discorso e il dialogo tra questi tre sono così potenti che dimostra che devono essere enormi per poter davvero dare un pugno.”

Ogni artista comanda una carriera impressionante ed è” un maestro a sé stante”, secondo Hanley, e avrebbe potuto ancorare la propria mostra personale. Ma per questa mostra, i curatori hanno cercato di raccontare una storia più sfumata sulla tradizione, eredità e legami familiari, e come questi si spostano nel tempo—una parola nel titolo della mostra, akunnittinni, si traduce in “tra di noi.”

“La nonna dipinto più romanzate versioni della storia ha sentito di come la cultura usato per essere,” dice Patsy Phillips, direttore di IAIA. “La madre ha disegnato più del lato oscuro delle storie che ha sentito che quelle della figlia erano molto più attuali.”

Il concetto per lo spettacolo è decollato quando Hanley e Phillips hanno visitato l’appartamento di Yonkers, New York, di Edward J. Guarino—uno stimato collezionista e archivista di arte Inuit.

“Ha iniziato a tirare fuori grandi scatole d’archivio di queste stampe incredibilmente belle”, dice Hanley. “Era solo un pezzo dopo l’altro che era un capolavoro.”

Era particolarmente interessata alle connessioni delle tre generazioni della famiglia. La sua discendenza Navajo anche contribuito a guidare il suo interesse.

“Proveniente da una tribù matriarcale ero molto attratto da questa idea di questi tre generazioni di donne indigene di tutto la famiglia, questa famiglia di voce, proveniente da un contesto tribale,” dice Hanley.

Mentre lo spettacolo racconta la storia di una famiglia specifica, riflette anche la storia più ampia della comunità artistica di Cape Dorset. Dal 1950, Cape Dorset si è definita la “Capitale dell’arte Inuit”, con l’incisione e l’intaglio che sostituiscono il commercio di pellicce come la principale industria locale. Un decennio fa, è stato dichiarato il “comune più artistico” in Canada, con il 22,7 per cento dei suoi lavoratori impiegati nelle arti—al momento, che significava 110 artisti nella forza lavoro di 485 persone.

Pitseolak Ashoona incarna questo cambiamento nella regione. Dopo la morte del marito nei primi anni 1940, è diventata una madre single con 17 bambini da curare. Cercando un modo per esprimere il suo dolore e un modo per guadagnare denaro, ha iniziato a creare arte. Prima cuciva e ricamava prodotti e poi faceva disegni, usando matita di grafite, matita colorata e penne con punta di feltro. Si è rivelato prolifico e ha creato una carriera redditizia—nei due decenni in cui ha lavorato come artista, Ashoona ha creato più di 7.000 immagini.

Un mercato significativo per l’arte Inuit si stava evolvendo nel Canada continentale, facilitato in gran parte dall’artista canadese James Houston, che viveva a Cape Dorset. Houston ha introdotto incisione lì, e ha contribuito a promuovere e vendere l’artigianato e l’arte al più ampio mercato nordamericano.

a Partire dal 1958, questa pratica è diventata una formale cooperativa con un negozio di stampa in cui l’artista-membri del prodotto stonecut stampe, incisioni e mestieri, che sono stati poi venduti attraverso il Dorset Fine Arts center di Toronto. Alla fine la cooperativa eschimese West Baffin ha stabilito un’industria artistica sostenibile che continua a prosperare. Il suo programma di incisione, ora noto come Kinngait Studios, continua a rilasciare una collezione annuale catalogata di diverse decine di immagini, nonché molte commissioni e uscite speciali.

“Non hanno lavorato in un solo tipo di incisione—hanno sperimentato con tutti i tipi, come litografia, serigrafia, la lista potrebbe continuare”, dice Phillips.

Ashoona era uno dei pilastri di questa antica industria artistica di Cape Dorset. Le sue opere in mostra trasmettono lo stile vivace che ha attirato un vasto pubblico, e presenta alcuni dei suoi soggetti tipici-spiriti e mostri, nonché trattamenti a volte idilliaci della vita quotidiana facendo “le cose che abbiamo fatto molto tempo fa prima che ci fossero molti uomini bianchi”, come l’artista ha descritto.

Hanley indica il pezzo di Pitseolak Migration verso il nostro campo estivo, creato nel 1983, l’anno in cui è morta. Mostra la famiglia mentre si spostano nella loro casa estiva. Ognuno ha un sorriso sul suo volto-apparentemente anche i cani-e riflette i legami e il calore tra i membri della comunità.

“Sta guardando verso questo è davvero un grande momento nella loro vita”, dice Hanley.

Oltre a lavorare fino ai suoi ultimi mesi di vita, Ashoona ha anche cresciuto artisti, tra cui i figli Qaqaq, Kiawak e Kumwartok che sono diventati tutti scultori, e la figlia Napatchie, che ha prodotto più di 5.000 opere d’arte da quando ha iniziato a creare opere a metà degli anni ‘ 20 fino alla sua morte a 64 anni.

L’arte grafica di Napachie Pootoogook, utilizzando vernice acrilica e matite colorate, riflette un netto cambiamento dallo stile di sua madre di stampe che registrano la vita tradizionale Inuit. Dal 1970 il suo lavoro includeva temi più oscuri come abuso, alcolismo, stupro e persino cannibalismo.

Uno dei disegni della mostra, Trading Women for Supplies, riflette la dura sofferenza e lo sfruttamento dei membri della comunità, in particolare delle donne.

“È il discorso femminista indigeno contemporaneo al suo più vero”, dice Hanley. “Ciò che queste donne attraversano e hanno attraversato—la loro resilienza, la loro forza, la loro lotta, il loro crepacuore, il loro amore, la famiglia e cosa significa.”

Annie Pootoogook, nata quando sua madre aveva 21 anni, ha iniziato a creare arte nel 1997 con il supporto della West Baffin Eskimo Co-operative e si è rapidamente affermata come artista Inuit di primo piano. Era meno interessata agli animali artici o ai paesaggi ghiacciati degli artisti Inuit tradizionali, e invece usava le sue penne e matite colorate per catturare scene di vita domestica interna, disegnando televisori, bancomat e i suoi mobili. Il suo semplice, disegni al tratto senza risparmiare sfidato quello che in genere è stato pensato come ” arte Inuit.”

Akunnittinni include opere come Family Sleeping in a Tent e Watching The Simpsons, che catturano come la cultura e la tecnologia mainstream hanno influenzato la vita Inuit. Include anche un disegno degli occhiali di sua nonna e un ritratto della stessa Pitseolak. “Cattura un momento molto contemporaneo nel tempo”, dice Hanley. “Ci sono molti riferimenti diversi, ma quegli occhiali stanno da soli nella loro grazia.”

Solo tre anni dopo aver pubblicato la sua prima stampa nel 2003, in rapida successione, Annie Pootoogook ha tenuto una mostra personale alla Power Plant Contemporary Art Gallery di Toronto, ha ricevuto il Canadian Sobey Art Award, ha visto il suo lavoro incluso nelle mostre di alto profilo Documenta 12 e Montreal Biennale e ha ricevuto numerosi altri riconoscimenti. Ma mentre il suo prestigio aumentava e il suo impatto sull’arte inuit e canadese più in generale cominciava a farsi sentire, l’artista stessa stava soffrendo. Nel 2016, viveva a Ottawa, vendendo i suoi disegni per i soldi della birra. Il suo corpo è stato trovato nel fiume Rideau di Ottawa lo scorso settembre. Aveva 47 anni.

L’artista tragico, la morte e il più ampio sofferenza al centro di molte delle opere in Akunnittinni pervade gran parte dello spettacolo. Ma mentre la mostra non si sottrae a questi soggetti dolorosi, in definitiva mira a mantenere l’attenzione su come i legami tra nonna, madre e figlia si arricchiscono e si modellano l’un l’altro.

“Speriamo che le persone si allontanino con una nuova prospettiva sulle donne indigene e sulle loro vite e mezzi di sostentamento”, afferma Hanley. “La complessità della vita di queste donne provenienti da un’isola così remota. Questo mostra davvero la storia e la storia delle donne indigene in Canada, e in generale, la loro lotta e resilienza.”

” Akunnittinni: A Kinngait Family Portrait “viene eseguito fino all’ 8 gennaio 2018 presso lo Smithsonian’s National Museum of the American Indian presso l’Heye Center di New York City.