ik geloof dat de rollen van kunstenaars niet specifiek zijn voor hun gekozen concentratie, of zelfs hun natuurlijke neiging. Of u nu illustrator, auteur, fotograaf, acteur of muzikant bent, u vindt ongetwijfeld enige troost in creatieve expressie. Storyboarding is een geweldige manier om dat aan te moedigen, want het is veel toegankelijker dan, laten we zeggen, schilderen of leven tekenen. Plus, de inzet is niet zo hoog met storyboards, omdat, zoals ik eerder heb gezegd, ze zijn een middel om een doel, en niet “het einde” zelf. Dus of je nu klaar bent om een speelfilm in kaart te brengen, of gewoon nieuwsgierig bent hoe je de praktijk kunt oppakken, hier is alles wat je moet weten om aan de slag te gaan!
Draw Your Own Boxes
Een Ridleygram van Ridley Scott voor zijn film Prometheus (2012).
Ik hou van het tekenen van mijn eigen storyboard dozen, zelfs als ik uiteindelijk ga naar een pre-made template. Door je eigen grenzen te creëren, sta je jezelf toe om te experimenteren met verschillende beeldverhoudingen, en zo te ontdekken hoe zuinig je wel of niet hoeft te zijn met wat je in de opname opneemt.
bovendien creëert het met de hand maken van de omtrek van uw frames een fysieke, tactiele relatie met uw werk – wat hier goed aan is, is dat het een organische verbinding creëert tussen de fantasierijke (de tekeningen) en de mechanische (de rand met deze tekeningen). Door dit te doen kan je letterlijk duwen om buiten de doos te tekenen (d.w.z. open composities), of op zijn minst veranderen het type van de doos die u gebruikt. Dit kan zich manifesteren in sommige randen zijn vet (“zeer belangrijk”), gestippeld (“niet erg belangrijk”), golvend (“droom volgorde”), of zelfs kleur-gecodeerd. Hoe je deze definieert is volledig aan jou. De beste manier om te denken van deze actie is als een warming-up of een handdruk met uw canvas van keuze.
horizonlijn, verdwijnpunt en perspectief
een enkele lijn achter of boven uw sleutelfiguren, hoe onvolmaakt het ook mag zijn, kan wonderen doen: door dit toe te voegen, geef je een essentieel, zij het schijnbaar rudimentair, aspect van diepte en ruimte weer. Het is iets wat velen van ons waarschijnlijk hebben geleerd op de basisschool, en de plaats ervan in ons kinderonderwijs is welverdiend, omdat het onze schetsen uit de duidelijke 2D-wereld naar de (faux) 3D-wereld brengt. Zoals een van mijn professoren graag zei, tekenen is allemaal “een oplichterij” — wat betekent dat, als het gaat om grafiet op papier of pixels op een scherm, we de illusie creëren van een object in de ruimte, niet het object zelf. Mezelf hieraan herinneren neemt tegelijkertijd wat druk weg en bevrijdt mijn verbeelding.
de andere helft van deze stap is even eenvoudig en kinderlijk, maar ook cruciaal: om je verdwijnpunt te creëren, teken je gewoon een punt op de horizonlijn. Straal vanaf de punt een paar lijnen naar je toe (Y-as) en parallel aan je (X-as). Ik gebruik zelden een liniaal, want Ik vind het vertraagt en leidt me af, maar het is altijd goed om er een rond ongeacht. Als u nog een stap verder wilt gaan, kunt u zelfs cirkels tekenen op het raster dat u zojuist hebt gemaakt om (in bijna topografische zin) weer te geven waar uw sleutelfiguren/objecten zullen zijn.
uiteindelijk, ongeacht uw wapens naar keuze (pen en papier, stylus en tablet, enz.), uw doel is om volume te lenen aan uw cijfers en diepte aan uw locaties en instellingen. De handeling van het schetsen van een horizonlijn en verdwijnpunt, hoewel niet altijd noodzakelijk (zoals bij close-ups of lage hoeken), is altijd een nuttige praktijk.
gerelateerde Posttekening inspiratie: De sleutels tot het maken van Killer Storyboards
basisvormen, compositie en schaal
voordat u uw geest (en vervolgens uw frame) vult met irrelevante details, is het belangrijk om de relatie tussen uw figuren en het gebied dat ze innemen vast te stellen. Het is verleidelijk om te springen recht in de lijnen van een gezicht of de ramen van een gebouw, maar als je losjes schets de silhouetten van deze belangrijke elementen eerst, de som van uw schets zal groter zijn dan de delen — die geeft je meer licentie om vervolgens in de details in te vullen.
bij het verkennen van schaal (grandioze opnamen maken, vegen luchtfoto ‘ s, letterlijke/metaforische “David en Goliath” scenario ‘ s), de beste manier om te beginnen is met basislijnen en vormen.
bijvoorbeeld, door een grotere, brutalere vorm naast een kleinere te tekenen, ontlokt u een emotionele reactie. Op dezelfde manier, het verlaten van een enorme hoeveelheid negatieve ruimte rond een enkel merk kan wijzen op eenzaamheid of verloren gaan. Dat is de kracht van schaal. Net zoals muziek soms gaat over de noten die je niet speelt, gaat storyboarding soms over de lijnen die je niet tekent.
De volgorde van uw acties kan u ook kostbare tijd besparen (om nog maar te zwijgen van hoofdpijn). Werken in brede, betekenisvolle slagen aan het begin organiseert de belangrijkste elementen van je schot in plaats van het te verwarren. Als je het kunt helpen, wil je nooit afgeleid worden door stoppels van een personage te tekenen voordat je zelfs klaar bent met het schetsen van hun hoofd.
Frame deling
hoewel de regel van derden alomtegenwoordig is om een reden – het is de duidelijke articulatie van waarom we bepaalde beelden zo overtuigend vinden-kan een compositie nog verder vereenvoudigen, in kwadranten (of zelfs helften), de kern van dat belang nog sneller bereiken. Hoewel het menselijk oog in staat is om een woord of zin te lezen met de onderste helft afgesneden (maar zelden met de bovenste afgesneden), zou hetzelfde kunnen worden gezegd voor de enscenering van een scène. Neem bijvoorbeeld David Lean ‘ s onsterfelijke Lawrence of Arabia. Op een puur functioneel niveau, is het gemakkelijk om op te merken hoe de essentiële actie is om te verblijven in de bovenste helft. Op een iets complexere, maar Volledig verhaal – en karaktergedreven manier, let op de manier waarop Peter O ‘ Toole als Lawrence beweegt van zijn linker bovenste kwadrant van het scherm naar de rechterbovenhoek in een daad van agressie. Niets van dit alles is toevallig. Je werk moet, en zal altijd op een bepaald niveau, een resultaat zijn van je instincten, maar je meest trotse momenten zullen ongetwijfeld zijn wanneer je instinct trouwt met bewuste gedachte.
scherptediepte en achtergronden
DREDD (2012) storyboard by JOCK. Zijn gedurfde, blokachtige stijl is bedrieglijk minimaal en volledig functioneel.
eerder zei ik hoe het gebruik van een liniaal me vertraagt. Aangezien tijd vaak van essentieel belang is in storyboarding, moet u, als de kunstenaar, prioriteit geven aan de visuele informatie terwijl u zich bewust bent van time management (soms onbewust). Dit zal na verloop van tijd gebeuren, door oefening en herhaling, en je hebt waarschijnlijk al je eigen manier om dit te doen ingeprent. Het punt is dat – en dit is een terugkerend thema van storyboarding-je focust op de belangrijkste visuele informatie, niet noodzakelijkerwijs alle informatie. Eerlijk gezegd, Er zijn momenten waarop je helemaal geen achtergrond hoeft te tekenen. Als je voor bent op schema, misschien zou je willen, maar afhankelijk van kritische factoren zoals toegewezen tijd en budget gegeven, zult u de actie vertegenwoordigen over de gevestigde locatie elke keer. Dit komt omdat dingen als instelling van nature geïmpliceerd worden wanneer je het in eerdere frames en opnamen hebt getekend.
met dat gezegd hebbende, als je een achtergrond maakt, zal zelfs de meest primitieve versie (een horizonlijn of een spoeling van tonaliteit) je scherptediepte nog verhogen, omdat alleen de suggestie van de locale genoeg kan zijn om flow en momentum te behouden.
Rendering Your Storyboards
Justice League storyboard by Steve Skroce. Zijn achtergrond in stripboeken is een natuurlijke pasvorm voor storyboards; het gebruik van kleur identificeert duidelijk de belangrijkste figuren binnen zijn lossere, meer gebaren tekenstijl.
nogmaals, afhankelijk van tijd, middelen en/of budget, kunt u een eenvoudige maar energieke tekenstijl willen behouden, of misschien een grondigere, op graphic novel geïnspireerde aanpak. U kunt full-on kleur toe te voegen, vasthouden aan grijswaarden, of doe een mix van beide. Dit zijn allemaal keuzes die soms voor u worden gemaakt, hetzij door een directeur of door de omstandigheden van het project. Ongeacht het resultaat, de ene stijl is niet beter dan de andere; het is gewoon een kwestie van voorkeur en van wat passend is. De toon, achtergrond of Intentie van het project zullen allemaal de manier waarop je dingen doet informeren.bijvoorbeeld, films als The Hughes Brothers’ The Book of Eli en George Miller ‘ s Mad Max: Fury Road zijn opmerkelijk voor het gebruik van hun storyboards in plaats van een traditioneel script. Afgezien van de lange voorproductieperiodes die het mogelijk maakten dat het geheel van beide films storyboardde, waren deze films elk in dienst van striptekenaars (Chris Weston op Eli, Mark H. Sexton op Max) om een bewust groter-dan-leven en zeer esthetische look te geven die gedurende de productie werd gehandhaafd. Conceptartiesten en storyboardartiesten komen bijna altijd voor kostuumontwerpers, productieontwerpers en anderen – dus hoe je er ook voor kiest om je tekeningen te maken, onderschat de invloed van je werk op de cast, crew en film als geheel niet.
The Book of Eli storyboard by Chris Weston. Zijn stijl wordt bepaald door een Brian Bolland-achtig niveau van detail en sfeer. Westons werk werd gepresenteerd als een graphic novel aan de acteurs in plaats van een traditioneel script.jim Penola is een freelance illustrator en storyboard artiest. Hij studeerde nauw samen met zijn mentoren en industrieveteranen Robert Castillo (The Sopranos, Precious) en William H. Frake III (Pocahontas, Ice Age). Jim ontving zijn BFA graad in Kunst / Illustratie van William Paterson University. Je kunt hem volgen op Twitter en Instagram @jimpenola.
Bovenafbeelding: geselecteerde storyboards Door Jim Penola voor een aankomende muziekvideo van Lindsey Stirling.