maksymalny minimalizm: rośnie Muzeum Glenstone Emily i Mitchella Rales

, przedmieścia Potomac, Maryland, Muzeum Glenstone było przez wiele lat czymś w rodzaju tajemnicy.

Kiedy po raz pierwszy otwarto go dla publiczności w 2006 r., wizyty w zaprojektowanym przez Charlesa Gwathmey ’ a budynku wystawowym o powierzchni 30 000 stóp kwadratowych i wypełnionym sztuką terenie były dostępne tylko po wcześniejszym umówieniu, kilka dni w tygodniu. Jej założyciele-Mitchell Rales, przemysłowiec o szacowanej wartości netto około 4 miliardów dolarów, i jego żona, Emily Rales, była handlarka sztuką-rzadko rozmawiali z prasą i byli powściągliwi w kwestii swoich długoterminowych planów. Do 2013 roku, kiedy ogłoszono zamiar stworzenia drugiego, znacznie większego budynku dla Muzeum, mniej niż 10 000 osób kiedykolwiek odwiedziło.

„Budowa instytucji wymaga czasu”, powiedziała mi ostatnio Emily, wspominając te wczesne lata. „Intencją było zawsze być gościnnym i otwierać nasze drzwi—po prostu zajęło nam trochę czasu, aby się tam dostać.”Domagać się, aby zobaczyć ich imponującą kolekcję sztuki głównie powojennej i współczesnej, która obecnie liczy 1300 prac, okazała się ogromna, powiedziała. „Wszystko sprowadza się do bardzo prostych spraw praktycznych dotyczących infrastruktury, parkingu i personelu. Mieliśmy bardzo mało tych trzech rzeczy.”

to się zmieniło. 4 października zostanie zainaugurowana ekspansja—konstrukcja o powierzchni 204 000 stóp kwadratowych zaprojektowana przez nowojorskiego architekta Thomasa Phifera, a także ambitna inicjatywa PWP Landscape Architecture na 230 akrach Glenstone. Ale w upalne czerwcowe popołudnie, ponieważ sztuka wciąż była starannie instalowana, zwiedziłem tereny i Budynek, które są zdumiewające zarówno skalą, jak i dbałością o szczegóły. Po otwarciu powiększony Glenstone będzie zaliczany do jednego z najbardziej ambitnych i imponujących prywatnych muzeów sztuki na świecie.

Budynek Phifera to imponująca prostota, wykonana z drewna, szkła i około 26 000 bloków betonowych, które posłużyły do stworzenia 11 galerii—pawilonów, w mowie Glenstone ’ a—z których wiele jest poświęconych długofalowym pokazom dzieł pojedynczych artystów, w tym Brice Marden, Cy Twombly, Charles Ray i inni. Jedyną przestrzenią wstępnej prezentacji Będzie 65 prac 52 artystów z kolekcji Muzeum, która jest bogata w Rodzaj abstrakcyjnego ekspresjonizmu, minimalizmu i konceptualizmu, na które dziś stać niewiele muzeów. (Muzeum odmówiło podania kosztów rozbudowy.)

„Glenstone jest o tym bardzo kontemplacyjne, pogodne i minimalne środowisko,” Emily powiedziała. „Architektura nie stara się przyćmić sztuki—jest z nią w harmonii.”Ralesi chcieli znaleźć architekta w połowie kariery i zostali zabrani do North Carolina Museum of Art, które Phifer ukończył w Raleigh w 2010 roku, „widząc, jak wrażliwy był na krajobraz i sztukę”, powiedziała. Budynek, który zaprojektował dla Glenstone, ma silne, ale niezwykle ciepłe poczucie ciszy, które przypomina Muzeum Kolumba Petera Zumthora w Kolonii, a jego naturalne światło przywodzi na myśl subtelną renowację Dia:Beacon Roberta Irwina w północnej części stanu Nowy Jork. „Nie chcemy, aby żarówki były włączane w ciągu dnia, „powiedział Phifer,” abyś czuł ruch światła i atmosferę światła oraz zmianę światła z sezonu na sezon.”

„bardziej niż cokolwiek innego, szukaliśmy powolnego, wciągającego doświadczenia, aby zacząć zwalniać i poruszać się po krajobrazie i poruszać się po budynkach z tymi wszystkimi chwilami refleksji i przerwy” – powiedział Phifer. Połączył jedenaście galerii z korytarzami usytuowanymi wokół rozległego ogrodu wodnego usianego liliami wodnymi – sceną prosto z Moneta. „Chcieliśmy stworzyć pokój o niebie, świetle i wodzie”, powiedział Phifer, wspominając ryōan-ji, świątynię Zen w Kioto w Japonii, jako inspirację dla tej spokojnej przestrzeni na świeżym powietrzu. Długa drewniana ławka artysty Martina Puryeara, którego prace raleses zebrali dogłębnie, siedzi na zewnątrz w ogrodzie wodnym.

zastanawiając się nad ekspansją Glenstone ’ a, zespół zadał sobie pytanie: „Jak uniknąć zmęczenia Muzeum?”i” jak rozszerzyć doświadczenie Muzeum, aby mogło ono obejmować może trzy, może pięć godzin?”Łatwo sobie wyobrazić wizytę, która pochłania pół dnia lub więcej. Przestrzeń wystawiennicza o powierzchni 50 000 stóp kwadratowych jest równa przestrzeni Whitney Museum w Nowym Jorku, a na jej terenie znajdują się wysokie topiarne dzieło Jeffa Koonsa, dźwiękowe dzieło Janet Cardiff i George ’ a Bures Millera, zachowane w gęstym lesie, oraz wielkoformatowe rzeźby Richarda Serry i Ellswortha Kelly. (Oryginalny budynek Gwathmey ma 9000 stóp kwadratowych powierzchni wystawienniczej.) Znajdują się dwie kawiarnie i strefa przyjazdowa z księgarnią, obie położone z dala od głównego budynku, tak aby doświadczenie sztuki nie było utrudnione przez jedzenie i handel, à la Menil Collection w Houston. (Podobnie jak Menil, wstęp jest bezpłatny.) Muzeum jest otwarte cztery dni w tygodniu.

nawet w miarę rozwoju, Kolekcja Glenstone nadal rośnie i zmienia się. „Mitch i ja sami podejmujemy wszystkie decyzje dotyczące przejęć, powiedziała Emily. Wolą to od delegowania tych wyborów do doradców, ponieważ „to jest po prostu zbyt zabawne, a my po prostu kochamy to za bardzo” – kontynuowała. „Mimo to mamy bardzo surowe wytyczne, których przestrzegamy.”Wśród nich jest intensywny nacisk na jakość:” jesteśmy bardzo metodyczni w dążeniu do najlepszych z najlepszych”, powiedziała. Każdy artysta, który kupują, musi być aktywny od 15 lat i uważnie obserwują, co posiada pobliska National Gallery of Art, na której pokładzie znajduje się Mitchell, oraz Muzeum Hirshhorn. „Czujemy się bardzo związani ze społecznością waszyngtońskich instytucji i nie chcemy powielać ich udziałów” – powiedziała.

wykazali rzadką skłonność do cierpliwości w ich Pogoni. Wśród ich cennych dzieł znajdują się kluczowe dzieła Willema de Kooninga, Louise Bourgeois i Jaspera Johnsa, a także najbardziej znany utwór Davida Hammonsa: How Ya Like Me Now? (1988), mniej więcej 13 na 19 stóp portret Białoskórej wersji Jessego Jacksona wraz z tekstem tego pytania. Po raz pierwszy został pokazany na publicznej wystawie sztuki w Waszyngtonie, w roku, w którym został wykonany, kiedy został zniszczony młotami kowalskimi. (Hammons następnie umieścić płot zbudowany z tych narzędzi przed pracą.) „Trzymał go przez 20 lat” – powiedziała Emily. „Byliśmy bardzo wytrwali i byliśmy gotowi czekać i po prostu pytaliśmy, czy będzie w porządku, odpuszczając to, i w końcu zgodził się, co było bardzo ekscytujące.”

jednym z ich ostatnich zakupów jest Stocznia Allana Kaprowa (1961)—rozrost gumowych opon, które można rekonfigurować za każdym razem, gdy jest zainstalowany. Dołącza do kolekcji, która wzbogaciła się o fotografię, wielkoformatowe instalacje (kolejny powód rozbudowy), prace oparte na czasie-w tym 144 prace kanadyjskiej kolekcjonerki Ydessy Hendeles-a także prace spoza Stanów Zjednoczonych i Europy, jak Japońskie Gutai czy Brazylijski Neo—Beton. „To w żadnym wypadku nie jest skończony projekt” – powiedziała Emily. „Mamy jeszcze wiele do zrobienia, patrząc na inne tradycje. Budowa zajmie trochę czasu.”

wersja tej historii pierwotnie pojawiła się w jesiennym wydaniu ARTnews 2018 na stronie 94 pod tytułem „Maximum Minimalism.”