jestem przekonany, że role artystów nie są specyficzne dla ich wybranej koncentracji, ani nawet ich naturalnej skłonności. Niezależnie od tego, czy jesteś ilustratorem, autorem, fotografem, aktorem czy muzykiem, bez wątpienia znajdziesz pewną miarę pocieszenia w twórczej ekspresji. Storyboarding to świetny sposób, aby to zachęcić, ponieważ jest znacznie bardziej przystępny niż, powiedzmy, malarstwo lub rysunek życia. Dodatkowo stawka nie jest tak wysoka w przypadku storyboardów, ponieważ, jak wspomniałem wcześniej, są one środkiem do celu, a nie samym „końcem”. Niezależnie od tego, czy jesteś gotowy na nakręcenie filmu fabularnego, czy po prostu zastanawiasz się, jak rozpocząć praktykę, oto wszystko, co musisz wiedzieć, aby zacząć!
narysuj własne pudełka
„Ridleygram” Ridleya Scotta do filmu Prometeusz (2012).
Uwielbiam rysować własne pudełka do storyboardów, nawet jeśli w końcu przejdę do gotowego szablonu. Tworząc własne granice, pozwalasz sobie eksperymentować z różnymi proporcjami, a tym samym odkrywasz, jak ekonomicznie robisz lub nie musisz być z tym, co uwzględniasz w kadrze.
Co więcej, ręczne tworzenie konturów kadrów tworzy fizyczną, dotykową relację z pracą-dobre w tym jest to, że kultywuje organiczne połączenie między wyobraźnią (rysunki) a mechaniką (obramowanie zawierające wspomniane rysunki). W ten sposób możesz dosłownie popchnąć cię do rysowania poza pudełkiem (np. otwarte kompozycje), lub przynajmniej zmienić typ pola, którego używasz. Może to przejawiać się w niektórych granicach pogrubionych („bardzo ważne”), kropkowanych („niezbyt ważne”), falistych („Sekwencja snów”), a nawet oznaczonych kolorami. To, jak je zdefiniujesz, zależy wyłącznie od Ciebie. Najlepszym sposobem na myślenie o tej akcji jest rozgrzewka lub uścisk dłoni z wybranym płótnem.
linia horyzontu, punkt zbiegu i perspektywa
pojedyncza linia narysowana za lub nad Twoimi kluczowymi postaciami, jakkolwiek niedoskonała, może zdziałać cuda: dodając To, renderujesz istotny, choć pozornie elementarny, aspekt głębi i przestrzeni. To coś, czego wielu z nas nauczyło się prawdopodobnie w szkole podstawowej, a jego miejsce w naszej edukacji dziecięcej jest zasłużone, ponieważ przenosi nasze szkice ze świata 2D do (sztucznego) 3D. Jak mawiał jeden z moich profesorów, rysunek jest „grą naciągów” – co oznacza, że jeśli chodzi o grafit na papierze lub piksele na ekranie, tworzymy iluzję obiektu w przestrzeni, a nie samego obiektu. Przypomnienie sobie tego jednocześnie odciąża i uwalnia moją wyobraźnię.
druga połowa tego kroku jest równie prosta i dziecinna, ale również kluczowa: aby utworzyć punkt zbiegu, po prostu narysuj kropkę w dowolnym miejscu na linii horyzontu. Od punktu wypromieniuj kilka linii względem siebie (oś Y) i równolegle do siebie (oś X). Rzadko używam linijki, ponieważ uważam, że spowalnia i rozprasza mnie, ale zawsze dobrze jest mieć ją w pobliżu. Jeśli chcesz pójść o krok dalej, możesz nawet narysować okręgi na siatce, którą właśnie stworzyłeś, aby reprezentować (w sensie niemal topograficznym), gdzie będą twoje kluczowe figury/obiekty.
ostatecznie, niezależnie od wybranej broni (długopis i papier, rysik i tablet itp.), twoim celem jest nadanie objętości figurom i głębi lokalizacjom i ustawieniom. Rysowanie linii horyzontu i punktu zbiegu, choć nie zawsze konieczne (np. przy zbliżeniach lub niskich kątach), jest zawsze praktyką pomocną.
Related Post Drawing Inspiration: Klucze do tworzenia zabójczych Storyboardów
podstawowe kształty, kompozycja i Skala
zanim wypełnisz swój umysł (a następnie ramę) nieistotnymi szczegółami, ważne jest ustalenie relacji między twoimi postaciami a obszarem, który zajmują. Kuszące jest wskoczenie prosto w linie twarzy lub okna budynku, ale jeśli najpierw luźno szkicujesz sylwetki tych kluczowych elementów, suma szkicu będzie większa niż jego części — co daje większą licencję na wypełnienie szczegółów.
badając skalę (wspaniałe ujęcia, rozległe widoki z lotu ptaka, dosłowne/metaforyczne scenariusze „Dawida i Goliata”), najlepiej zacząć od podstawowych linii i kształtów.
na przykład, rysując większy, odważniejszy kształt obok mniejszego, wywołujesz reakcję emocjonalną. Podobnie pozostawienie ogromnej ilości negatywnej przestrzeni wokół pojedynczego znaku może sugerować samotność lub zagubienie. To siła skali. Tak jak muzyka jest czasem o nutach, których nie grasz, tak storyboarding jest czasem o liniach, których nie rysujesz.
kolejność twoich działań może również zaoszczędzić cenny czas (nie wspominając o bólach głowy). Praca z szerokimi, znaczącymi uderzeniami na początku organizuje kluczowe elementy Twojego strzału,zamiast go mącić. Jeśli możesz pomóc, nigdy nie chcesz się rozpraszać, rysując zarost postaci, zanim jeszcze skończysz szkicować jej głowę.
podział klatek
chociaż zasada tercji jest wszechobecna nie bez powodu — jest to wyraźna artykulacja, dlaczego niektóre obrazy są tak atrakcyjne – uproszczenie kompozycji jeszcze bardziej, na ćwiartki (a nawet połówki), może jeszcze szybciej dotrzeć do sedna tego zainteresowania. Podobnie jak ludzkie oko jest w stanie odczytać słowo lub zdanie z odciętą dolną połówką (ale rzadko z odciętą górną częścią), to samo można powiedzieć o inscenizacji sceny. Weźmy na przykład nieśmiertelnego Lawrence ’ a z Arabii Davida Leana. Na poziomie czysto funkcjonalnym łatwo zauważyć sposób, w jaki podstawowa akcja jest osadzona w górnej połowie. W nieco bardziej złożony, ale całkowicie oparty na fabule i postaciach sposób zwróć uwagę na sposób, w jaki Peter O ’ Toole jako Lawrence przemieszcza się z lewego górnego kwadrantu ekranu do prawego górnego rogu w akcie agresji. Nic z tego nie jest przypadkowe. Twoja praca powinna i zawsze będzie na pewnym poziomie wynikać z Twoich instynktów, ale z pewnością najbardziej dumnymi momentami będziesz, gdy poślubisz instynkt z przemyślaną myślą.
Głębia ostrości i tła
DREDD (2012) storyboard by JOCK. Jego odważny, blokowy styl jest pozornie minimalistyczny i całkowicie funkcjonalny.
wcześniej wspomniałem, jak używanie linijki spowalnia mnie. Ponieważ czas ma często kluczowe znaczenie w storyboardingu, Ty, jako artysta, musisz priorytetowo traktować informacje wizualne, pamiętając o zarządzaniu czasem (czasami podświadomie). Stanie się to z czasem, poprzez praktykę i powtarzanie, i prawdopodobnie już zaszczepiłeś swój własny sposób robienia tego. Chodzi o to, że – i jest to powracający temat storyboardingu – skupiasz się na Kluczowych informacjach wizualnych, niekoniecznie wszystkich informacjach. Szczerze mówiąc, są chwile, kiedy w ogóle nie trzeba rysować tła. Jeśli wyprzedzasz harmonogram, być może chciałbyś, ale w zależności od krytycznych czynników, takich jak wyznaczony czas i podany budżet, za każdym razem będziesz reprezentować akcję w ustalonej lokalizacji. Dzieje się tak dlatego, że takie rzeczy jak ustawienie będą naturalnie dorozumiane, gdy narysujesz je w poprzednich klatkach i ujęciach.
Mając to na uwadze, gdy tworzysz tło, nawet najbardziej prymitywna wersja (linia horyzontu lub zmywanie tonalności) nadal zwiększy twoją głębię ostrości, ponieważ tylko sugestia lokalizacji może wystarczyć do utrzymania płynności i rozmachu.
renderowanie Storyboardów
Justice League storyboard by Steve Skroce. Jego tło w komiksach jest naturalne dla storyboardów; użycie koloru wyraźnie identyfikuje kluczowe postacie w jego luźniejszym, bardziej gesturalnym stylu rysowania.
Po raz kolejny, w zależności od czasu, zasobów i / lub budżetu, możesz chcieć zachować prosty, ale energiczny styl rysowania, a może bardziej dokładne, inspirowane powieścią graficzną podejście. Możesz dodać Pełny kolor,trzymać się skali szarości lub połączyć oba. Są to wszystkie wybory, które czasami będą dokonywane za ciebie, albo przez reżysera, albo przez okoliczności projektu. Niezależnie od wyniku, jeden styl nie jest lepszy od drugiego; jest to po prostu kwestia preferencji i tego, co jest odpowiednie. Ton, tło lub intencja projektu będą informować o sposobie, w jaki robisz rzeczy.
na przykład filmy takie jak The Book of Eli braci Hughes i George Miller Mad Max: Fury Road są godne uwagi ze względu na wykorzystanie ich storyboardów zamiast tradycyjnego scenariusza. Oprócz długich okresów przedprodukcyjnych, które umożliwiły Storyboarding całości obu filmów, każdy z nich zatrudniał artystów komiksowych (Chris Weston na Eli, Mark H. Sexton na Max), aby nadać celowo większy niż życie i wysoce estetyczny wygląd, który został zachowany podczas produkcji. Artyści koncepcyjni i storyboardziści prawie zawsze przychodzą przed kostiumografami, projektantami produkcji i innymi – więc niezależnie od tego, czy zdecydujesz się renderować swoje rysunki, nie lekceważ wpływu, jaki Twoja praca będzie miała na obsadę, ekipę i film jako całość.
The Book of Eli storyboard by Chris Weston. Jego styl jest zdefiniowany przez Briana Bollanda poziom szczegółowości i atmosfery. Dzieło Westona zostało przedstawione aktorom jako powieść graficzna w miejsce tradycyjnego scenariusza.
Jim Penola jest niezależnym ilustratorem i autorem scenorysów. Studiował ściśle pod okiem swoich mentorów i weteranów przemysłu Roberta Castillo (Rodzina Soprano, Precious) i Williama H. Frake III (Pocahontas, Epoka lodowcowa). Jim otrzymał stopień BFA w dziedzinie sztuki / ilustracji z William Paterson University. Możesz śledzić go na Twitterze i Instagramie @jimpenola.
Top image: Selected storyboards by Jim Penola for an upcoming music video from Lindsey Stirling.