Apprendre le Sonnet

Le sonnet, l’une des formes poétiques les plus anciennes, les plus strictes et les plus durables, vient du mot italien sonetto, qui signifie « petite chanson. »Ses origines remontent au XIIIe siècle, à la cour italienne. Giacomo de Lentini est crédité de son invention, bien que Francesco Petrarca (Pétrarque) ait été son plus célèbre praticien précoce. La forme a été adoptée et adoptée avec enthousiasme par les Anglais à l’époque élisabéthaine, notamment par Shakespeare, qui lui a donné la structure à laquelle nous pensons couramment aujourd’hui: 14 lignes de pentamètre iambique rimé.

Son schéma de rimes serré et sa régularité métrique soulignent sa musicalité, mais le sonnet est également considéré comme la première forme poétique destinée à être lue silencieusement, par opposition à être interprétée et partagée: c’est « la première lyrique de la conscience de soi, ou du soi en conflit », selon Paul Oppenheimer dans The Birth of the Modern Mind: Self, Consciousness, and the Invention of the Sonnet (1989). En tant que tel, la forme se compose de deux parties, souvent appelées proposition et résolution. Les diviser est la volta, ou tour. Ainsi, un problème ou une question est souvent présenté dans la première section d’un sonnet puis, via le pivot effectué par le tour, résolu ou donné une nouvelle perspective dans la seconde.

Les exigences de base d’un sonnet traditionnel sont les suivantes

• 14 lignes
• pentamètre iambique
• schéma de rimes:
  • Pétrarque: ABBA ABBA CDECDE ou ABBA ABBA CDCDCD
  • Shakespearien: ABAB CDCD EFEF GG

Dans le Sonnet de Pétrarque, les sections sont divisées en une octave (huit premières lignes) et un sestet (six dernières lignes). Dans le sonnet shakespearien, il y a trois quatrains (strophes ou sections de quatre lignes), puis un couplet. Dans les deux types, une volta marque la transition vers la section finale.

Avec des exigences si strictes, et un si petit espace pour travailler, le sonnet est souvent comparé à une boîte; quatorze lignes de pentamètre iambique finissent par paraître plutôt denses et carrées sur la page. Dans son poème « Bop: L’Étoile polaire », Lyrae Van Clief-Stefanon fait référence à l’enseignement de la poésie aux détenus: « enseignez le sonnet est une cellule », dit son orateur. Mais ensuite, elle conseille, dans le souffle suivant, « maintenant, essayez de vous échapper. »Les meilleurs sonnets exécutent cette « évasion » — en quelque sorte, en travaillant dans une enceinte aussi stricte, ils la transcendent. La voix plie la forme à sa propre volonté, au lieu de succomber obligatoirement aux exigences de la forme.

L’un des objectifs les plus populaires du sonnet est d’écrire en louant quelqu’un (ou quelque chose) aimé. Jetons donc un coup d’œil à quelques poèmes d’amour pour voir de près la différence entre un sonnet shakespearien et pétrarque.

Shakespeare a ingénieusement tourné les attentes du poème d’amour sur leur tête dans beaucoup de ses sonnets, qui louent des qualités improbables chez sa bien-aimée. Dans « Les yeux de ma maîtresse ne ressemblent en rien au Soleil », par exemple, il se moque des tropes qui compareraient les femmes aux déesses et énuméreraient leur beauté dans de douces métaphores (le soleil, les roses, la musique, etc.). Au lieu de cela, la maîtresse de l’orateur a des « fils noirs sur la tête » et un souffle qui « pue. »Ce poème constitue un excellent modèle pour un exercice de sonnet: prenez quelque chose que vous aimez et décrivez-le au cours de douze lignes de pentamètre iambique (seulement douze pour l’instant!) d’une manière qui ne serait normalement pas considérée comme un éloge. Remarquez ensuite ce que fait Shakespeare dans le couplet final: il commence par « Et pourtant. »C’est la volta: elle nous dit que nous sommes sur le point de faire un tournant brusque dans le poème. Il arrive si tard dans le sonnet shakespearien que nous avons construit beaucoup d’attente pour un certain type de ton, et pour le jugement de la maîtresse. « Et pourtant » – ici, il change de cap et nous dit que malgré tout cela, il est complètement ravi par cette femme. Vous remarquerez que ces deux dernières lignes sont également un couplet rimé: les lignes se terminent par « rare » et « comparer. »Cette paire de rimes ajoute au sentiment que ces dernières lignes sont une idée distincte et se distinguent de ce qui les a précédées. (Dans ce cas, ils corrigent en fait les implications de tout ce que l’orateur essayait de dire auparavant.) Voici donc la dernière partie de l’exercice: après vos douze lignes de description riche et surprenante, commencez la ligne treize par « Et pourtant » ou « Malgré » ou une autre phrase signal pour nous dire que vous changez de direction. Terminez ensuite le poème par un couplet qui corrige ou explique les descriptions de la première partie du poème.

Le sonnet de Pétrarque divise le poème plus uniformément – presque en deux. Sous cette forme, un poème d’amour peut traiter de sentiments ou d’idées plus pondérés et les mettre en conflit. Jetez un oeil à Edna St. Vincent Millay « Quelles lèvres mes lèvres ont embrassées, et où, et pourquoi. »Ce poème est célèbre pour sa voix romantique déplorable (bien qu’il soit amusant de noter que l’orateur n’est pas triste d’un amour perdu en particulier — elle ne se souvient même pas des visages ou des noms de ces gars qu’elle a embrassés!- il ne lui manque que la romance, et peut-être la jeunesse, en général). Ce sonnet est également apprécié (que les lecteurs s’en rendent compte consciemment ou non) en raison de son utilisation incroyablement habile de la forme du sonnet. Dans les huit premières lignes, le locuteur, tout comme celui de Shakespeare, énumère des choses. Pour elle, cependant, ce sont des souvenirs qui s’estompent, et elle décrit bientôt le sentiment de la tentative de se souvenir, et le sentiment de la perte:  » rain la pluie / Est pleine de fantômes ce soir tonight / Et dans mon cœur il y a une douleur tranquille …. »La volta arrive à la ligne neuf, avec le mot de signalisation » Ainsi. » Lisez-le vous-même. Vous l’entendez comme une syllabe forte quand vous y arrivez, et c’est parce que c’est: Millay a inversé le mètre ici de sorte qu’au lieu d’une ligne iambique (da-DUM, da-DUM, da-DUM…), le premier pied est un trochee (DA-dum, da-DUM, da-DUM…). « AINSI, en hiver, se DRESSE l’ARBRE solitaire. »Comme le reste du mètre du poème est si régulier (il n’y a qu’un seul autre pied inversé, à la troisième ligne, et il est au milieu d’une phrase, ce qui le rend moins visible), ce changement de motif opère comme une pause et une réorientation dans le poème. Maintenant, nous faisons quelque chose de nouveau: nous comparons le sentiment qu’elle a décrit dans la première octave du poème à la situation d’un arbre en hiver. Dans le sestet (les six dernières lignes), le poème explore une comparaison métaphorique. En plus de ses variations métriques, Millay prend également la liberté de modifier le schéma des rimes de manière mineure. Au lieu du schéma typique de CDECDE, elle fait le sien CDEDCE. Ce changement ne fait pas de différence majeure dans la façon dont nous entendons le poème, mais il montre que les sonneteurs ont toujours ressenti une certaine liberté pour modifier la forme de la « boîte » pour qu’elle leur convienne.

Le sonnet de Millay nous offre un autre bon modèle pour un exercice de sonnet: essayez d’écrire un sonnet de Pétrarque. Dans l’octave, parlez littéralement d’un sentiment ou d’un problème. Dans le sestet, en commençant par le mot « ainsi » ou un autre moyen rapide de signaler le virage, trouvez une métaphore du monde naturel. Utilisez-le pour décrire le même sentiment.

Variations et libertés: Sortir de la cellule du Sonnet

Les écrivains modernes se sont de plus en plus sentis libres d’utiliser la structure de base du sonnet et de varier certaines de ses exigences en fonction du poème ou du poète. En raison de notre longue histoire avec la forme, chaque fois que l’on écrit un poème de quatorze lignes, il est susceptible d’être lu comme une variation sur le sonnet. Certains sont si lâches qu’ils ne contiennent qu’un « fantôme » du sonnet en eux, mais beaucoup se situent quelque part entre les deux, permettant au compteur de déborder un peu la ligne, ou autorisant la rime oblique au lieu de la rime complète, mais respectant la plupart des exigences de la forme et conservant son esprit. Shakespeare ou Millay auraient pu être opposés à ces déviations, mais ils font souvent appel à ceux qui sont plus enclins à des formes plus souples. Au cours des 150 dernières années, le sonnet a pu évoluer, et il s’avère être une boîte flexible.

Regardons un sonnet canonique qui repousse ces limites, « Carrion Comfort » de Gerard Manley Hopkins. »À première vue, il est déjà évident que ces lignes ne peuvent pas être des pentamètres iambiques: elles sont beaucoup trop longues. Commencez à compter et vous verrez que certains passent à dix-sept ou dix-huit syllabes. Hopkins a inventé une nouvelle façon de compter le compteur appelé sprung rhythm, qui explique certaines de ses marques d’accent étranges dans le poème, et lui a peut-être donné un moyen de le scanner de telle sorte qu’il puisse affirmer qu’il correspond au compteur. Quoi qu’il en soit, il est évident pour quiconque le lit à haute voix qu’il y a beaucoup plus de battements par ligne que cinq. Mais ce sont des rythmes merveilleux, mis en valeur par l’angoisse claire du poème et son épine dorsale à peu près iambique. Dès le premier mot, nous sommes pris dans le tourment et le refus de l’orateur: « NON, JE NE VAIS PAS, Réconforter la charogne, désespérer, ne pas SE RÉGALER de TOI. Not « Non seulement il commence par le négatif – indiquant ce qu’il ne fera pas — mais le mot lui-même casse le mètre iambique dans le premier pied de la première ligne: une promulgation du refus. Mais de quoi parle ce poème ? L’objet de ce tourment ne se révèle que lentement dans ces longues lignes tortueuses, et cela correspond au sujet de Hopkins. À travers le langage terriblement étiré et tordant la langue, et la façon dont il continue au-delà de la fin de notre souffle naturel, nous amenant au point d’épuisement dans chaque ligne, nous sommes entraînés dans la lutte du locuteur avec sa foi. Nous devons lutter, comme il lutte, avec son Dieu.

Quelques exercices de sonnet se suggèrent ici:

1. Commencez un sonnet par le mot « non » ou « non » ou une autre négation. (Je dois à Linda Gregerson le mérite de l’invite de négation — c’est elle qui me l’a attribuée pour la première fois.) Ne vous inquiétez pas trop de coller avec le compteur exact, mais essayez d’avoir un fort sens du rythme.
2. Écrivez un poème dans lequel l’orateur s’adresse directement à quelqu’un d’autre. Posez des questions. Ne leur réponds pas.

Pour un sonnet ample plus contemporain, jetez un coup d’œil au «  » de Dawn Lundy Martin — ce poème, comme « Carrion Comfort », prend des libertés avec les longueurs de lignes. Mais alors que « Carrion Comfort » s’en tient fermement à son schéma de rimes, «  » ne suggère que très peu de rimes. Il semble suivre le mode shakespearien avec ses douze lignes continues de description réfléchissante. Le couplet final, rejoint par ses rimes inclinées « blood » et « does », change le ton et permet une finalité à la discussion ci-dessus. Le rythme iambique est le plus fort à la fin, nous rappelant que oui, ce poème est un sonnet lâche: « le battement, allumé, et faisant ce qu’il fait. »

Pour des sonnets contemporains plus lâches — des poèmes que les auteurs et / ou les lecteurs classeraient comme des sonnets mais qui ne suivent pas nécessairement toutes les restrictions traditionnelles de la forme — voir les « Arrêts vocaux » de Forrest Gander et le « Sonnet de poème de guerre Incandescent de Bernadette Mayer. »Réfléchissez aux parties de la structure qu’ils choisissent de desserrer et pourquoi. Comment ces décisions formelles interagissent-elles avec le sujet des poèmes ? Le poème de Mayer en particulier discute de ses choix d’une manière consciente de soi: elle demande: « Qu’est-ce que c’est? Un sonnet ? » après avoir dit qu’il n’y a pas de rimes et que « c’est en prose, non ce n’est pas. »Si vous avez du mal avec la rigueur du sonnet, comme le font de nombreux écrivains, ces poèmes peuvent être rafraîchissants dans leur encouragement à enfreindre les règles. Essayez d’écrire un sonnet non rimé, ou un sonnet qui ne vise pas un mètre iambique. Concentrez-vous sur l’intégration d’autres traditions de la forme du sonnet dans votre poème, telles que la discussion réfléchie d’un sujet et l’utilisation d’un tour.

Boîte sur boîte: Séquences et couronnes de sonnets

Si, de l’autre côté du spectre, vous avez envie de plus de forme, ou si vous n’aimez tout simplement pas être limité à la brièveté de quatorze lignes, vous pouvez enchaîner un groupe de sonnets en une séquence de sonnets. Ces sonnets peuvent se combiner pour raconter une histoire plus longue, comme le fait George Meredith dans « Modern Love. »à propos de son mariage raté. Les 50 sonnets qui composent ce long poème font chacun 16 lignes. Les sonnets peuvent également être attelés les uns aux autres par répétition: chaque sonnet successif utilise comme première ligne la dernière ligne du sonnet précédent. Le sonnet final se termine par la même ligne qui commence le premier sonnet, complétant ainsi le cercle. Ce type de séquence s’appelle une couronne de sonnets. « Le Vieux Pays » de Paul Muldoon utilise habilement la couronne pour décrire (et incarner, à travers la voix) un souvenir d’une vieille Irlande. L’utilisation de la rime forte du sonnet en particulier est exposée dans chaque section de cette séquence, mais Muldoon ajoute une autre couche aux qualités musicales ici en utilisant également l’anaphore.  » Chaque bois avait son twist de woodbine. / Chaque falaise son troupeau de porcs fatalistes. »Cette répétition envoûtante de « chaque » et la structure de la phrase répétitive donnent à la couronne une sensation fabuleuse et bercent l’auditeur (parce que vous voulez vraiment entendre celui-ci à haute voix!) dans les plaisirs du rythme et de la rime. Le rythme de l’anaphore fournit également une régularité dans les lignes qui aide à dissimuler les libertés que Muldoon prend tout au long de la séquence avec la longueur des lignes et les types de pieds.

Le poème de Bruce Snider « Devotions » utilise également la structure de la couronne du sonnet, bien qu’il ne fasse pas l’étape finale de revenir à la première ligne à la fin de la séquence. Là où « Le Vieux Pays » a utilisé les biens immobiliers supplémentaires de la séquence pour étendre ses exemples de ce lieu décrit, « Dévotions » raconte plutôt une histoire en évolution. Chaque sonnet de la couronne montre ce qui se passe ensuite et permet à l’espace de l’orateur de considérer et de réfléchir à chaque événement. C’est une autre opportunité dans la séquence du sonnet: vous pouvez prendre une histoire trop grande ou trop longue à raconter dans un sonnet et la diviser en parties, chacune pouvant avoir son propre espace. Pensez à quelque chose qui semble trop grand pour l’espace d’un seul sonnet — peut-être un lieu chargé d’histoire et de tradition, comme l’Irlande de Muldoon, ou peut-être une histoire avec plusieurs composantes. Dans un cahier, notez toutes les composantes de cette image ou de cette histoire. Voyez si vous pouvez les organiser en sections qui semblent à peu près également pondérées. Si vous vous sentez ambitieux, essayez d’écrire le premier sonnet. Cela peut-il vous emmener n’importe où? Y a-t-il des lignes ou des phrases dans le premier sonnet qui pourraient être utiles ou agréables à répéter dans les sections suivantes? Le sonnet nécessite toujours une compression — chaque mot doit être nécessaire et exact – mais vous avez plus d’espace pour mettre en jeu plusieurs parties. Explorez les possibilités ici, en prenant des libertés avec la forme à votre guise.

POUR EN SAVOIR PLUS

Voici des sonnets supplémentaires qui peuvent vous montrer les possibilités et les potentiels de différentes formes de sonnets:

Sonnets shakespeariens

Hall of Records, par Peter Spagnuolo

Tel quel, par Nicholas Friedman

The Craftsman, par Marcus B. Christian

Le Sonnet blessé, de Casey Thayer (bien que vous remarquerez la courte ligne finale et l’absence de rime pour ce couplet, qui renvoie magnifiquement à la perte dans le sujet du poème)

Que dire lorsqu’on vous demande d’être amis, de Julian Talamantez Brolaski

Les fruits ne tombent pas loin, d’Elsa von Freytag-Loringhoven

Sonnets Pétrarchiens

Le bleu sans carriole de Ces Profondeurs Sont Presque Aveuglantes, par Ashley Anna McHugh

Photo de Melville; Back Room, Old Bookstore, par Stephen Sandy

Grieve Not, par Walter Clyde Curry

Après cinquante ans, par William Faulkner

, par Karen Volkman (notez que Volkman inverse le schéma de rimes dans les trois dernières lignes)

Le professeur, par Joshua Mehigan (Mehigan change également le schéma de rimes du sestet au minimum)

Sonnets non traditionnels

La Tête de Rose Nail, par A.E. Stallings (Stallings a créé son propre schéma de rimes, bien que cela suive strictement les conventions)

Professional Middle-class Couple, 1922, par Adam Kirsch (un poème de 16 lignes qui utilise deux fois la forme de l’octave de Pétrarque)

The Gulf, 1987, par Deborah Paredez (non rimée)

All Hallows’ Eve, par Dorothea Tanning (tétramètre iambique, avec son propre schéma de rimes)

Draw Near, de Scott Cairns (12 lignes, non symétriques)

Sonnet, de Todd Swift (lignes courtes, mètre irrégulier, schéma de rimes non traditionnel)

Toutes les ruptures de Vos poèmes sont-elles réelles?, par Aimee Nezhukumatathil (un poème vaguement dosé et non rimé utilisant la forme du sonnet et présentant une volta)