jeg er fast overbevist om, at kunstneres roller ikke er specifikke for deres valgte koncentration eller endda deres naturlige tilbøjelighed. Uanset om du er illustrator, forfatter, fotograf, skuespiller eller musiker, finder du uden tvivl en vis grad af trøst i kreativt udtryk. Storyboarding er en fantastisk måde at opmuntre det på, da det er langt mere tilgængeligt end f.eks. Plus, indsatsen er ikke så høj med storyboards siden, som jeg har nævnt før, de er et middel til en ende, og ikke “enden” selv. Så uanset om du er klar til at kortlægge en spillefilm, eller bare nysgerrig efter at hente øvelsen, her er alt hvad du behøver at vide for at komme i gang!
Tegn dine egne kasser
a “Ridleygram” af Ridley Scott til hans film Prometheus (2012).
Jeg elsker at tegne mine egne storyboard-kasser, selvom jeg til sidst går videre til en foruddefineret skabelon. Ved at oprette dine egne grænser tillader du dig selv at eksperimentere med forskellige billedformater og derved opdage, hvor økonomisk du gør eller ikke behøver at være med det, du inkluderer i skuddet.
desuden skaber omridset af dine rammer for hånd et fysisk, taktilt forhold til dit arbejde – det gode ved dette er, at det dyrker en organisk forbindelse mellem det fantasifulde (tegningerne) og det mekaniske (grænsen indeholdende tegningerne). At gøre dette kan bogstaveligt talt skubbe dig til at tegne uden for boksen (dvs. åbn kompositioner), eller i det mindste ændre den type boks, du bruger. Dette kan manifestere sig i nogle grænser, der er fed (“meget vigtig”), prikket (“ikke særlig vigtig”), bølget (“drømmesekvens”) eller endda farvekodet. Hvordan du definerer disse er helt op til dig. Den bedste måde at tænke på denne handling er som en opvarmning eller et håndtryk med dit valgte lærred.
horisontlinje, forsvindingspunkt og perspektiv
en enkelt linje trukket bag eller over dine nøgletal, uanset hvor ufuldkommen det måtte være, kan gøre vidundere: ved at tilføje dette gør du et væsentligt, hvis tilsyneladende rudimentært aspekt af dybde og rum. Det er noget, mange af os sandsynligvis lærte i grundskolen, og dets plads i vores barndomsuddannelse er velfortjent, fordi det bringer vores skitser ud af den klare 2D-verden og ind i den (falske) 3D-en. Som en af mine universitetsprofessorer kunne lide at sige, er tegning alt “et con game” — hvilket betyder, at når det kommer til grafit på papir eller billedpunkter på en skærm, skaber vi illusionen af et objekt i rummet, ikke selve objektet. At minde mig selv om dette fjerner samtidig noget pres og frigør min fantasi.
den anden halvdel af dette trin er lige så enkel og barnlig, men også afgørende: for at oprette dit forsvindingspunkt skal du blot tegne en prik hvor som helst i horisontlinjen. Fra prikken skal du udstråle et par linjer mod dig (Y-akse) og parallelt med dig (H-akse). Jeg bruger sjældent en lineal, som jeg finder det sinker og distraherer mig, men det er altid godt at have en rundt uanset. Hvis du gerne vil gå et skridt videre, kan du endda tegne cirkler på det gitter, du lige har lavet til at repræsentere (i næsten topografisk forstand), hvor dine nøgletal/objekter vil være.
i sidste ende, uanset dine valgte våben (pen og papir, stylus og tablet osv.), dit mål er at låne volumen til dine tal og dybde til dine placeringer og indstillinger. Handlingen med at tegne en horisontlinie og forsvindingspunkt, selvom det ikke altid er nødvendigt (f.eks.
relateret indlæg tegning Inspiration: Nøglerne til at skabe Killer Storyboards
grundlæggende former, sammensætning og skala
før du fylder dit sind (og efterfølgende din ramme) med irrelevante detaljer, er det vigtigt at etablere forholdet mellem dine figurer og det område, de besætter. Det er fristende at hoppe lige ind i linjerne i et ansigt eller vinduerne i en bygning, men hvis du løst skitserer silhuetterne af disse nøgleelementer først, vil summen af din skitse være større end dens dele — hvilket giver dig større licens til derefter at udfylde detaljerne.
når man udforsker skala (grandiose etablering af skud, fejende luftbilleder, bogstavelige/metaforiske “David og Goliat” scenarier), er den bedste måde at starte med grundlæggende linjer og former.
for eksempel, bare ved at tegne en større, dristigere form ved siden af en mindre, fremkalder du et følelsesmæssigt svar. Tilsvarende, at efterlade en enorm mængde negativt rum omkring et enkelt mærke kan antyde ensomhed eller gå tabt. Det er skalaens kraft. Ligesom musik undertiden handler om de toner, du ikke spiller, handler storyboarding undertiden om de linjer, du ikke tegner.
rækkefølgen af dine handlinger kan også spare dig dyrebar tid (for ikke at nævne hovedpine). At arbejde i brede, meningsfulde streger i starten organiserer nøgleelementerne i dit skud i stedet for at forvirre det. Hvis du kan hjælpe det, vil du aldrig blive distraheret ved at tegne en tegns stubbe, før du selv er færdig med at tegne deres hoved.
Frame Division
mens tredjedelsreglen er allestedsnærværende af en grund — det er den klare artikulering af, hvorfor vi finder visse billeder så overbevisende – forenkling af en sammensætning endnu mere, i kvadranter (eller endda halvdele), kan komme til hjertet af den interesse endnu hurtigere. Meget som det menneskelige øje er i stand til at læse et ord eller en sætning med den nederste halvdel afskåret (men sjældent med toppen afskåret), kunne det samme siges om iscenesættelse af en scene. Tag for eksempel David Lean ‘ s udødelige Laurence af Arabien. På et rent funktionelt niveau er det let at bemærke, hvordan den væsentlige handling er indrammet til at opholde sig i den øverste halvdel. På en lidt mere kompleks, men alligevel helt historie – og karakterdrevet måde, skal du notere den måde, hvorpå Peter O ‘ Toole som Laurence bevæger sig fra sin øverste venstre kvadrant på skærmen til øverste højre i en aggressionshandling. Intet af dette er tilfældigt. Dit arbejde skal, og vil altid på et eller andet niveau, være et resultat af dine instinkter, men dine stolteste øjeblikke vil uden tvivl være, når du gifter dig med instinkt med bevidst tanke.
dybdeskarphed og baggrunde
DREDD (2012) storyboard by jock. Hans dristige, blokformede stil er bedragerisk minimal og helt funktionel.
tidligere nævnte jeg, hvordan brug af en lineal bremser mig. Da tiden ofte er essensen i storyboarding, skal du som kunstner prioritere den visuelle information, mens du er opmærksom på tidsstyring (undertiden ubevidst). Dette vil ske over tid, gennem praksis og gentagelse, og du har sandsynligvis allerede indpodet din egen måde at gøre dette på. Pointen er – at – og dette er et tilbagevendende tema for storyboarding-du fokuserer på de vigtigste visuelle oplysninger, ikke nødvendigvis alle oplysningerne. Helt ærligt er der tidspunkter, hvor du slet ikke behøver at tegne en baggrund. Hvis du er forud for tidsplanen, vil du måske gerne, men afhængigt af kritiske faktorer som tildelt tid og budget givet, repræsenterer du handlingen over den etablerede placering hver gang. Dette skyldes, at ting som indstilling naturligvis bliver underforstået, når du har tegnet det i tidligere rammer og skud.når det er sagt, når du opretter en baggrund, vil selv den mest primitive version (en horisontlinie eller en vask af tonalitet) stadig øge din dybdeskarphed, fordi bare forslaget fra lokaliteten kan være nok til at opretholde strøm og momentum.
Rendering dine Storyboards
Justice League storyboard af Steve Skroce. Hans baggrund i tegneserier er en naturlig pasform til storyboards; brugen af farve identificerer tydeligt nøgletalene inden for hans løsere, mere gestural tegningstil.
igen, afhængigt af tid, ressourcer og/eller budget, kan du ønsker at opretholde en enkel, men energisk tegning stil, eller måske en mere grundig, grafisk roman-inspirerede tilgang. Det kan være en god ide at tilføje fuld farve, holde sig til gråtoner eller lave en blanding af begge dele. Dette er alle valg, der undertiden træffes for dig, enten af en direktør eller omstændighederne i projektet. Uanset resultatet er den ene stil ikke bedre end den anden; det er simpelthen et spørgsmål om præference og hvad der er passende. Tonen, baggrunden eller hensigten med projektet vil alle informere den måde, du gør tingene på.for eksempel film som Hughes Brothers ‘The Book of Eli og George Miller’ s Mad maks: Fury Road er bemærkelsesværdige for at bruge deres storyboards i stedet for et traditionelt script. Bortset fra de lange præproduktionsperioder, der gjorde det muligt for hele begge film at blive storyboarded, beskæftigede disse film hver især tegneseriekunstnere (Chris veston på Eli, Mark H. Sekston på maks) for at give et bevidst større end livet og meget æstetiseret look, der blev opretholdt gennem hele produktionen. Konceptkunstnere og storyboard-kunstnere kommer næsten altid ind før kostumedesignere, produktionsdesignere og andre – så uanset hvordan du vælger at gengive dine tegninger, skal du ikke undervurdere den indflydelse, dit arbejde vil have på rollebesætningen, besætningen og filmen som helhed.
bogen af Eli storyboard af Chris veston. Hans stil er defineret af et Brian Bolland-agtigt detaljeringsniveau og atmosfære. Hans arbejde blev præsenteret som en grafisk roman til skuespillerne i stedet for et traditionelt script.Jim Penola er freelance illustrator og storyboard artist. Han har studeret tæt under sine mentorer og industriveteraner Robert Castillo (The Sopranos, Precious) og Vilhelm H. Frake III (Pocahontas, Ice Age). Jim modtog sin BFA-grad i kunst / Illustration fra Paterson University. Du kan følge ham på kvidre og Instagram @ jimpenola.
topbillede: udvalgte storyboards af Jim Penola til en kommende musikvideo fra Lindsey Stirling.