Danse sociale

Lorsque les premières danses folkloriques européennes — en particulier les formes de parade nuptiale — ont été incorporées dans les danses de cour, elles ont perdu beaucoup de leurs éléments bruyants et pantomimiques. L’homme ne poussa plus en avant pour embrasser la femme ou la souleva vigoureusement en l’air, mais s’agenouilla simplement et lui prit la main. La résistance violente antérieure de la femme s’est réduite en un tour de tête coquet, et les foulées et les courses énergiques ont cédé la place à de simples pas glissants, formant souvent des motifs complexes ponctués de petites poses, d’arcs et de reculs.

Les formes sociales, par opposition aux formes théâtrales, que ces premières danses de cour inspiraient sont progressivement devenues plus élaborées et plus vivantes, avec de petits ascenseurs, sauts et virages inclus, comme dans le galliard et le lavolta. Peu à peu aussi, l’accent a commencé à passer des formations de groupe serrées de nombreuses danses antérieures au couple individuel. À la fin du XVIIIe siècle, dans des danses telles que la valse et, par la suite, la polka, les gens dansaient simplement par paires, avec des formations de groupe réservées à l’affichage public. En même temps, ces danses sont venues être dansées par toutes les classes de personnes. Les étapes ont été simplifiées et les danseurs n’ont plus besoin d’instructions spéciales pour les exécuter.

Au 20ème siècle, les danses de salon sont devenues très populaires, avec de nouvelles danses, telles que le tango et le fox-trot, et de nouvelles variations sont progressivement ajoutées au répertoire. Comme la valse et la polka, les danses de salon accordaient de l’importance au jeu agile des jambes et des jambes, avec presque aucun mouvement de hanche et le torse se balançant légèrement au rythme de la danse. L’avènement du jazz, cependant, a conduit à d’autres formes de danse sociale, car la musique occidentale est tombée sous l’influence des descendants des esclaves en Amérique. À l’époque du jazz des années 1920, des danses comme le Charleston et le Black Bottom montraient non seulement les rythmes syncopés, les genoux pliés, les torses accroupis et les mouvements des hanches et du bassin de la danse africaine, mais aussi la dominance de la forme du couple. Les gens pouvaient encore danser l’un en face de l’autre par paires, mais ils ne se tenaient plus ni ne dansaient à l’unisson, et il était parfaitement permis au danseur de danser seul. En conséquence, les danseurs ne suivaient plus un schéma de pas défini, mais inventaient les leurs dans le style général.

Un danseur sans partenaire était libre de choisir la distance et la direction dans lesquelles se déplacer. Des mouvements beaucoup plus vigoureux du torse, des jambes et des bras étaient possibles, car le danseur n’avait pas à se soucier de gêner son partenaire. Le danseur peut sauter, donner des coups de pied aux jambes, étirer ses bras sur le côté ou au-dessus de la tête ou les balancer dans les airs et peut s’accroupir, étendre son corps ou se tordre en toute liberté. Le lindy et le rock and roll ont ramené le contact entre les danseurs, mais c’était d’un genre très acrobatique et individualiste. L’influence de la danse africaine peut encore être observée dans le disco et d’autres formes populaires, en particulier dans le balancement caractéristique des hanches et les mouvements percussifs du torse marquant les rythmes de la musique.

Judith R. Mackrell

Le breaking, une danse de type plus communément appelée break dance, a commencé à New York à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Il est largement improvisé, sans mouvements ni pas « standard ». L’accent est mis sur l’énergie, le mouvement, la créativité, l’humour et un élément de danger. Les membres d’un groupe ou d’un équipage ont généralement un style et une identité distincts, et les équipages rivaux rivalisent souvent les uns avec les autres dans la rue, montrant l’habileté et l’ingéniosité de leurs mouvements. Breaking a atteint un plus grand public dans les années 1980 lorsqu’il a été adopté par des artistes grand public tels que Michael Jackson, passant d’un phénomène de rue à une forme de danse qui a été adoptée par la culture plus large. C’est à cette époque que le terme break dancing a été inventé par les médias, qui confondaient souvent le répertoire des breakers new-yorkais avec des mouvements simultanés de la côte Ouest tels que « popping » et « locking ». »Ces routines ont été popularisées au début des années 1970 par des artistes à la télévision, dont Charlie Robot, qui est apparu dans la populaire série télévisée Soul Train.

Les éditeurs de l’Encyclopaedia Britannica