Ich bin fest davon überzeugt, dass die Rollen von Künstlern nicht spezifisch für ihre gewählte Konzentration oder gar ihre natürliche Neigung sind. Egal, ob Sie Illustrator, Autor, Fotograf, Schauspieler oder Musiker sind, Sie finden zweifellos ein gewisses Maß an Trost im kreativen Ausdruck. Storyboarding ist eine großartige Möglichkeit, dies zu fördern, da es weitaus zugänglicher ist als beispielsweise Malen oder Aktzeichnen. Außerdem sind die Einsätze bei Storyboards nicht so hoch, da sie, wie ich bereits erwähnt habe, Mittel zum Zweck und nicht „das Ende“ selbst sind. Egal, ob Sie bereit sind, einen Spielfilm zu planen, oder einfach nur neugierig, wie die Praxis zu holen, hier ist alles, was Sie wissen müssen, um loszulegen!
Draw Your Own Boxes
Ein „Ridleygram“ von Ridley Scott für seinen Film Prometheus (2012).
Ich liebe es, meine eigenen Storyboard-Boxen zu zeichnen, auch wenn ich irgendwann zu einer vorgefertigten Vorlage übergehe. Indem Sie Ihre eigenen Ränder erstellen, können Sie mit verschiedenen Seitenverhältnissen experimentieren und so feststellen, wie sparsam Sie mit dem, was Sie in die Aufnahme aufnehmen, umgehen müssen oder nicht.
Darüber hinaus schafft das Erstellen der Umrisse Ihrer Rahmen von Hand eine physische, taktile Beziehung zu Ihrer Arbeit – das Gute daran ist, dass es eine organische Verbindung zwischen dem Imaginativen (den Zeichnungen) und dem Mechanischen (dem Rand, der die Zeichnungen enthält) herstellt. Dies kann Sie buchstäblich dazu bringen, über den Tellerrand hinaus zu zeichnen (z. öffnen Sie Kompositionen), oder ändern Sie zumindest die Art der Box, die Sie verwenden. Dies kann sich in einigen Rändern manifestieren, die fett („sehr wichtig“), gepunktet („nicht sehr wichtig“), gewellt („Traumsequenz“) oder sogar farbcodiert sind. Wie Sie diese definieren, liegt ganz bei Ihnen. Der beste Weg, sich diese Aktion vorzustellen, ist ein Aufwärmen oder ein Händedruck mit der Leinwand Ihrer Wahl.
Horizontlinie, Fluchtpunkt und Perspektive
Eine einzelne Linie hinter oder über Ihren Kennzahlen, so unvollkommen sie auch sein mag, kann Wunder bewirken: indem Sie dies hinzufügen, rendern Sie einen wesentlichen, wenn auch scheinbar rudimentären Aspekt von Tiefe und Raum. Es ist etwas, was viele von uns wahrscheinlich in der Grundschule gelernt haben, und sein Platz in unserer Kindheitserziehung ist wohlverdient, weil es unsere Skizzen aus der einfachen 2D-Welt in die (falsche) 3D-Welt bringt. Wie einer meiner College-Professoren gerne sagte, ist Zeichnen alles „ein Betrugsspiel“ — was bedeutet, dass wir, wenn es um Graphit auf Papier oder Pixel auf einem Bildschirm geht, die Illusion eines Objekts im Raum erzeugen, nicht das Objekt selbst. Mich gleichzeitig daran zu erinnern, nimmt etwas Druck ab und befreit meine Vorstellungskraft.
Die andere Hälfte dieses Schrittes ist ebenso einfach und kindlich, aber auch entscheidend: Um Ihren Fluchtpunkt zu erstellen, zeichnen Sie einfach einen Punkt irgendwo auf der Horizontlinie. Strahlen Sie vom Punkt aus einige Linien in Ihre Richtung (Y-Achse) und parallel zu Ihnen (X-Achse). Ich benutze selten ein Lineal, da es mich verlangsamt und ablenkt, aber es ist immer gut, eines in der Nähe zu haben. Wenn Sie noch einen Schritt weiter gehen möchten, können Sie sogar Kreise auf das Raster zeichnen, das Sie gerade erstellt haben, um (in einem fast topografischen Sinne) darzustellen, wo sich Ihre Schlüsselfiguren / Objekte befinden.
Letztendlich unabhängig von den Waffen Ihrer Wahl (Stift und Papier, Stift und Tablet usw.), Ihr Ziel ist es, Ihren Figuren Volumen und Ihren Orten und Einstellungen Tiefe zu verleihen. Das Skizzieren einer Horizontlinie und eines Fluchtpunkts ist zwar nicht immer notwendig (z. B. bei Nahaufnahmen oder niedrigen Winkeln), aber immer eine hilfreiche Übung.
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Grundformen, Komposition und Maßstab
Bevor Sie Ihren Geist (und anschließend Ihren Rahmen) mit irrelevanten Details füllen, ist es wichtig, die Beziehung zwischen Ihren Figuren und dem Bereich, den sie einnehmen, herzustellen. Es ist verlockend, direkt in die Linien eines Gesichts oder die Fenster eines Gebäudes zu springen, aber wenn Sie zuerst die Silhouetten dieser Schlüsselelemente lose skizzieren, ist die Summe Ihrer Skizze größer als ihre Teile — was Ihnen eine größere Freiheit gibt Füllen Sie dann die Besonderheiten aus.
Wenn Sie den Maßstab erkunden (grandiose Einspielungen, beeindruckende Luftaufnahmen, wörtliche / metaphorische „David und Goliath“ -Szenarien), beginnen Sie am besten mit grundlegenden Linien und Formen.
Wenn Sie beispielsweise eine größere, mutigere Form neben eine kleinere zeichnen, lösen Sie eine emotionale Reaktion aus. In ähnlicher Weise kann das Hinterlassen einer großen Menge an negativem Raum um eine einzelne Markierung auf Einsamkeit oder Verlust hindeuten. Das ist die Macht der Skala. So wie es bei Musik manchmal um die Noten geht, die Sie nicht spielen, geht es beim Storyboard manchmal um die Linien, die Sie nicht zeichnen.
Die Reihenfolge Ihrer Aktionen könnte Ihnen auch wertvolle Zeit sparen (ganz zu schweigen von Kopfschmerzen). Wenn Sie zu Beginn mit breiten, aussagekräftigen Strichen arbeiten, werden die Schlüsselelemente Ihres Schusses organisiert, anstatt sie zu verwirren. Wenn Sie ihm helfen können, möchten Sie sich nie ablenken lassen, indem Sie die Stoppeln eines Charakters zeichnen, bevor Sie mit dem Skizzieren des Kopfes fertig sind.
Frame Division
Während die Drittelregel aus einem bestimmten Grund allgegenwärtig ist — es ist die klare Artikulation, warum wir bestimmte Bilder so überzeugend finden – kann die Vereinfachung einer Komposition in Quadranten (oder sogar Hälften) noch schneller zum Kern dieses Interesses führen. So wie das menschliche Auge in der Lage ist, ein Wort oder einen Satz mit abgeschnittener unterer Hälfte zu lesen (aber selten mit abgeschnittener oberer Hälfte), könnte dies auch für die Inszenierung einer Szene gelten. Nehmen wir zum Beispiel David Leans unsterblichen Lawrence von Arabien. Auf einer rein funktionalen Ebene ist es leicht zu erkennen, wie die wesentliche Aktion in der oberen Hälfte angeordnet ist. Beachten Sie auf etwas komplexere, aber völlig story- und charaktergesteuerte Weise, wie sich Peter O’Toole als Lawrence in einem Akt der Aggression von seinem oberen linken Quadranten des Bildschirms nach oben rechts bewegt. Nichts davon ist zufällig. Ihre Arbeit sollte und wird auf einer gewissen Ebene immer ein Ergebnis Ihrer Instinkte sein, aber Ihre stolzesten Momente werden zweifellos sein, wenn Sie Instinkt mit bewusstem Denken verbinden.
Schärfentiefe und Hintergründe
DREDD (2012) Storyboard von JOCK. Sein kühner, blockiger Stil ist täuschend minimal und völlig funktional.
Vorhin habe ich erwähnt, wie die Verwendung eines Lineals mich verlangsamt. Da Zeit beim Storyboarding oft von entscheidender Bedeutung ist, müssen Sie als Künstler die visuellen Informationen priorisieren und gleichzeitig auf das Zeitmanagement achten (manchmal unbewusst). Dies wird im Laufe der Zeit durch Übung und Wiederholung geschehen, und Sie haben wahrscheinlich bereits Ihre eigene Art, dies zu tun, eingeführt. Der Punkt ist, dass – und das ist ein wiederkehrendes Thema des Storyboarding – Sie konzentrieren sich auf die wichtigsten visuellen Informationen, nicht unbedingt alle Informationen. Ehrlich gesagt gibt es Zeiten, in denen Sie überhaupt keinen Hintergrund zeichnen müssen. Wenn Sie dem Zeitplan voraus sind, möchten Sie dies vielleicht, aber abhängig von kritischen Faktoren wie der zugewiesenen Zeit und dem angegebenen Budget stellen Sie die Aktion jedes Mal über dem festgelegten Ort dar. Dies liegt daran, dass Dinge wie die Einstellung natürlich impliziert werden, wenn Sie sie in früheren Bildern und Aufnahmen gezeichnet haben.
Wenn Sie jedoch einen Hintergrund erstellen, wird selbst die primitivste Version (eine Horizontlinie oder ein Hauch von Tonalität) Ihre Schärfentiefe erhöhen, da nur der Vorschlag des Gebietsschemas ausreichen kann, um den Fluss und die Dynamik aufrechtzuerhalten.
Rendern Sie Ihre Storyboards
Justice League Storyboard von Steve Skroce. Sein Hintergrund in Comic-Büchern ist eine natürliche Passform für Storyboards; Die Verwendung von Farbe identifiziert eindeutig die Schlüsselfiguren in seinem lockereren, gestischeren Zeichenstil.Noch einmal, je nach Zeit, Ressourcen und / oder Budget, möchten Sie vielleicht einen einfachen, aber energischen Zeichenstil oder vielleicht einen gründlicheren, Graphic Novel-inspirierten Ansatz beibehalten. Vielleicht möchten Sie Vollfarbe hinzufügen, sich an Graustufen halten oder eine Mischung aus beidem machen. Dies sind alles Entscheidungen, die manchmal für Sie getroffen werden, entweder von einem Regisseur oder den Umständen des Projekts. Unabhängig vom Ergebnis ist ein Stil nicht besser als der andere; Es ist einfach eine Frage der Präferenz und dessen, was angemessen ist. Der Ton, der Hintergrund oder die Absicht des Projekts bestimmen die Art und Weise, wie Sie Dinge tun.Filme wie The Book of Eli von den Hughes-Brüdern und Mad Max: Fury Road von George Miller zeichnen sich beispielsweise dadurch aus, dass sie ihre Storyboards anstelle eines traditionellen Drehbuchs verwenden. Abgesehen von den langen Vorproduktionsperioden, die es ermöglichten, die Gesamtheit beider Filme mit Storyboards zu versehen, beschäftigten diese Filme jeweils Comiczeichner (Chris Weston auf Eli, Mark H. Sexton Auf Max), um ein bewusst überlebensgroßes und hochästhetisches Aussehen zu verleihen, das während der gesamten Produktion beibehalten wurde. Konzeptkünstler und Storyboard-Künstler kommen fast immer vor Kostümbildnern, Produktionsdesignern und anderen herein – unterschätzen Sie also nicht, welchen Einfluss Ihre Arbeit auf die Besetzung, die Crew und den Film als Ganzes haben wird.
Das Buch von Eli Storyboard von Chris Weston. Sein Stil zeichnet sich durch eine Brian Bolland-artige Detailgenauigkeit und Atmosphäre aus. Westons Arbeit wurde den Schauspielern anstelle eines traditionellen Drehbuchs als Graphic Novel präsentiert.Jim Penola ist ein freiberuflicher Illustrator und Storyboard-Künstler. Er hat bei seinen Mentoren und Branchenveteranen Robert Castillo (The Sopranos, Precious) und William H. Frake III (Pocahontas, Ice Age) genau studiert. Jim erhielt seinen BFA-Abschluss in Kunst / Illustration von der William Paterson University. Sie können ihm auf Twitter und Instagram @jimpenola folgen.
Oberes Bild: Ausgewählte Storyboards von Jim Penola für ein bevorstehendes Musikvideo von Lindsey Stirling.