Maximaler Minimalismus: Das Glenstone Museum von Emily und Mitchell Rales wächst

Kloster auf einem Sylvan-Anwesen, das einst von einem Fuchsjagdclub im wohlhabenden Washington, DC, genutzt wurde., Vorort von Potomac, Maryland, das Glenstone Museum war für viele Jahre so etwas wie ein Rätsel.Als es 2006 zum ersten Mal der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde, waren Besuche in seinem 30.000 Quadratmeter großen Ausstellungsgebäude und dem kunstvollen Gelände von Charles Gwathmey nur nach Vereinbarung an einigen Tagen in der Woche möglich. Die Gründer – Mitchell Rales, ein Industrieller mit einem geschätzten Nettovermögen von rund 4 Milliarden US—Dollar, und seine Frau Emily Rales, eine ehemalige Kunsthändlerin – sprachen selten mit der Presse, und sie waren zurückhaltend in Bezug auf ihre langfristigen Pläne. Bis 2013, als sie ihre Absicht bekannt gaben, ein zweites, viel größeres Gebäude für das Museum zu schaffen, hatten weniger als 10.000 Menschen jemals besucht.

„Es braucht Zeit, um eine Institution aufzubauen“, erzählte mir Emily kürzlich und erinnerte sich an diese frühen Jahre. „Die Absicht war immer da, willkommen zu sein und unsere Türen zu öffnen — wir brauchten nur eine Weile, um dorthin zu gelangen.“ Die Nachfrage nach ihrer beeindruckenden Sammlung überwiegend nachkriegs- und zeitgenössischer Kunst, die jetzt 1.300 Werke umfasst, war enorm“, sagte sie. „Es läuft alles auf sehr einfache praktische Fragen in Bezug auf Infrastruktur, Parkplätze und Personal hinaus. Wir hatten sehr wenig von diesen drei Dingen.“

Das hat sich geändert. Am 4. Oktober wird die Erweiterung — eine 204.000 Quadratmeter große Struktur, die vom New Yorker Architekten Thomas Phifer entworfen wurde, sowie eine ehrgeizige Landschaftsinitiative von PWP Landscape Architecture auf Glenstones 230 Hektar – eingeweiht. Aber an einem heißen Juninachmittag, als die Kunst noch sorgfältig installiert wurde, besichtigte ich das Gelände und das Gebäude, die sowohl in ihrem Maßstab als auch in ihrer Liebe zum Detail erstaunlich sind. Nach seiner Eröffnung wird das vergrößerte Glenstone heute als eines der ehrgeizigsten und beeindruckendsten privaten Kunstmuseen der Welt gelten.

Phifers Gebäude ist von prächtiger Einfachheit, aus Holz, Glas und etwa 26.000 Betonblöcken, die zur Schaffung von 11 Galerien—Pavillons, in Glenstones Sprachgebrauch — viele davon sind langfristigen Ausstellungen von Stücken einzelner Künstler gewidmet, darunter Brice Marden, Cy Twombly, Charles Ray , und andere. Ein einsamer Raum in der ersten Präsentation wird 65 Stücken von 52 Künstlern aus der Sammlung des Museums gewidmet sein, die reich an abstraktem Expressionismus, Minimalismus und Konzeptualismus ist, den sich heutzutage nur wenige Museen leisten können. (Das Museum hat es abgelehnt, die Kosten für die Erweiterung anzugeben.)

„Glenstone handelt von dieser sehr kontemplativen und ruhigen und minimalen Umgebung“, sagte Emily. „Die Architektur versucht nicht, die Kunst zu überstrahlen – sie harmoniert mit ihr.“ Die Raleses waren darauf bedacht, einen Architekten in der Mitte ihrer Karriere zu finden, und wurden mit dem North Carolina Museum of Art, das Phifer 2010 in Raleigh fertiggestellt hatte, aufgenommen, „um zu sehen, wie sensibel er für die Landschaft und die Kunst war“, sagte sie. Das Gebäude, das er für Glenstone entwarf, hat ein starkes, aber ungewöhnlich warmes Gefühl der Ruhe, das an Peter Zumthors Kolumba-Museum in Köln erinnert, während sein natürliches Licht an Robert Irwins subtile Renovierung von Dia: Beacon im Bundesstaat New York erinnert. „Wir möchten nicht, dass tagsüber Glühbirnen eingeschaltet werden“, sagte Phifer, „damit Sie die Bewegung des Lichts und die Atmosphäre des Lichts und den Wechsel des Lichts von Saison zu Saison spüren.“Mehr als alles andere suchten wir nach einer langsamen, immersiven Erfahrung, so dass Sie anfangen, langsamer zu werden und sich durch die Landschaft und durch die Gebäude mit all diesen Momenten der Reflexion und Pause zu bewegen“, sagte Phifer. Er verband die elf Galerien mit Fluren rund um einen weitläufigen Wassergarten mit Seerosen – eine Szene direkt aus Monet. „Wir wollten einen Raum schaffen, in dem es um den Himmel, das Licht und das Wasser geht“, sagte Phifer und erwähnte Ryōan-ji, den Zen-Tempel in Kyoto, Japan, als Inspiration für diesen ruhigen Freiluftraum. Draußen im Wassergarten steht eine lange Holzbank des Künstlers Martin Puryear, dessen Arbeit die Raleses eingehend gesammelt haben.Als Emily die Erweiterung von Glenstone konzipierte, fragte sich das Team: „Wie vermeiden wir Museumsmüdigkeit?“ und „Wie erweitern wir das Museumserlebnis, so dass es vielleicht drei Stunden, vielleicht fünf Stunden umfassen kann?“ Es ist leicht vorstellbar, dass ein Besuch einen halben Tag oder länger dauert. Die 50.000 Quadratmeter Ausstellungsfläche in der Erweiterung entspricht der des Whitney Museum in New York, und das Gelände umfasst ein hoch aufragendes Topiary-Stück von Jeff Koons, eine Klangarbeit von Janet Cardiff und George Bures Miller in dichten Wäldern und großformatige Skulpturen von Richard Serra und Ellsworth Kelly. (Das ursprüngliche Gwathmey-Gebäude verfügt über 9.000 Quadratmeter Ausstellungsfläche.) Es gibt zwei Cafés und einen Ankunftsbereich mit einer Buchhandlung, die beide abseits des Hauptgebäudes liegen, so dass das Kunsterlebnis durch Essen und Handel à la Menil Collection in Houston nicht beeinträchtigt wird. (Wie die Menil ist der Eintritt frei.) Das Museum ist vier Tage die Woche geöffnet.

Auch mit fortschreitender Erweiterung wächst und verändert sich die Glenstone-Sammlung weiter. „Mitch und ich treffen alle Entscheidungen selbst“, sagte Emily. Sie ziehen es vor, diese Entscheidungen an Berater zu delegieren, weil „es einfach zu viel Spaß macht und wir es einfach zu sehr lieben“, fuhr sie fort. „Das heißt, wir haben sehr strenge Richtlinien, an die wir uns halten.“ Unter ihnen ist ein intensiver Fokus auf Qualität: „Wir sind sehr methodisch, wenn es darum geht, die Besten der Besten zu suchen“, sagte sie. Jeder Künstler, den sie kaufen, muss auch seit 15 Jahren aktiv gewesen sein, und sie behalten genau im Auge, was die nahe gelegene National Gallery of Art, deren Vorstand Mitchell ist, und das Hirshhorn Museum besitzen. „Wir fühlen uns dieser Gemeinschaft von Washingtoner Institutionen sehr verbunden, und wir wollen ihre Bestände nicht duplizieren“, sagte sie.

Sie haben eine seltene Vorliebe dafür gezeigt, geduldig in ihrem Streben zu sein. Zu ihren wertvollen Kunstwerken gehören Schlüsselstücke von Willem de Kooning, Louise Bourgeois und Jasper Johns sowie das vielleicht berühmteste von David Hammons: How Ya Like Me Now? (1988), ein etwa 13 x 19 Fuß großes Porträt einer weißhäutigen Version von Jesse Jackson, begleitet von dem Text dieser Frage. Es wurde erstmals in einer öffentlichen Kunstausstellung in Washington, DC, im Jahr seiner Herstellung gezeigt, als es mit Vorschlaghammern zerstört wurde. (Hammons stellte anschließend einen Zaun aus diesen Werkzeugen vor das Werk.“Er hatte 20 Jahre lang daran festgehalten“, sagte Emily. „Wir waren sehr hartnäckig und bereit zu warten und fragten immer wieder, ob es ihm gut gehen würde oder nicht, und er stimmte schließlich zu, was sehr aufregend war.“

Einer ihrer jüngsten Einkäufe ist Allan Kaprow’s Yard (1961) — eine Zersiedelung von Gummireifen, die bei jedem Einbau neu konfiguriert werden können. Es schließt sich einer Sammlung an, die Fotografie, großformatige Installationen (ein weiterer Grund für die Erweiterung), zeitbasierte Arbeiten – darunter 144 Stücke der kanadischen Sammlerin Ydessa Hendeles – sowie Arbeiten außerhalb der USA und Europas hinzugefügt hat. wie japanischer Gutai und brasilianischer Neo—Beton. „Es ist keineswegs ein fertiges Projekt“, sagte Emily. „Wir haben noch viel zu tun und schauen uns andere Traditionen an. Es wird nur einige Zeit dauern, um zu bauen.Eine Version dieser Geschichte erschien ursprünglich in der Herbstausgabe 2018 von ARTnews auf Seite 94 unter dem Titel „Maximum Minimalism.“