Young British Artist Hits Middle Age: Catching up with Marc Quinn

Man hat ein seltsames Gefühl von déjà vu, wenn man den britischen Künstler Marc Quinn trifft. Sein Kopf – oder vielmehr eine gefrorene Skulptur davon, gegossen aus seinem eigenen Blut — ist zu einem ikonischen Bild zeitgenössischer Kunst geworden, das sich in unser kollektives Gedächtnis eingegraben hat. Die Skulptur mit dem Titel Self ist gleichzeitig ein Porträt des Künstlers und des Menschen und fasst Leben und Tod zusammen — ein Memento mori aus realer Materie, das theoretisch geklont werden könnte, um neues Leben zu schaffen. Und es gibt eine stetig wachsende Armee dieser unheimlichen Quinn-Repliken, die an Frankensteins Monster, das aztekische Opfer und die christliche Eucharistie erinnern.Inspiriert von Rembrandts Selbstporträts, die sein Antlitz von der Jugend bis ins hohe Alter zeigen, hat Quinn sich verpflichtet, alle fünf Jahre ein neues „Selbst“ zu produzieren, bei dem er über mehrere Monate hinweg acht Liter seines Blutes entnimmt. Er hat bis heute fünf gemacht, aber diese sogenannten Blutköpfe, jeder körperlos auf einem Edelstahlsockel mit einer Kühleinheit, trotzen jedem linearen Alterungsprozess; Tatsächlich sieht Quinns ursprünglicher Kopf von 1991 am ältesten aus.“‚Self‘ ist fast wie eine Beckett-Version von Rembrandt“, sagt Quinn. „Bei Rembrandt geht es wirklich an jedem Punkt um ihn und seine Persönlichkeit, während meine wie eine Wiederholung derselben Sache ist. Es ist eher eine Vision des Fortschritts des 21.Jahrhunderts.“ Warum er Blut als Medium wählte, sagt er, er wollte die materiellen Grenzen der Skulptur verschieben, und „Blut war der einzige Teil meines Körpers, den ich herausnehmen konnte, ohne mich selbst zu verstümmeln.“

In Quinns Studio in East London konkurrieren riesige Gemälde psychedelischer Blumen und menschlicher Iris um Aufmerksamkeit mit Skulpturen von Supermodel Kate Moss, die in yogischen Knoten gefesselt sind, einem transsexuellen Paar, das im Doggystyle kopuliert, und übergroßen Muschelschalen. Solche scheinbar disparaten Sujets sind durch das ständige Bestreben des Künstlers verbunden, die Kultur unserer Zeit widerzuspiegeln. In seinen Erkundungen von Identität, Sexualität, Schönheit und der Zerbrechlichkeit der Existenz hat er Skulpturen von Pornostars und behinderten Menschen, Gemälde von gigantischen Fingerabdrücken und Installationen von gefrorenen Blumengärten geschaffen. Ebenso vielfältig sind seine Materialien, darunter Brot, DNA, Eis, Kot sowie Plazenta und Blut von der Geburt seines Sohnes.Mit 50 Jahren behält Quinn ein jugendliches Aussehen und trägt ein lindgrünes T-Shirt im Wert von 200 US-Dollar mit einem Fingerabdruckmuster, das Teil der Modelinie ist, die er vor drei Jahren auf den Markt gebracht hat, und eine schwarze Rolex, die er mit der Bamford-Uhrenabteilung entworfen hat. Derzeit ist er damit beschäftigt, neue Werke für eine Ausstellung im September im Centro de Arte Contemporáneo de Málaga in Spanien und für drei große Einzelausstellungen zu schaffen, die für nächstes Jahr geplant sind: im Jantar Mantar Outdoor Observatory aus dem 18.Jahrhundert in Jaipur, Indien; das Denver Art Museum; und die höhlenartige Bermondsey-Niederlassung von White Cube im Südosten Londons.

Er stellt eine neue Tapisserie-Serie zusammen (hergestellt mit einem computergesteuerten Jacquard-Webstuhl), die Szenen der jüngsten Aufstände weltweit zeigt. Diese Stücke reichen von seinem Wandteppich The Creation of History (2012), der auf einem Bild der Unruhen von 2011 in England basiert und einen vermummten Jugendlichen vor dem Hintergrund eines Brandes zeigt. „Ich interessierte mich für die Art und Weise, wie Wandteppiche verwendet wurden, um Schlachten im Mittelalter zu feiern“, erklärt er. „Das sind wie zeitgenössische Schlachten.“ Im Gegensatz zu den Wandteppichen, die früher die Palastmauern säumten, sind Quinns für den Boden bestimmt — zum Betreten und Verwandeln, was den demokratischen Geist der Proteste an der Basis widerspiegelt.

Seine Bronzen von Bonsai-Bäumen markieren einen weiteren Vorstoß in neue Techniken, bei denen revolutionäre Technologien verwendet werden, um die Abmessungen eines lebenden Baumes zu scannen und dann einen Prototyp per Laser zu schneiden, der später in Bronze gegossen wird. „Ich glaube, dass das 3D-Scannen — das ich bereits in den Muschelskulpturen verwendet habe – eine Entwicklung für die Skulptur ist, die genauso wichtig ist wie die Erfindung der Fotografie für die Malerei vor hundert Jahren“, sagt er.Quinn wurde 1964 in London als Sohn einer französischen Mutter und eines britischen Vaters geboren — eines Physikers, der viele Jahre in Paris am BIPM (dem französischen Initialismus für das Internationale Büro für Maße und Gewichte) arbeitete, einer Organisation, die den Weltstandard für Zeit und Gewichte einhält. Quinn erinnert sich lebhaft daran, das Labor seines Vaters besucht zu haben, wo sie gemeinsam Atomuhren betrachteten.

In den frühen 1990er Jahren wurde Quinn als einer der ursprünglichen jungen britischen Künstler oder YBAs bekannt, die Londons zeitgenössische Kunstszene mit ihren provokanten Konzeptarbeiten und hedonistischen Mätzchen erschütterten. Der rote Faden, der die divergente Gruppe verband, war nach Quinns Ansicht „die Idee, reales Leben in die Kunst zu bringen“ sowie die Weigerung, auf die institutionelle Genehmigung zu warten, um ihre Arbeit zu zeigen.

Quinn wurde in den Medien oft als der Kluge dargestellt und studierte Geschichte und Kunstgeschichte an der University of Cambridge, während viele andere YBAs am Goldsmiths College der University of London bildende Kunst verfolgten. Er sagt, er habe nie eine formale Kunstausbildung gehabt, aber vor Cambridge arbeitete er als Assistent des walisischen Bildhauers Barry Flanagan, bekannt für seine skurrilen Hasenbronzen.Quinn teilte sich eine Wohnung mit Damien Hirsts damaliger Freundin Maia Norman; feierte hart; und kämpfte mit Alkoholismus. Er ging 1993 in die Reha und gab Alkohol auf. „Es war nur eine Wahl zwischen Tod und Leben, wirklich. Es war ziemlich extrem „, sagt der Künstler, dessen ruhiges Auftreten und sanfte Stimme ein Temperament widerlegen, das zur Extremität hingezogen ist.

Er war der erste YBA, der von Jay Jopling, Direktor der Multivenue Operation White Cube Gallery, unterzeichnet wurde, die ihn und andere aus der Gruppe immer noch vertritt. (YBA-Mäzen Charles Saatchi schnappte sich durch Jopling verschiedene Quinn-Werke, darunter Self 1991, das er später an den amerikanischen Hedgefonds-Manager Steve Cohen verkaufte.) Heute erzielen Quinns Gemälde bis zu 400.000 US-Dollar und seine Skulpturen reichen von 250.000 bis zu mehr als 1,5 Millionen US-Dollar im White Cube und in der Mary Boone Gallery in New York. Seine Arbeiten befinden sich unter anderem in den Sammlungen der britischen Tate, des New Yorker Metropolitan Museum of Art und des Centre Pompidou in Paris.

Das Konzept, „das Immaterielle zu materialisieren“ und Dinge verschwinden zu lassen, fasziniert Quinn — die Idee, dass ein Schlag des Netzschalters ein eisiges Selbstporträt in eine Blutlache verwandeln könnte. (Es wurde gemunkelt, dass dies 2002 im Saatchi-Haus passiert ist, aber Quinn sagt, die Anekdote sei ein urbaner Mythos.) Er hat eine Reihe von „Skulpturen zur Lebenserhaltung“ geschaffen, deren Existenz von Technologie und Infrastruktur abhängt. Diese reichen von den Blutköpfen über gefrorene Blumen bis hin zu Breath (2012), seiner kolossalen aufblasbaren Skulptur eines behinderten, schwangeren Aktes. Quinn betrachtet das letzte als „lebendiges Denkmal“ und sagt: „Es ist eine Skulptur, die durch den Atem in der Luft gehalten wird. Es ist sehr menschlich. Wenn Sie es berühren, gibt es wie Fleisch.“Basierend auf seinem Marmorporträt der Künstlerin Alison Lapper — die armlos und mit unterentwickelten Beinen geboren wurde — löste Breath Angriffe von Kritikern, lokalen Medien und der katholischen Kirche aus, als es während der letztjährigen Biennale im Rahmen von Quinns Retrospektive in der Giorgio Cini Foundation inmitten der Renaissance-Architektur Venedigs gedreht wurde. Quinn betrachtete Breath als „das einzige wirkliche politische Werk“ der Biennale, das die Öffentlichkeit einbezog, und er betrachtete die Polemik als Beweis für ihren Erfolg. „In Italien, wo Dinge wie Behinderung sehr versteckt sind, war es eine erstaunliche Sache“, sagt er.

Die ursprüngliche Lapper-Skulptur gehörte zu einer Reihe makellos verarbeiteter Murmeln, die behinderte Menschen darstellen, ein Wiederkäuen konventioneller Vorstellungen von Schönheit, inspiriert von fragmentierten klassischen Statuen. Die Statue gewann einen Wettbewerb, um den vierten Sockel des Londoner Trafalgar Square zu schmücken, wo ihre Installation im Jahr 2005 neben Denkmälern britischer Militärlegenden Empörung und Bewunderung hervorrief. Die 36-Fuß-aufblasbare Version wurde das Herzstück der Eröffnungszeremonie für die Sommer-Paralympics 2012 in London vor seinem Ausflug in Venedig.Quinn untersuchte zeitgenössische Ideale körperlicher Schönheit weiter und fertigte eine Reihe von Bronze- und Goldskulpturen von Kate Moss in yogischen Verrenkungen an, die das Willowy-Modell und den Boulevardstar als weltliche Gottheit für unsere bildbesessene Kultur präsentierten. Während Quinns aktuelle Kunst einen Nerv der Öffentlichkeit zu treffen scheint, war die kritische Rezeption manchmal hart. „Quinn hat die konzeptuellen Methoden der zeitgenössischen britischen Kunst mit großzügigen Injektionen politischer Korrektheit und heroischer Stimmung verschmolzen, um einige der flachsten Kunst unserer Zeit zu schaffen“, schrieb Jonathan Jones vom Guardian letztes Jahr, der die Moss-Skulpturen als „manipulative Massenaufmerksamkeit“ bezeichnete – Nicht-Meisterwerke suchen.Nichtsdestotrotz haben sich die Kates bei Sammlern als „große Favoriten“erwiesen, so Oliver Barker, Senior International Specialist bei Sotheby’s. Seit dem Verkauf des ersten Blutkopfes, Quinn „hatte wohl eine längere Lebensdauer als Künstler wie Sarah Lucas, Tracey Emin, und sogar Damien Hirst,Barker bemerkt. „His ist ein Markt, der kontinuierlich wächst und immer globaler wird.“ Eine 18-karätige Goldversion von Moss mit dem Titel Microcosmos (Siren), 2008, wurde 2011 für 900.000 US-Dollar an einen asiatischen Investor versteigert.In jüngerer Zeit hat Quinn Musen bei Menschen gefunden, die ihren Körper durch plastische Chirurgie, Implantate und Tätowierungen radikal verändert haben. Seine White Cube Show 2010 zeigte lebensgroße Skulpturen des Transgender „pregnant Man“ Thomas Beatie und des verstorbenen Dennis „Stalking Cat“ Avners, der Haarimplantate und Tätowierungen erhielt, um einem Tiger zu ähneln. Die Stars dieser Ausstellung waren zwei transsexuelle Pornodarsteller – Allanah Starr, die ihren Penis behalten hat, und Buck Angel, ein Transmann mit einer Vagina — in lackierter Bronze als moderner Adam und Eva dargestellt, die sich verschiedentlich an den Händen halten und Sex haben.Eine solche „Freakshow“, wie die britischen Medien sie bezeichneten, macht Quinn zu einem leichten Ziel für Voyeurismus und Kitzel. Aber das fehlt der Punkt, sagt Bewunderer Joachim Pissarro, Professor für Kunstgeschichte am New Yorker Hunter College und Mitautor von Wild Art, einem Buch über unkonventionelle künstlerische Ausdrucksweisen. Er betrachtet Quinns Porträts im Kontext von Toulouse-Lautrecs Studien über Prostituierte und Degas’Tänzern. „Marc betrachtet menschliche Komplexitäten mit einem sehr tief suchenden, einfühlsamen Auge“, betont Pissarro. „Es gibt eine Weigerung, Menschen auszuschließen, die nicht unseren Kriterien entsprechen, was akzeptabel ist oder nicht.“

Die Wissenschaft durchdringt Quinns Praxis, vielleicht nicht überraschend. Der erste Blutkopf drohte aufgrund der Luft in der Kammer immer wieder zu gefrieren, bis Quinn die Lösung entwickelte, ihn in flüssigem Silikon einzufrieren. Das spornte weitere Experimente an. Eine Blume in einem Glas Silikon in seinem Gefrierschrank zu lassen, stellte er fest, stoppte den natürlichen Verfallsprozess, was zu seiner Skulpturenserie Frozen Flowers führte.

„Es ist wie diese magische Transformation zwischen Leben und Kunst“, sagt Quinn. „Sie haben etwas, das zu einer Skulptur seiner selbst wird, die aus denselben Molekülen besteht, aus denen die lebende Pflanze hergestellt wurde, aber es lebt nicht mehr. In diesem Sinne schuf er im Jahr 2000 die Installation „Garden“ in der Mailänder Prada Foundation, ein künstliches Eden exotischer Blumen, die bei Minusgraden in ewiger Blüte stehen — solange der Strom an war.

Diese eingefrorenen Werke sind farbenfrohe Gemälde und Blumenbronzen, die bei Sammlern beliebt sind, denen jedoch der expressive Punch von Quinns rohen frühen Skulpturen aus Blei und Latex fehlt. Der erfahrene Kunsthistoriker Germano Celant, der sowohl „Garden“ als auch Quinns Venice Show kuratierte, argumentiert jedoch, dass die glatten Erscheinungen tiefgreifende Probleme verbergen. „Als wir’Garden‘ demontierten, wurden die Blumen schwarz – einfach schrecklich. Sie wurden verbrannt „, sagt er. „Schönheit und Tod gehören in seinem Werk zusammen.“

Die Ideen, die Quinn in einem Werk erforscht, führen oft tangential zu einem anderen. Aus der Serie „Self“ entstand 2001 ein Porträt von John Sulston, das aus der DNA des Nobelpreisträgers hergestellt wurde. Identität kommt wieder ins Spiel in Quinns „Labyrinth“ -Gemälden von Fingerabdrücken und in seinen Iris-Gemälden, die beide abstrakt erscheinen, aber Porträts von Individuen sind. „Wenn Sie nach Amerika einreisen, wird Ihr Fingerabdruck genommen, Ihr Auge gescannt. Es ist, als würden wir reduziert, wir werden von der Abstraktion kontrolliert „, sagt Quinn. Kürzlich hat er den Iris-Werken Weltkarten hinzugefügt, die zum Teil von Alighiero Boetti und auch vom 24-Stunden-Nachrichtenzyklus inspiriert sind.Quinn ist mit der Kinderbuchautorin Georgia Byng verheiratet, mit der er zwei Söhne, Lucas (11) und Sky (8), sowie eine Stieftochter, Tiger (23), aus Byngs früherer Ehe hat. Die Familie lebt in Nord-London und hat ein zweites Zuhause in der Karibik, und Quinn und Byng sind Stammgäste auf der Promi-Party-Schaltung. Als begeisterter Kunstsammler hat Quinn in seinem Atelier ein Tongesicht von Picasso, ein Gemälde von Lucio Fontana, eine Sarah Lucas-Harztoilette, sieben „Märchenstühle“ von Ai Weiwei, ein Gemälde von Gary Hume und mehrere alte indische Chola-Statuen verstreut (die Inspiration für die yogischen Kates).

Trotz seiner bescheidenen, freundlichen Art hat Quinn eindeutig große Ambitionen. Er sagt, dass seine 2005-7-Serie von in Marmor gehauenen Embryonen, „Evolution“, ihn an Michelangelos unvollendete „Sklaven“ erinnert, und er schlägt vor, dass sein jüngstes Ölgemälde eines nackten, schwangeren Modells, das auf rohem Fleisch liegt, eine moderne Version von Tizians Venus von Urbino oder Manets Olympia sein könnte. Aber dann sind die YBAs nicht für ihre Selbstauslöschung bekannt. Auf die Frage, wohin seine Erforschung der Menschheit von hier aus gehen wird, antwortet Quinn mit einem Lächeln: „Ich weiß es noch nicht. Das hält mich am Laufen.“ Und dann fügt er hinzu: „Die einzigen Grenzen sind in meinem Kopf.“Elizabeth Fullerton ist eine freiberufliche Autorin aus London. Sie arbeitet an einer Geschichte der Britart, die von Thames & Hudson veröffentlicht werden soll.Eine Version dieser Geschichte erschien ursprünglich in der Mai 2014 Ausgabe von ARTnews auf Seite 76 unter dem Titel „‚Self‘ in the Age of Selfies.“