Creo firmemente que los roles de los artistas no son específicos de su concentración elegida, ni siquiera de su inclinación natural. Ya seas ilustrador, autor, fotógrafo, actor o músico, sin duda encontrarás algo de consuelo en la expresión creativa. El storyboard es una excelente manera de fomentar eso, ya que es mucho más accesible que, por ejemplo, pintar o dibujar. Además, los riesgos no son tan altos con los guiones gráficos, ya que, como he mencionado antes, son un medio para un fin, y no «el fin» en sí. Así que, ya sea que esté listo para trazar un largometraje, o simplemente tenga curiosidad por aprender a practicar, ¡aquí tiene todo lo que necesita saber para comenzar!
Dibujar Sus Propias Cajas
Un «Ridleygram» por Ridley Scott para su película Prometheus (2012).
Me encanta dibujar mis propias cajas de guion gráfico, incluso si finalmente paso a una plantilla prefabricada. Al crear tus propios bordes, te estás permitiendo experimentar con diferentes relaciones de aspecto y, por lo tanto, descubrir lo económico que tienes que ser o no con lo que estás incluyendo en la toma.
Además, crear el contorno de sus marcos a mano crea una relación física y táctil con su trabajo; lo bueno de esto es que cultiva una conexión orgánica entre lo imaginativo (los dibujos) y lo mecánico (el borde que contiene dichos dibujos). Hacer esto puede literalmente empujarte a dibujar fuera de la caja (p. ej. composiciones abiertas), o al menos cambiar el tipo de caja que está utilizando. Esto puede manifestarse en algunos bordes que son en negrita («muy importante»), punteados («no muy importante»), ondulados («secuencia de sueños») o incluso codificados por colores. La forma en que los defina depende completamente de usted. La mejor manera de pensar en esta acción es como un calentamiento o un apretón de manos con el lienzo de su elección.
Línea del horizonte, Punto de fuga y Perspectiva
Una sola línea dibujada detrás o encima de sus figuras clave, por imperfecta que sea, puede hacer maravillas: al agregar esto, estás renderizando un aspecto esencial, aunque aparentemente rudimentario, de profundidad y espacio. Es algo que muchos de nosotros probablemente aprendimos en la escuela primaria, y su lugar en nuestra educación infantil es bien merecido, porque saca nuestros bocetos del mundo simplemente 2D y los lleva al mundo (falso) 3D. Como le gustaba decir a uno de mis profesores universitarios, dibujar es todo «un juego de estafa», lo que significa que, cuando se trata de grafito en papel o píxeles en una pantalla, estamos creando la ilusión de un objeto en el espacio, no el objeto en sí. Recordarme esto a mí mismo al mismo tiempo quita algo de presión y libera mi imaginación.
La otra mitad de este paso es igualmente simple e infantil, pero también crucial: Para crear tu punto de fuga, simplemente dibuja un punto en cualquier parte de la línea del horizonte. Desde el punto, irradie unas pocas líneas hacia usted (eje Y) y paralelas a usted (eje X). Rara vez uso una regla, ya que me parece que se ralentiza y me distrae, pero siempre es bueno tener una a mi alrededor. Si desea ir un paso más allá, incluso puede dibujar círculos en la cuadrícula que acaba de crear para representar (en un sentido casi topográfico) dónde estarán sus figuras/objetos clave.
En última instancia, independientemente de sus armas de elección (lápiz y papel, lápiz y tableta, etc.), su objetivo es prestar volumen a sus figuras y profundidad a sus ubicaciones y configuraciones. El acto de dibujar una línea del horizonte y un punto de fuga, aunque no siempre es necesario (como con primeros planos o ángulos bajos), siempre es una práctica útil.
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Formas básicas, Composición y Escala
Antes de llenar su mente (y posteriormente su marco) con detalles irrelevantes, es importante establecer la relación entre sus figuras y el área que ocupan. Es tentador saltar directamente a las líneas de una cara o a las ventanas de un edificio, pero si primero esboza vagamente las siluetas de estos elementos clave, la suma de su boceto será mayor que sus partes, lo que le da mayor licencia para luego completar los detalles.
Al explorar la escala (tomas de establecimiento grandiosas, vistas aéreas de gran alcance, escenarios literales / metafóricos de «David y Goliat»), la mejor manera de comenzar es con líneas y formas básicas.
Por ejemplo, simplemente dibujando una forma más grande y audaz junto a una más pequeña, estás provocando una respuesta emocional. De manera similar, dejar una gran cantidad de espacio negativo alrededor de una sola marca puede sugerir soledad o pérdida. Ese es el poder de la escala. Así como la música a veces trata de las notas que no tocas, el storyboard a veces trata de las líneas que no dibujas.
El orden de tus acciones también podría ahorrarte un tiempo precioso (sin mencionar los dolores de cabeza). Trabajar con trazos amplios y significativos al principio organiza los elementos clave de tu toma en lugar de confundirla. Si puedes evitarlo, nunca querrás distraerte dibujando la barba de un personaje antes de terminar de dibujar su cabeza.
División de fotogramas
Mientras que la regla de los tercios es omnipresente por una razón – es la clara articulación de por qué encontramos ciertas imágenes tan atractivas – simplificar una composición aún más, en cuadrantes (o incluso mitades), puede llegar al corazón de ese interés aún más rápido. Así como el ojo humano es capaz de leer una palabra u oración con la mitad inferior cortada (pero rara vez con la parte superior cortada), lo mismo podría decirse para la puesta en escena de una escena. Tomemos, por ejemplo, el inmortal Lawrence de Arabia de David Lean. En un nivel puramente funcional, es fácil notar la forma en que se enmarca la acción esencial para residir en la mitad superior. De una manera un poco más compleja, pero totalmente basada en la historia y el personaje, toma nota de la forma en que Peter O’Toole se mueve desde su cuadrante superior izquierdo de la pantalla a la parte superior derecha en un acto de agresión. Nada de esto es accidental. Tu trabajo debería ser, y siempre lo será en algún nivel, el resultado de tus instintos, pero tus momentos de mayor orgullo serán, sin duda, cuando unes el instinto con el pensamiento deliberado.
Profundidad de campo y fondos
storyboard de DREDD (2012) de JOCK. Su estilo audaz y en bloques es engañosamente minimalista y completamente funcional.
Anteriormente, mencioné cómo el uso de una regla me ralentiza. Dado que el tiempo a menudo es esencial en el storyboard, usted, como artista, debe priorizar la información visual al tiempo que es consciente de la administración del tiempo (a veces subconscientemente). Esto sucederá con el tiempo, a través de la práctica y la repetición, y es probable que ya haya inculcado su propia forma de hacer esto. El punto es que, y este es un tema recurrente del storyboard, te estás enfocando en la información visual clave, no necesariamente en toda la información. Francamente, hay momentos en los que no tienes que dibujar un fondo en absoluto. Si te adelantas a lo programado, tal vez te gustaría, pero dependiendo de factores críticos como el tiempo asignado y el presupuesto dado, representarás la acción sobre la ubicación establecida cada vez. Esto se debe a que cosas como la configuración se implicarán naturalmente cuando la haya dibujado en fotogramas y tomas anteriores.
Dicho esto, cuando cree un fondo, incluso la versión más primitiva (una línea de horizonte o un lavado de tonalidad) aumentará su profundidad de campo, porque solo la sugerencia de la configuración regional puede ser suficiente para mantener el flujo y el impulso.
Renderizar sus guiones gráficos
Guion gráfico de la Liga de la Justicia de Steve Skroce. Su experiencia en cómics es un ajuste natural para los guiones gráficos; el uso del color identifica claramente las figuras clave dentro de su estilo de dibujo más suelto y gestual.
Una vez más, dependiendo del tiempo, los recursos y/o el presupuesto, es posible que desee mantener un estilo de dibujo simple pero enérgico, o tal vez un enfoque más completo inspirado en una novela gráfica. Es posible que desee agregar un color completo, atenerse a la escala de grises o hacer una mezcla de ambos. Todas estas son elecciones que a veces se harán por usted, ya sea por un director o por las circunstancias del proyecto. Independientemente del resultado, un estilo no es mejor que el otro; es simplemente una cuestión de preferencia y de lo que es apropiado. El tono, el fondo o la intención del proyecto informarán la forma en que haces las cosas.
Por ejemplo, películas como El libro de Eli de los Hermanos Hughes y Mad Max: Fury Road de George Miller son notables por usar sus guiones gráficos en lugar de un guion tradicional. Aparte de los largos períodos de preproducción que permitieron que la totalidad de ambas películas se guionaran, cada una de estas películas empleó a artistas de cómics (Chris Weston en Eli, Mark H. Sexton en Max) para dar un aspecto deliberadamente más grande y altamente estético que se mantuvo durante toda la producción. Los artistas conceptuales y los artistas de guiones gráficos casi siempre aparecen antes que los diseñadores de vestuario, los diseñadores de producción y otros, por lo que, independientemente de cómo elija representar sus dibujos, no subestime la influencia que su trabajo tendrá en el elenco, el equipo y la película en su conjunto.
El guion gráfico del libro de Eli por Chris Weston. Su estilo se define por un nivel de detalle y atmósfera al estilo de Brian Bolland. El trabajo de Weston se presentó como una novela gráfica para los actores en lugar de un guion tradicional.Jim Penola es un ilustrador independiente y artista de storyboard. Ha estudiado de cerca con sus mentores y veteranos de la industria Robert Castillo (The Soprano, Precious) y William H. Frake III (Pocahontas, Ice Age). Jim recibió su licenciatura en Arte / Ilustración de la Universidad William Paterson. Puedes seguirlo en Twitter e Instagram @jimpenola.
Imagen superior: Guiones gráficos seleccionados de Jim Penola para un próximo video musical de Lindsey Stirling.