Uno tiene una extraña sensación de déjà vu al conocer al artista británico Marc Quinn. Su cabeza—o, mejor dicho, una escultura congelada de ella fundida de su propia sangre—se ha convertido en una imagen icónica del arte contemporáneo, grabada en nuestra memoria colectiva. Al mismo tiempo, un retrato del artista y del hombre común, la escultura, titulada Self, encapsula la vida y la muerte, un recuerdo mori de materia real que, teóricamente, podría clonarse para crear una nueva vida. Y hay un ejército en constante crecimiento de estas misteriosas réplicas de Quinn, que evocan el monstruo de Frankenstein, el sacrificio azteca y la Eucaristía Cristiana.Inspirado en los autorretratos de Rembrandt que trazan su rostro desde la juventud hasta la vejez, Quinn se ha comprometido a producir un nuevo «Yo» cada cinco años, lo que implica extraer ocho pintas de su sangre durante varios meses. Ha hecho cinco hasta la fecha, sin embargo, estas llamadas cabezas de sangre, cada una desencarnada sobre un zócalo de acero inoxidable que contiene una unidad de refrigeración, desafían cualquier proceso de envejecimiento lineal; de hecho, la cabeza original de Quinn de 1991 parece la más anciana.
«‘Self’ es casi como una versión de Beckett de Rembrandt», dice Quinn. «Con Rembrandt, en realidad se trata de él en cada momento y de su personalidad, mientras que la mía es como una repetición de lo mismo. Es más una visión del progreso del siglo 21. En cuanto a por qué eligió la sangre como medio, dice que quería empujar los límites materiales de la escultura, y «la sangre era la única parte de mi cuerpo que podía sacar sin mutilarme.»
CORTESÍA DE MARC QUINN STUDIO, LONDRES En el estudio de Quinn en el este de Londres, enormes pinturas de flores psicodélicas e iris humanos compiten por la atención con esculturas de la supermodelo Kate Moss atadas en nudos yóguicos, una pareja transexual copulando al estilo perrito y conchas de caracoles de gran tamaño. Estos temas aparentemente dispares están vinculados por la preocupación permanente del artista por reflejar la cultura de nuestros tiempos. En sus exploraciones de la identidad, la sexualidad, la belleza y la fragilidad de la existencia, ha hecho esculturas de estrellas porno y personas discapacitadas, pinturas de huellas digitales gigantescas e instalaciones de jardines de flores congeladas. Igualmente diversos son sus materiales, que incluyen el pan, el ADN, el hielo, las heces, la placenta y la sangre del nacimiento de su hijo.
A los 50 años, Quinn conserva un aspecto juvenil, luciendo una camiseta verde lima de 200 dólares con un patrón de huellas dactilares que forma parte de la línea de ropa que lanzó hace tres años y un Rolex negro que diseñó con el Departamento de Relojes Bamford. Actualmente, está ocupado creando nuevas obras para una exposición en septiembre en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga en España, y para tres grandes exposiciones individuales programadas para el próximo año: en el observatorio al aire libre Jantar Mantar del siglo XVIII en Jaipur, India; el Museo de Arte de Denver; y la sucursal cavernosa de Bermondsey de White Cube en el sureste de Londres.
Está armando una nueva serie de tapices (hecha con un telar jacquar computarizado) que representa escenas de recientes levantamientos en todo el mundo. Estas piezas se extienden desde su tapiz The Creation of History (2012), basado en una imagen de los disturbios de 2011 en Inglaterra, que muestra a un joven encapuchado en un contexto de conflagración. «Me interesaba la forma en que se usaban los tapices para celebrar las batallas en la época medieval», explica. «Son como batallas contemporáneas.»A diferencia de los tapices que anteriormente cubrían las paredes del palacio, los de Quinn están destinados al suelo, para ser pisoteados y transformados, reflejando el espíritu democrático de las protestas de base.
Sus bronces de árboles de bonsái marcan otra incursión en nuevas técnicas, utilizando tecnología revolucionaria para escanear las dimensiones de un árbol vivo y luego cortar con láser un prototipo que luego se moldea en bronce. «Creo que el escaneo 3D, que ya he utilizado en las esculturas de concha, es un desarrollo para la escultura tan importante como la invención de la fotografía fue para la pintura hace cien años», dice.
Quinn nació en Londres en 1964 de madre francesa y padre británico, un físico que trabajó durante muchos años en París en el BIPM (el inicialismo francés para la Oficina Internacional de Pesos y Medidas), una organización que mantiene el estándar mundial para el tiempo y los pesos. Quinn recuerda vívidamente haber visitado el laboratorio de su padre, donde miraban relojes atómicos juntos.
TODD-WHITE ART PHOTOGRAPHY / CORTESÍA DE MARC QUINN STUDIO, LONDRES
A principios de la década de 1990, Quinn saltó a la fama como uno de los jóvenes artistas británicos originales, o YBAs, que sacudió la escena del arte contemporáneo de Londres con sus provocativas obras conceptuales y payasadas hedonistas. El hilo que unía al grupo divergente era, en opinión de Quinn, «la idea de llevar la vida real al arte», así como la negativa a esperar la aprobación institucional para mostrar su trabajo.
A menudo retratado en los medios como el inteligente, Quinn estudió historia e historia del arte en la Universidad de Cambridge, mientras que muchos otros YBA persiguieron bellas artes en el Goldsmiths College de la Universidad de Londres. Dice que nunca tuvo una formación artística formal, pero antes de Cambridge trabajó como asistente del escultor galés Barry Flanagan, famoso por sus extravagantes bronces de liebres.
Quinn compartía un apartamento con la entonces novia de Damien Hirst, Maia Norman; festejaba mucho y luchaba contra el alcoholismo. Entró en rehabilitación en 1993 y dejó el alcohol. «Era solo una elección entre la muerte y la vida, en realidad. Fue bastante extremo», dice el artista, cuyo porte plácido y voz suave desmienten un temperamento atraído a la extremidad.
Fue el primer YBA en ser firmado por Jay Jopling, director de la galería de cubo blanco de operación multivenueo, que todavía lo representa a él y a otros del grupo. (El mecenas de YBA, Charles Saatchi, compró varias obras de Quinn a través de Jopling, incluyendo Self 1991, que luego vendió al administrador de fondos de cobertura estadounidense Steve Cohen. Hoy en día, las pinturas de Quinn cuestan hasta 4 400,000 y sus esculturas oscilan entre 2 250,000 y más de 1 1.5 millones en White Cube y Mary Boone Gallery en Nueva York. Su obra se encuentra en las colecciones de la Tate británica, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y el Centre Pompidou de París, entre otras instituciones.
El concepto de «materializar lo inmaterial» y hacer desaparecer las cosas fascina a Quinn, la idea de que un toque del interruptor de encendido podría transformar un autorretrato helado en un charco de sangre. (Se rumoreaba que esto había sucedido en la casa de Saatchi en 2002, pero Quinn dice que la anécdota es un mito urbano.) Ha creado una serie de «esculturas sobre soporte vital» que dependen de la tecnología y la infraestructura para existir. Estos van desde the blood heads hasta frozen flowers to Breath (2012), su colosal escultura inflable de un desnudo discapacitado y embarazada. Quinn considera el último como un «monumento viviente», diciendo: «Es una escultura que se mantiene en el aire por respiración. Es muy humano. Si lo tocas, da como carne.»
Basado en su retrato de mármol de la artista Alison Lapper, que nació sin brazos y con piernas subdesarrolladas, Breath provocó ataques de críticos, medios locales y la Iglesia Católica cuando se ambientó en medio de la arquitectura renacentista de Venecia durante la bienal del año pasado como parte de la retrospectiva de Quinn en la Fundación Giorgio Cini. Quinn consideró que Breath era «el único trabajo político real» en la bienal que involucraba al público, y vio la polémica como evidencia de su éxito. «En Italia, donde cosas como la discapacidad están muy ocultas, fue algo increíble», dice.
CORTESÍA DE MARC QUINN STUDIO, LONDRES
La escultura Lapera original pertenecía a una serie de mármoles impecablemente acabados que retratan a personas discapacitadas, una reflexión sobre nociones convencionales de belleza inspiradas en estatuas clásicas fragmentadas. La estatua ganó un concurso para adornar el Cuarto Zócalo de Trafalgar Square de Londres, donde su instalación en 2005 junto a monumentos de leyendas militares británicas provocó indignación y admiración. La versión inflable de 36 pies se convirtió en la pieza central de la ceremonia de apertura de los Juegos Paralímpicos de Verano de 2012 en Londres antes de su salida en Venecia.
Investigando más a fondo los ideales contemporáneos de belleza física, Quinn hizo una serie de esculturas de bronce y oro de Kate Moss en contorsiones yóguicas, presentando al modelo esbelto y a la estrella de tabloide como una deidad secular para nuestra cultura obsesionada con la imagen. Si bien el arte del momento de Quinn parece tocar la fibra sensible del público, la recepción de la crítica a veces ha sido dura. «Quinn ha fusionado los métodos conceptuales del arte británico contemporáneo con generosas inyecciones de corrección política y sentimiento heroico para crear algunas de las obras de arte más superficiales de nuestro tiempo», escribió Jonathan Jones de The Guardian el año pasado, quien calificó a las esculturas de musgo como «obras maestras manipuladoras que buscan la atención de la masa.»
Sin embargo, los Kates han demostrado ser «grandes favoritos» para los coleccionistas, según Oliver Barker, especialista internacional senior de Sotheby’s. Desde que vendió el primer blood head, Quinn «podría decirse que ha tenido una mayor longevidad que artistas como Sarah Lucas, Tracey Emin e incluso Damien Hirst», señala Barker. «El suyo es un mercado en continuo crecimiento y cada vez más global.»Una versión de oro de 18 quilates de Musgo titulada Microcosmos (Sirena), 2008, vendida en subasta a un inversor asiático por 900.000 dólares en 2011.
Más recientemente, Quinn ha encontrado musas en personas que han alterado radicalmente sus cuerpos a través de cirugía plástica, implantes y tatuajes. Su espectáculo de Cubo Blanco de 2010 contó con esculturas de tamaño natural del «hombre embarazada» transgénero Thomas Beatie y del fallecido Dennis «Gato Acechador» Avners, que recibió implantes de cabello y tatuajes para parecerse a un tigre. Las estrellas de esa exposición fueron dos actores porno transexuales—Allanah Starr, que ha conservado su pene,y Buck Angel, un hombre trans que tiene una vagina-representados en bronce lacado como un Adán y Eva de hoy en día tomados de la mano y teniendo relaciones sexuales.
Tal «espectáculo de fenómenos», como lo etiquetaron los medios británicos, hace que Quinn sea un blanco fácil para cargos de voyeurismo y excitación. Pero eso no viene al caso, dice el admirador Joachim Pissarro, profesor de historia del arte en el Hunter College de Nueva York y coautor de Wild Art, un libro sobre modos no convencionales de expresión artística. Ve los retratos de Quinn en el contexto de los estudios de Toulouse-Lautrec sobre prostitutas y bailarines de Degas. «Marc observa las complejidades humanas con un ojo empático y de búsqueda profunda», insiste Pissarro. «Hay una negativa a excluir a las personas que no se ajustan a nuestros criterios de lo que es aceptable o no.»
ROGER WOOLDRIDGE / CORTESÍA DE WHITE CUBE, LONDRES
La ciencia impregna la práctica de Quinn, tal vez como era de esperar. La primera cabeza de sangre siguió amenazando con congelarse debido al aire en la cámara, hasta que Quinn ideó la solución de congelarla en silicona líquida. Eso estimuló más experimentos. Al dejar una flor en un frasco de silicona en su congelador, encontró que detuvo el proceso de descomposición natural, lo que resultó en su serie de esculturas de flores congeladas.
«Es como esta transformación mágica entre la vida y el arte», dice Quinn. «Tienes algo que se convierte en una escultura de sí mismo hecha de las mismas moléculas de las que estaba hecha la planta viva, pero ya no está viva.»Llevando esto más allá, creó la instalación «Garden» en la Fundación Prada de Milán en 2000, un Edén artificial de flores exóticas preservadas en flor eterna en silicona bajo cero, siempre y cuando la energía estuviera encendida.
Esas obras congeladas provocaron pinturas coloridas y bronces de flores, que son populares entre los coleccionistas, pero carecen de la fuerza expresiva de las primeras esculturas crudas de Quinn en plomo y látex. Sin embargo, el veterano historiador de arte Germano Celant, que curó «Garden» y la muestra de Venecia de Quinn, argumenta que las apariencias elegantes ocultan problemas profundos. «Cuando desmantelamos el ‘Jardín’, las flores se volvieron negras, simplemente horribles. Se quemaron», dice. «La belleza y la muerte van juntas en su obra.»
Las ideas que Quinn explora en un cuerpo de trabajo a menudo conducen tangencialmente a otro. La serie «Self» dio lugar a un retrato de John Sulston en 2001, hecho a partir del ADN del biólogo ganador del Premio Nobel. La identidad vuelve a entrar en juego en las pinturas «laberínticas» de huellas dactilares de Quinn y en sus pinturas de iris, las cuales parecen abstractas pero son retratos de individuos. «Cuando entras a Estados Unidos, te toman las huellas dactilares, te escanean los ojos. Es como si nos estuvieran reduciendo, nos controlara la abstracción», dice Quinn. Recientemente, ha añadido mapas mundiales a las obras de iris, inspirados en parte por Alighiero Boetti y también por el ciclo de noticias globales de 24 horas.
Quinn está casado con la autora de libros para niños Georgia Byng, con quien tiene dos hijos, Lucas, de 11 años, y Sky, de 8, y una hijastra, Tiger, de 23 años, del matrimonio anterior de Byng. La familia vive en el norte de Londres y tiene un segundo hogar en el Caribe, y Quinn y Byng son habituales en el circuito de fiestas de celebridades. Un entusiasta coleccionista de arte, Quinn ha esparcido por todo su estudio una cara de arcilla de Picasso, una obra de corte de Lucio Fontana, un inodoro de resina de Sarah Lucas, siete «Sillas de cuento de hadas» de Ai Weiwei, una pintura de Gary Hume y varias estatuas de Chola indias antiguas (la inspiración para los Kates yóguicos).
A pesar de su modesta y afable manera, Quinn claramente tiene grandes aspiraciones. Dice que su serie de embriones tallados en mármol de 2005-7,» Evolución», le recuerda a los» Esclavos » inacabados de Miguel Ángel, y sugiere que su reciente pintura al óleo de una modelo desnuda y embarazada reclinada sobre carne cruda podría ser una versión moderna de la Venus de Urbino de Tiziano o la Olimpia de Manet. Pero entonces los YBA no son conocidos por su auto borramiento. Cuando se le pregunta a dónde irá su exploración de la humanidad a partir de aquí, Quinn responde con una sonrisa: «Aún no lo sé. Eso es lo que me mantiene en marcha.»Y luego añade,» Los únicos límites están en mi mente.»
Elizabeth Fullerton es una escritora independiente con sede en Londres. Está trabajando en una historia de Britart que será publicada por Thames & Hudson.
Una versión de esta historia apareció originalmente en la edición de mayo de 2014 de ARTnews en la página 76 bajo el título «‘Self’ in the Age of Selfies.»