Máximo Minimalismo: Emily y Mitchell Estertores del Glenstone Museo Crece

Enclaustrado en una finca silvestre que una vez fue utilizada por un club de caza de zorros en la rica Washington, D. C., suburbio de Potomac, Maryland, el Museo Glenstone fue durante muchos años un misterio.

Cuando se abrió al público por primera vez en 2006, las visitas a su edificio de exposiciones diseñado por Charles Gwathmey de 30,000 pies cuadrados y a los terrenos llenos de arte solo estaban disponibles con cita previa, unos pocos días a la semana. Sus fundadores, Mitchell Rales, un industrial con un patrimonio neto estimado de alrededor de 4 4 mil millones, y su esposa, Emily Rales, una ex marchante de arte, rara vez hablaron con la prensa, y se mostraron reticentes sobre sus planes a largo plazo. En 2013, cuando anunciaron su intención de crear un segundo edificio mucho más grande para el museo, menos de 10.000 personas lo habían visitado.

» Se necesita tiempo para construir una institución», me dijo Emily recientemente, recordando esos primeros años. «La intención siempre estaba ahí para ser acogedores y abrir nuestras puertas, solo nos llevó un poco de tiempo llegar allí.»La demanda de ver su formidable colección de arte predominantemente de posguerra y contemporáneo, que ahora cuenta con 1.300 obras, terminó siendo enorme, dijo. «Todo se reduce a cuestiones prácticas muy simples relacionadas con la infraestructura, el estacionamiento y el personal. Teníamos muy poco de esas tres cosas.»

Que ha cambiado. El 4 de octubre, se inaugurará la expansión, una estructura de 204,000 pies cuadrados diseñada por el arquitecto con sede en Nueva York Thomas Phifer, además de una ambiciosa iniciativa de paisajismo de PWP Landscape Architecture en los 230 acres de Glenstone. Pero en una calurosa tarde de junio, mientras el arte todavía se estaba instalando cuidadosamente, recorrí los terrenos y el edificio, que son asombrosos tanto en su escala como en su atención al detalle. Una vez abierto, el Glenstone ampliado se clasificará como uno de los museos de arte privados más ambiciosos e impresionantes del mundo actual.

El edificio de Phifer es de suntuosa simplicidad, hecho de madera, vidrio y unos 26,000 bloques de concreto que se destinaron a la creación de 11 galerías—Pabellones, en el lenguaje de Glenstone, muchos de los cuales están dedicados a exhibiciones a largo plazo de piezas de artistas individuales, incluidos Brice Marden, Cy Twombly, Charles Ray, y otros. Un espacio único en la presentación inicial estará dedicado a 65 piezas de 52 artistas de la colección del museo, que es rica en el tipo de Expresionismo Abstracto, Minimalismo y Conceptualismo que pocos museos pueden permitirse en la actualidad. (El museo se ha negado a declarar el costo de la expansión.)

«Glenstone se trata de este entorno muy contemplativo, sereno y mínimo», dijo Emily. «La arquitectura no trata de eclipsar al arte, está en armonía con él.»Los Raleses tenían la intención de encontrar un arquitecto a mitad de carrera, y se llevaron al Museo de Arte de Carolina del Norte que Phifer completó en Raleigh en 2010, «viendo lo sensible que era al paisaje y al arte», dijo. El edificio que diseñó para Glenstone tiene una sensación de quietud potente pero inusualmente cálida que recuerda el museo Kolumba de Peter Zumthor en Colonia, mientras que su luz natural recuerda la sutil renovación de Dia:Beacon de Robert Irwin en el norte del estado de Nueva York. «No queremos que se enciendan bombillas durante el día», dijo Phifer, » para que sienta el movimiento de la luz y la atmósfera de la luz y el cambio de la luz de temporada en temporada.»

«Más que nada, estábamos buscando una experiencia lenta e inmersiva, para que empieces a desacelerar y a moverte por el paisaje y a moverte por los edificios con todos estos momentos de reflexión y pausa», dijo Phifer. Conectó las once galerías con pasillos situados alrededor de un extenso jardín acuático salpicado de nenúfares, una escena sacada directamente de Monet. «Queríamos hacer una habitación que tuviera que ver con el cielo, la luz y el agua», dijo Phifer, mencionando Ryōan-ji, el templo Zen de Kioto, Japón, como inspiración para ese tranquilo espacio al aire libre. Un largo banco de madera del artista Martin Puryear, cuyo trabajo los Raleses han recopilado en profundidad, se encuentra afuera en el jardín acuático.

Al concebir la expansión de Glenstone, Emily dijo, el equipo se preguntó: «¿Cómo evitamos la fatiga del museo?»y» ¿Cómo ampliamos la experiencia del museo para que pueda cubrir tal vez tres horas, tal vez cinco horas?»Es fácil imaginar una visita que consuma medio día o más. Los 50.000 pies cuadrados de espacio de exposición en la expansión son iguales a los del Museo Whitney de Nueva York, y los terrenos incluyen una imponente pieza topiaria de Jeff Koons, una obra de sonido de Janet Cardiff y George Bures Miller albergada en densos bosques, y esculturas a gran escala de Richard Serra y Ellsworth Kelly. (El edificio original de Gwathmey tiene 9,000 pies cuadrados de espacio de exposición. Hay dos cafés y una zona de llegada con una librería, ambos situados lejos del edificio principal, para que la experiencia artística no se vea obstaculizada por la comida y el comercio, al estilo de la Colección Menil en Houston. (Al igual que el Menil, la entrada es gratuita. El museo está abierto cuatro días a la semana.

Incluso a medida que avanza la expansión, la colección Glenstone continúa creciendo y cambiando. «Mitch y yo tomamos todas las decisiones nosotros mismos» con respecto a las adquisiciones, dijo Emily. Prefieren eso a delegar esas opciones a asesores porque «es demasiado divertido y nos encanta demasiado», continuó. «Dicho esto, tenemos pautas muy estrictas a las que nos adherimos.»Entre ellos se encuentra un intenso enfoque en la calidad:» Somos muy metódicos en ir tras lo mejor de lo mejor», dijo. Cualquier artista que compren también debe haber estado activo durante 15 años, y vigilan de cerca lo que posee la cercana Galería Nacional de Arte, en cuya junta está Mitchell, y el Museo Hirshhorn. «Nos sentimos muy conectados con esta comunidad de instituciones de Washington, y no queremos duplicar sus propiedades», dijo.

Han mostrado una rara inclinación por ser pacientes en su búsqueda. Entre sus preciadas obras de arte se encuentran piezas clave de Willem de Kooning, Louise Bourgeois y Jasper Johns, así como la que quizás sea la más famosa de David Hammons: ¿Cómo te gusto ahora? (1988), un retrato de aproximadamente 13 por 19 pies de una versión de piel blanca de Jesse Jackson acompañada por el texto de esa pregunta. Se mostró por primera vez en una exposición pública de arte en Washington, D. C., el año en que se hizo, cuando fue vandalizado con mazos. (Posteriormente, los Hammons colocaron una valla construida con esas herramientas frente a la obra.»Lo había mantenido durante 20 años», dijo Emily. «Estábamos muy persistente y estábamos dispuestos a esperar y seguimos preguntando si o no él estaría bien dejar ir, y finalmente aceptó, lo cual fue muy emocionante.»

Una de sus compras más recientes es Allan Kaprow’s Yard (1961), una extensión de neumáticos de goma que se pueden reconfigurar cada vez que se instalan. Se une a una colección que ha ido añadiendo fotografía, instalaciones a gran escala (otra razón de la expansión), trabajo basado en el tiempo-que incluye 144 piezas de la coleccionista canadiense Ydessa Hendeles -, así como obras de más allá de los Estados Unidos y Europa, como el Gutai japonés y el Neo—Hormigón brasileño. «De ninguna manera es un proyecto terminado», dijo Emily. «Todavía tenemos mucho trabajo por hacer, mirando otras tradiciones. Solo va a llevar un tiempo construirlo.

Una versión de esta historia apareció originalmente en la edición de otoño de 2018 de ARTnews en la página 94 bajo el título «Maximum Minimalism.»