¿Qué es la estratificación de sonido?
Hacer música es como pintar un cuadro. Comienza con el contorno y la forma básicos, luego rellena gradualmente el lienzo con color, textura, luz y sombra, antes de agregar algunos toques finales. Tomar las decisiones correctas en todas las etapas del viaje creativo, desde la composición hasta el seguimiento y los arreglos, puede acelerar en gran medida el proceso de mezcla, dar como resultado una pista más pulida y evitar la necesidad de «arreglarlo en la mezcla».
Cuando se superponen sonidos, hay dos consideraciones principales en juego: el perfil de frecuencia de cada sonido y su amplitud a lo largo del tiempo. Una nota de bajo pulsado, por ejemplo, normalmente tendrá la mayor parte de su información en el extremo inferior del espectro de frecuencias, con algo de información de frecuencia superior en la parte pulsada del sonido. Su forma envolvente normalmente tendrá un ataque rápido y una cola en descomposición lenta. Un gong smash, por otro lado, tiene un maquillaje de frecuencia de banda ancha, con un ataque lento y un sustain largo.
Capas de frecuencia
Durante siglos, los arreglistas y compositores han pensado en la composición de frecuencias de los diferentes instrumentos para los que están componiendo. Los instrumentos acústicos tienen un rango de frecuencia establecido, gobernado por su tamaño físico y tendencias resonantes (entre otros factores). Los compositores utilizan estas limitaciones prácticas en su beneficio. Al escribir música para un cuarteto de cuerdas, por ejemplo, un compositor conoce instintivamente la limitación de cada instrumento: el contrabajo puede alcanzar frecuencias muy bajas, mientras que el rango del violín se extiende a los registros más altos. Marcan partes instrumentales para que ciertas secciones orquestales se complementen entre sí: llamada y respuesta entre las partes más bajas y más altas del conjunto, por ejemplo, o glissandos conmovedores que comienzan en los registros más bajos y terminan con las notas más altas.
Extender este concepto a sus composiciones, incluso si sus sonidos son electrónicos, es una excelente manera de administrar la composición de frecuencia de su mezcla y brindar un sonido profesional a sus pistas terminadas. Elija cuidadosamente instrumentos con perfiles de frecuencia que no compitan para llenar su lienzo sonoro y mantener el oído del oyente activo. Y no uses en exceso el mismo instrumento en toda la gama musical, especialmente si tienes mucho que hacer en tu arreglo.
Espacio de disposición
Las mezclas ocupadas pueden ser cautivadoras y emocionantes, pero sobrecargar tus pistas con instrumentación puede ser abrumador para el oyente (y mucho menos difícil de mezclar). Hay varias maneras de lidiar con mezclas ocupadas, pero el primer paso es siempre preguntarse: «¿realmente necesito esta parte?’. Ser capaz de responder a esto fielmente es la verdadera prueba de un buen productor: separarse emocionalmente de la música que ha trabajado, y juzgarla desde un punto de vista objetivo, para dejar atrás la declaración artística más pura.
Experimentar con la colocación de sus partes musicales dentro de su arreglo es una buena manera de mantener los pasajes que realmente ama, pero que amenazan con desordenar sus canciones. Es un error común cargar todas tus ideas musicales cerca de la parte delantera de la canción, para llegar al pico de la energía musical rápidamente y no tener a dónde ir. Si ha caído en esta trampa, espacie los motivos musicales para permitir que la energía musical se construya lenta y dinámicamente.
Otro truco es destilar tus ideas musicales en frases más ligeras. Tal vez tengas una parte de guitarra complicada de dos compases que se puede reducir a unos cuantos golpes que hacen exactamente el mismo trabajo en la mezcla. Debido a que hay menos información sónica, terminarás con más espacio, más rango dinámico y más impacto en tu mezcla.
Por supuesto, si ha intentado mover o adaptar partes problemáticas, y aún no pertenecen, es posible que no tenga otra opción que eliminarlas: el botón eliminar a veces es su mejor amigo. Sin embargo, no desperdicies tus buenas ideas para siempre: crea una carpeta de ideas para cuando necesites inspiración en el futuro.
Dinámica en la música
El carácter dinámico de cualquier sonido se puede definir por su ataque, decaimiento, mantenimiento y liberación; encontrará estos parámetros en la envolvente de amplitud de un sintetizador y en los procesadores dinámicos. Al superponer sonidos con diferentes características dinámicas, puede cambiar su forma, para ayudar a que los tambores golpeen sin abrumar la mezcla, hacer que los cables suenen más pronunciados sin que sean demasiado dominantes y mantener los tonos que suenan consistentes.
Las capas dinámicas requieren mucho tiempo. Digamos que tienes un bombo contundente 808, pero tu ritmo carece de energía de gama baja cuando lo tocas en un sistema de sonido de rango completo. No querrás perder al personaje de patada que ya tienes; solo necesitas reforzar el bajo estruendo. No es tan simple como colocar una muestra subby sobre cada golpe de patada. En primer lugar, tendrá que afinar la muestra para asegurarse de que encaja en la clave de su canción. A continuación, debe moldear el sonido para asegurarse de que no sobrecargue su patada existente o enmascare ninguno de los otros instrumentos. Hay varias herramientas que puedes usar para hacer esto, la primera de las cuales es un medidor de análisis de espectro (hay algunos buenos gratuitos en línea, y lo más probable es que tu DAW tenga uno). El siguiente es un compresor; puede usar controles de ataque y liberación extremos para cambiar completamente el perfil de la envolvente de amplitud. Incluso puede enrutar la salida de otro instrumento a la entrada de cadena lateral del compresor para que la dinámica de su nueva muestra se ajuste a la señal de otra. También puede usar una herramienta de diseño de transitorios, que le brinda un control completo sobre todo lo anterior.
Recuerde que los sonidos de capas, especialmente los de baja frecuencia, pueden resultar en extrañas inconsistencias de ecualización, causadas por el énfasis y la cancelación de ciertas frecuencias cuando entran y salen de fase entre sí. Es necesario prestar mucha atención al perfil de frecuencia de sus sonidos; es posible que deba realizar ajustes de micro temporización, ya sea en su sampler o en la línea de tiempo.
Kick and Bass: Una trampa de capas común
Tirar demasiada información sónica en un área del espectro de frecuencias puede hacer que tu mezcla sea un enorme dolor de cabeza. Al combinar bombo y bajo en capas, considere darles bandas de frecuencia dedicadas para que no compitan: use un analizador de frecuencia para determinar en qué parte del espectro sónico cada instrumento está siendo más intenso, y cerce esa frecuencia para que solo un instrumento esté activo allí. Otros métodos para manejar esto son sincopar las líneas de bajo y patadas una contra la otra para que no siempre toquen juntas.
El último consejo, algo que definitivamente has escuchado antes, es escuchar tus canciones favoritas y tomar nota de cómo se superponen instrumentos como los de tus composiciones. ¿Tocan todos los instrumentos al mismo tiempo? ¿Ciertos tonos se filtran notablemente? No hay nada de malo en tomar sus señales de capas de los profesionales!