Minimalisme maximum: Le Musée Glenstone d’Emily et Mitchell Rales Grandit

Cloîtré sur un domaine sylvestre qui était autrefois utilisé par un club de chasse au renard dans le riche Washington, D.C., banlieue de Potomac, Maryland, le musée de Glenstone était pendant de nombreuses années quelque chose d’un mystère.

Lors de son ouverture au public en 2006, les visites de son bâtiment d’exposition de 30 000 pieds carrés conçu par Charles Gwathmey et de son parc rempli d’œuvres d’art n’étaient disponibles que sur rendez-vous, quelques jours par semaine. Ses fondateurs — Mitchell Rales, un industriel dont la valeur nette est estimée à environ 4 milliards de dollars, et sa femme, Emily Rales, une ancienne marchande d’art — parlaient rarement à la presse, et ils étaient réticents à leurs projets à long terme. En 2013, lorsqu’ils ont annoncé leur intention de créer un deuxième bâtiment beaucoup plus grand pour le musée, moins de 10 000 personnes s’étaient déjà rendues.

 » Il faut du temps pour construire une institution « , m’a récemment dit Emily, se remémorant ces premières années. « L’intention était toujours d’être accueillant et d’ouvrir nos portes — il nous a fallu un peu de temps pour y arriver. »La demande de voir leur formidable collection d’art principalement d’après-guerre et d’art contemporain, qui compte maintenant 1 300 œuvres, a fini par être énorme, a-t-elle déclaré. « Tout se résume à des questions pratiques très simples concernant l’infrastructure, le stationnement et le personnel. Nous avions très peu de ces trois choses. »

Cela a changé. Le 4 octobre, l’extension — une structure de 204 000 pieds carrés conçue par l’architecte new–yorkais Thomas Phifer, ainsi qu’une ambitieuse initiative d’aménagement paysager de PWP Landscape Architecture sur les 230 acres de Glenstone — sera inaugurée. Mais par une chaude après-midi de juin, alors que l’art était encore soigneusement installé, j’ai visité le parc et le bâtiment, qui sont étonnants tant par leur ampleur que par leur attention aux détails. Une fois ouvert, le Glenstone agrandi se classera comme l’un des musées d’art privés les plus ambitieux et les plus impressionnants au monde aujourd’hui.

Le bâtiment de Phifer est d’une somptueuse simplicité, fait de bois, de verre et de quelque 26 000 blocs de béton qui ont servi à la création de 11 galeries — Pavillons, dans le langage de Glenstone — dont beaucoup sont consacrés à des expositions à long terme de pièces d’artistes uniques, dont Brice Marden, Cy Twombly , Charles Ray, et d’autres. Un seul espace dans la présentation initiale sera consacré à 65 pièces de 52 artistes de la collection du musée, riche du genre d’expressionnisme abstrait, de minimalisme et de conceptualisme que peu de musées peuvent se permettre de nos jours. (Le musée a refusé d’indiquer le coût de l’agrandissement. »Glenstone parle de cet environnement très contemplatif, serein et minimal », a déclaré Emily. « L’architecture ne cherche pas à éclipser l’art — elle est en harmonie avec elle. »Les Raleses avaient l’intention de trouver un architecte à mi-carrière et ont été emmenés au North Carolina Museum of Art que Phifer a achevé à Raleigh en 2010, « voyant à quel point il était sensible au paysage et à l’art », a-t-elle déclaré. Le bâtiment qu’il a conçu pour Glenstone a un sentiment de quiétude puissant mais exceptionnellement chaleureux qui rappelle le musée Kolumba de Peter Zumthor à Cologne, tandis que sa lumière naturelle rappelle la rénovation subtile de Dia: Beacon de Robert Irwin dans le nord de l’État de New York. « Nous ne voulons pas que les ampoules soient allumées pendant la journée », a déclaré Phifer, « afin que vous sentiez le mouvement de la lumière et l’atmosphère de la lumière et le changement de la lumière d’une saison à l’autre. »

« Plus que toute autre chose, nous recherchions une expérience lente et immersive, afin que vous commenciez à ralentir et à vous déplacer dans le paysage et à vous déplacer à travers les bâtiments avec tous ces moments de réflexion et de pause », a déclaré Phifer. Il reliait les onze galeries à des couloirs situés autour d’un vaste jardin d’eau parsemé de nénuphars — une scène tout droit sortie de Monet. « Nous voulions créer une pièce sur le ciel, la lumière et l’eau », a déclaré Phifer, mentionnant le Ryōan-ji, le temple zen de Kyoto, au Japon, comme source d’inspiration pour cet espace paisible en plein air. Un long banc en bois de l’artiste Martin Puryear, dont les œuvres ont été recueillies en profondeur par les Raleses, se trouve à l’extérieur dans le jardin d’eau.

En concevant l’expansion de Glenstone, Emily a déclaré que l’équipe s’était demandé: « Comment éviter la fatigue du musée? » et « Comment prolonger l’expérience du musée pour qu’elle puisse couvrir peut-être trois heures, peut-être cinq heures? »Il est facile d’imaginer une visite consommant une demi-journée ou plus. L’espace d’exposition de 50 000 pieds carrés dans l’agrandissement est égal à celui du Whitney Museum de New York, et les motifs comprennent une imposante pièce topiaire de Jeff Koons, une œuvre sonore de Janet Cardiff et George Bures Miller hébergée dans des bois denses, et des sculptures à grande échelle de Richard Serra et Ellsworth Kelly. (Le bâtiment Gwathmey d’origine a 9 000 pieds carrés d’espace d’exposition.) Il y a deux cafés et une zone d’arrivée avec une librairie, tous deux situés à l’écart du bâtiment principal, afin que l’expérience artistique ne soit pas entravée par la nourriture et le commerce, à la Collection Menil à Houston. (Comme le Ménil, l’entrée est gratuite.) Le musée est ouvert quatre jours par semaine.

Même à mesure que l’expansion progresse, la collection de Glenstone continue de croître et de changer. « Mitch et moi prenons toutes les décisions nous-mêmes » concernant les acquisitions, a déclaré Emily. Ils préfèrent déléguer ces choix à des conseillers car « c’est trop amusant et nous l’aimons trop », a-t-elle poursuivi. « Cela dit, nous avons des directives très strictes auxquelles nous adhérons. »Parmi eux, l’accent est mis sur la qualité: « Nous sommes très méthodiques pour aller après le meilleur des meilleurs », a-t-elle déclaré. Tout artiste qu’ils achètent doit également avoir été actif pendant 15 ans, et ils surveillent de près ce que la National Gallery of Art à proximité, dont Mitchell est membre du conseil d’administration, et le musée Hirshhorn possèdent. « Nous nous sentons très liés à cette communauté d’institutions de Washington, et nous ne voulons pas dupliquer leurs avoirs », a-t-elle déclaré.

Ils ont montré un penchant rare pour la patience dans leur poursuite. Parmi leurs œuvres d’art prisées figurent des pièces clés de Willem de Kooning, Louise Bourgeois et Jasper Johns, ainsi que ce qui est peut-être le plus célèbre de David Hammons: How Ya Like Me Now? (1988), un portrait d’environ 13 pieds sur 19 d’une version à la peau blanche de Jesse Jackson accompagnée du texte de cette question. Il a été présenté pour la première fois dans une exposition d’art public à Washington, D.C., l’année de sa création, lorsqu’il a été vandalisé avec des marteaux. (Hammons a ensuite placé une clôture construite à partir de ces outils devant l’œuvre.) « Il s’y était accroché pendant 20 ans », a déclaré Emily. « Nous étions très persistants et nous étions prêts à attendre et nous n’arrêtions pas de demander s’il serait d’accord ou non de le laisser partir, et il a finalement accepté, ce qui était très excitant. »

L’un de leurs achats les plus récents est Allan Kaprow’s Yard (1961) — une multitude de pneus en caoutchouc qui peuvent être reconfigurés chaque fois qu’ils sont installés. Il rejoint une collection qui a ajouté de la photographie, des installations à grande échelle (une autre raison de l’expansion), des œuvres temporelles – dont 144 pièces de la collectionneuse canadienne Ydessa Hendeles – ainsi que des œuvres d’au—delà des États—Unis et de l’Europe, comme le Gutai japonais et le Néo-Béton brésilien. « Ce n’est en aucun cas un projet fini », a déclaré Emily. « Nous avons encore beaucoup de travail à faire, en regardant d’autres traditions. Ça va juste prendre du temps à construire. »

Une version de cette histoire est initialement parue dans le numéro d’automne 2018 d’ARTnews à la page 94 sous le titre « Maximum Minimalism. »