jeg er fast tro på at kunstneres roller ikke er spesifikke for deres valgte konsentrasjon, eller til og med deres naturlige tilbøyelighet. Enten du er illustratør, forfatter, fotograf, skuespiller eller musiker, finner du uten tvil en viss trøst i kreativt uttrykk. Storyboarding er en fin måte å oppmuntre til det, da det er langt mer tilnærmet enn å si maleri eller livstegning. I tillegg er innsatsen ikke så høy med storyboards siden, som jeg har nevnt før, er de et middel til en slutt, og ikke» slutten » selv. Så om du er klar til å kartlegge en spillefilm, eller bare nysgjerrig på hvordan du henter øvelsen, er det alt du trenger å vite for å komme i gang!
Tegne Dine Egne Bokser
En «Ridleygram» Av Ridley Scott for hans film Prometheus (2012).
jeg elsker å tegne mine egne storyboard bokser, selv om jeg til slutt går videre til en pre-laget mal. Ved å lage dine egne grenser tillater du deg selv å eksperimentere med forskjellige aspektforhold, og dermed oppdage hvor økonomisk du gjør eller ikke trenger å være med det du inkluderer i skuddet.videre skaper omrisset av rammene dine for hånd et fysisk, taktilt forhold til arbeidet ditt-det som er bra med dette er at det dyrker en organisk forbindelse mellom det fantasifulle (tegningene) og det mekaniske (grensen som inneholder tegningene). Å gjøre dette kan bokstavelig talt presse deg til å tegne utenfor boksen (dvs . åpne komposisjoner), eller i det minste endre typen boks du bruker. Dette kan manifestere seg i noen grenser som fet («veldig viktig»), prikket («ikke veldig viktig»), bølget («drømmesekvens»), eller til og med fargekodet. Hvordan du definerer disse er helt opp til deg. Den beste måten å tenke på denne handlingen er som en oppvarming eller et håndtrykk med lerret av valg.
Horisontlinje, Forsvinningspunkt og Perspektiv
en enkelt linje trukket bak eller over nøkkeltallene dine, men ufullkommen det kan være, kan gjøre underverk: ved å legge til dette, gjengir du et viktig, hvis tilsynelatende rudimentært, aspekt av dybde og rom. Det er noe mange av oss sannsynligvis lærte i grunnskolen, og stedet i vår barndomsutdanning er velfortjent, fordi det bringer skissene våre ut av den klare 2d-verdenen og inn i (faux) 3D-en. Som en av mine høyskoleprofessorer likte å si, er tegning alt «et con-spill» – noe som betyr at når det gjelder grafitt på papir eller piksler på en skjerm, skaper vi illusjonen av et objekt i rommet, ikke selve objektet. Minner meg selv om dette samtidig tar litt press av og frigjør fantasien min.
den andre halvdelen av dette trinnet er like enkelt og barnslig, men også avgjørende: for å lage ditt forsvinningspunkt, bare tegne en prikk hvor som helst på horisontlinjen. Fra prikken utstråler du noen linjer mot Deg (Y-aksen) og parallelt med Deg (X-aksen). Jeg bruker sjelden en linjal, da jeg finner det bremser og distraherer meg, men det er alltid godt å ha en rundt uansett. Hvis du vil gå et skritt videre, kan du til og med tegne sirkler på rutenettet du nettopp har laget for å representere (i en nesten topografisk forstand) hvor nøkkeltallene/objektene dine vil være.
Til Slutt, uavhengig av dine valgte våpen (penn og papir, penn og nettbrett, etc.), er målet ditt å låne volum til dine tall og dybde til dine steder og innstillinger. Handlingen med å skissere en horisontlinje og forsvinningspunkt, mens det ikke alltid er nødvendig (for eksempel med nærbilder eller lave vinkler), er alltid en nyttig praksis.
Relatert Innlegg Tegning Inspirasjon: Nøklene Til Å Skape Killer Storyboards
Grunnleggende Former, Sammensetning og Skala
Før du fyller tankene dine (og deretter rammen din) med irrelevante detaljer, er det viktig å etablere forholdet mellom figurene dine og området de okkuperer. Det er fristende å hoppe rett inn i linjene i et ansikt eller vinduene i en bygning, men hvis du skisserer silhuettene av disse nøkkelelementene først, vil summen av skissen være større enn delene — noe som gir deg større lisens til å fylle ut detaljene.når du utforsker skala (grandiose etablering av skudd, feiende luftbilder, bokstavelige/metaforiske «David og Goliat» scenarier), er den beste måten å starte med grunnleggende linjer og former.
for eksempel, bare ved å tegne en større, dristigere form ved siden av en mindre, utløser du en følelsesmessig respons. På samme måte kan det å forlate en stor mengde negativ plass rundt et enkelt merke tyde på ensomhet eller å gå tapt. Det er kraften i skalaen. Akkurat som musikk noen ganger handler om notatene du ikke spiller, handler storyboarding noen ganger om linjene du ikke tegner.ordren av dine handlinger kan også spare deg for dyrebar tid (for ikke å nevne hodepine). Å jobbe i brede, meningsfulle slag i starten organiserer nøkkelelementene i bildet ditt i stedet for å forvirre det. Hvis du kan hjelpe det, vil du aldri bli distrahert ved å tegne et tegns stubbe før du selv er ferdig med å skissere hodet.Mens tredjedelsregelen er allestedsnærværende av en grunn – det er den klare artikulasjonen av hvorfor vi finner visse bilder så overbevisende-forenkling av en sammensetning enda lenger, i kvadranter (eller til og med halvdeler), kan komme til hjertet av den interessen enda raskere. Mye som det menneskelige øyet er i stand til å lese et ord eller en setning med den nederste halvdelen avskåret (men sjelden med toppen kuttet av), kan det samme sies for iscenesettelse av en scene. Ta For Eksempel David Leans udødelige Lawrence Of Arabia. På et rent funksjonelt nivå er det lett å legge merke til hvordan den essensielle handlingen er innrammet for å ligge i den øvre halvdelen. På en litt mer kompleks, men helt historie-og karakterdrevet måte, legg merke Til Måten Peter O ‘ Toole som Lawrence beveger seg fra sin øvre venstre kvadrant av skjermen til øverst til høyre i en aggresjonshandling. Ingenting av dette er tilfeldig. Arbeidet ditt bør, og vil alltid på et visst nivå, være et resultat av instinktene dine, men dine stolteste øyeblikk vil utvilsomt være når du gifter instinkt med bevisst tanke.
Dybdeskarphet og Bakgrunner
DREDD (2012) storyboard av JOCK. Hans dristige, blokkerte stil er villedende minimal og helt funksjonell.
Tidligere nevnte jeg hvordan bruk av en linjal bremser meg ned. Siden tiden ofte er essensen i storyboarding, må du som kunstner prioritere den visuelle informasjonen mens du er oppmerksom på tidsstyring (noen ganger ubevisst). Dette vil skje over tid, gjennom praksis og repetisjon, og du har sannsynligvis allerede innpodet din egen måte å gjøre dette på. Poenget er at – og dette er et gjentakende tema for storyboarding – du fokuserer på den viktigste visuelle informasjonen, ikke nødvendigvis all informasjonen. Oppriktig, det er tider når du ikke trenger å tegne en bakgrunn i det hele tatt. Hvis du er foran planen, vil du kanskje, men avhengig av kritiske faktorer som tildelt tid og budsjett gitt, representerer du handlingen over den etablerte plasseringen hver gang. Dette er fordi ting som innstillingen vil naturlig bli underforstått når du har tegnet det i tidligere rammer og skudd.med det sagt, når du lager en bakgrunn, vil selv den mest primitive versjonen (en horisontlinje eller en tonalitet) fortsatt øke dybdeskarpheten din, fordi bare forslaget til lokaliteten kan være nok til å opprettholde flyt og momentum.
Rendering Your Storyboards
Justice League storyboard av Steve Skroce. Hans bakgrunn i tegneserier er en naturlig passform for storyboards; bruken av farge identifiserer tydelig nøkkeltallene i hans løsere, mer gestural tegnestil.Igjen, avhengig av tid, ressurser og / eller budsjett, kan du ønske å opprettholde en enkel, men energisk tegnestil, eller kanskje en mer grundig, grafisk roman-inspirert tilnærming. Du vil kanskje legge til fullfarge, holde fast i gråtoner, eller gjøre en blanding av begge. Dette er alle valg som noen ganger vil bli gjort for deg, enten av en direktør eller omstendighetene i prosjektet. Uansett utfallet er en stil ikke bedre enn den andre; det er bare et spørsmål om preferanse og hva som passer. Tonen, bakgrunnen eller intensjonen til prosjektet vil alle informere måten du gjør ting på.for eksempel er filmer som Hughes Brothers ‘The Book Of Eli og George Miller’ S Mad Max: Fury Road kjent for å bruke sine storyboards i stedet for et tradisjonelt skript. Bortsett fra de lange forproduksjonsperiodene som gjorde det mulig for begge filmene å bli storyboarded, brukte disse filmene hver tegneserieartister (Chris Weston på Eli, Mark H. Sexton På Max) for å låne et bevisst større enn livet og høyt estetisert utseende som ble opprettholdt gjennom hele produksjonen. Konseptkunstnere og storyboard-artister kommer nesten alltid inn før kostymedesignere, produksjonsdesignere og andre – så uansett hvordan du velger å gjengi tegningene dine, må du ikke undervurdere innflytelsen arbeidet ditt vil ha på cast, crew og film som helhet.
The Book Of Eli storyboard av Chris Weston. Hans stil er definert Av Et Brian Bolland-aktig detaljnivå og atmosfære. Westons arbeid ble presentert som en grafisk roman til skuespillerne i stedet for et tradisjonelt skript.Jim Penola Er frilans illustratør og storyboard artist. Han har studert tett under sine mentorer Og industri veteraner Robert Castillo (The Sopranos, Precious) Og William H. Frake III (Pocahontas, Ice Age). Jim fikk SIN BFA-grad I Kunst / Illustrasjon fra William Paterson University. Du kan følge ham På Twitter og Instagram @jimpenola.
Toppbilde: Utvalgte storyboards Av Jim Penola for en kommende musikkvideo Fra Lindsey Stirling.