eu sou um firme crente de que os artistas ” papéis não são específicas para sua escolha de concentração, ou mesmo a sua inclinação natural. Se você é um ilustrador, autor, fotógrafo, ator ou músico, você sem dúvida encontra algum consolo na expressão criativa. Storyboarding é uma ótima maneira de encorajar isso, já que é muito mais acessível do que, digamos, pintura ou desenho de vida. Além disso, os riscos não são tão altos com os storyboards desde que, como já mencionei antes, eles são um meio para um fim, e não “o fim” em si. Então, se você está pronto para mapear um filme, ou apenas curioso como pegar a prática, aqui está tudo que você precisa saber para começar!
a tirar as Suas Próprias Caixas de
“Ridleygram” por Ridley Scott para o seu filme Prometheus (2012).
adoro desenhar as minhas próprias caixas de storyboard, mesmo que eventualmente passe para um modelo pré-fabricado. Ao criar suas próprias fronteiras, você está se permitindo experimentar com diferentes proporções de aspecto, e assim descobrir o quão econômico você faz ou não tem que ser com o que você está incluindo na tomada.
além disso, criar o contorno de seus quadros à mão cria uma relação física e táctil com seu trabalho – o que é bom sobre isso é que ele cultiva uma conexão orgânica entre o imaginativo (os desenhos) e o mecânico (a borda contendo esses desenhos). Fazer isso pode literalmente empurrar você para desenhar fora da caixa (i.e. composições abertas), ou pelo menos alterar o tipo de caixa que você está usando. Isso pode se manifestar em algumas fronteiras sendo negrito (“muito importante”), pontilhado (“não muito importante”), ondulado (“sequência de sonho”), ou até mesmo codificado por cores. A forma como defines isto depende completamente de ti. A melhor maneira de pensar nesta ação é como um aquecimento ou um aperto de mão com a sua tela de escolha.
linha do horizonte, Ponto de desaparecimento, e perspectiva
uma única linha traçada atrás ou acima das suas figuras-chave, por mais imperfeita que seja, pode fazer maravilhas: ao adicionar isso, você está rendendo um aspecto essencial, embora aparentemente rudimentar, da profundidade e do espaço. É algo que muitos de nós provavelmente aprendemos na escola primária, e seu lugar na nossa educação infantil é bem merecido, porque traz nossos esboços para fora do mundo claramente 2D e para o (falso) 3D. Como um dos meus professores universitários gostava de dizer, o desenho é tudo “um jogo de con” — o que significa que, quando se trata de grafite em papel ou pixels em uma tela, estamos criando a ilusão de um objeto no espaço, não o objeto em si. Lembrar-me disto simultaneamente tira alguma pressão e liberta a minha imaginação.
a outra metade deste passo é igualmente simples e infantil, mas também crucial: para criar o seu ponto de desaparecimento, basta desenhar um ponto em qualquer ponto da linha do horizonte. A partir do ponto, irradie algumas linhas em direção a você (eixo Y) e paralela a você (eixo X). Raramente uso um governante, pois acho que abranda e me distrai, mas é sempre bom ter um por perto, independentemente disso. Se você gostaria de ir um passo mais longe, você pode até mesmo desenhar círculos na grade que você acabou de fazer para representar (em um sentido quase topográfico) onde suas figuras-chave/objetos serão.
em última análise, independentemente das suas armas de escolha (caneta e papel, estilo e tablet, etc.), seu objetivo é emprestar volume para suas figuras e profundidade para suas localizações e configurações. O ato de esboçar uma linha de horizonte e ponto de desaparecimento, embora nem sempre necessário (como com close-ups ou ângulos baixos), é sempre uma prática útil.publicações relacionadas: As chaves para criar Storyboards assassinos
formas básicas, composição e escala
Antes de encher a sua mente (e, posteriormente, a sua moldura) com detalhes irrelevantes, é importante estabelecer a relação entre as suas figuras e a área que ocupam. É tentador saltar diretamente para as linhas de um rosto ou as janelas de um edifício, mas se você esboçar vagamente as silhuetas desses elementos chave primeiro, a soma de seu esboço será maior do que suas partes — o que lhe dá maior licença para então preencher os detalhes.ao explorar a escala, a melhor maneira de começar é com linhas e formas básicas.por exemplo, ao desenhar uma forma maior e mais ousada ao lado de uma menor, está a provocar uma resposta emocional. Da mesma forma, deixar uma grande quantidade de espaço negativo em torno de uma única marca pode sugerir solidão ou estar perdido. É o poder da escala. Assim como a música é às vezes sobre as notas que você não toca, storyboarding é às vezes sobre as linhas que você não desenhar.
a ordem das suas acções também pode poupar-lhe tempo precioso (para não mencionar dores de cabeça). Trabalhar em traços amplos e significativos no início organiza os elementos-chave do seu tiro, em vez de confundi-lo. Se você pode evitar, você nunca quer se distrair desenhando a barba de uma personagem antes mesmo de terminar de esboçar sua cabeça.
Divisão de quadros
enquanto a regra dos terços é omnipresente por uma razão — é a clara articulação do porquê de acharmos certas imagens tão convincentes – simplificando ainda mais uma composição, em quadrantes (ou mesmo metades), pode chegar ao coração desse interesse ainda mais rápido. Tanto quanto o olho humano é capaz de ler uma palavra ou frase com a metade inferior cortada (mas raramente com a parte superior cortada), o mesmo pode ser dito para a encenação de uma cena. Tomemos, por exemplo, o Imortal Lawrence da Arábia De David Lean. Em um nível puramente funcional, é fácil perceber a forma como a ação essencial é enquadrada para residir na metade superior. De uma forma um pouco mais complexa, mas inteiramente baseada em histórias e personagens, tome nota da forma como Peter O’Toole, enquanto Lawrence se move de seu quadrante superior esquerdo da tela para a parte superior direita, em um ato de agressão. Nada disto é acidental. Seu trabalho deve, e sempre será, em algum nível, resultado de seus instintos, mas seus momentos mais orgulhosos serão, sem dúvida, quando você se casar com o instinto com pensamento deliberado.
profundidade de campo e fundos
DREDD (2012) storyboard by JOCK. Seu estilo audaz e blocky é enganosamente mínimo e inteiramente funcional.
anteriormente, mencionei como usar uma régua me atrasa. Uma vez que o tempo é muitas vezes da essência no storyboarding, você, como o artista, deve priorizar a informação visual, ao mesmo tempo em que está atento à gestão do tempo (às vezes subconscientemente). Isso vai acontecer com o tempo, através da prática e repetição, e você provavelmente já instilou sua própria maneira de fazer isso. O ponto é que – e este é um tema recorrente de storyboarding-você está focando na informação visual chave, não necessariamente toda a informação. Francamente, há alturas em que não é preciso desenhar um fundo. Se você está adiantado do horário, talvez você gostaria, mas dependendo de fatores críticos como tempo atribuído e orçamento dado, você vai representar a ação sobre o local estabelecido a cada vez. Isto é porque coisas como o ajuste naturalmente se torna implícito quando você o desenhou em quadros e tiros anteriores.
com isso dito, quando você cria um fundo, mesmo a versão mais primitiva (uma linha de horizonte ou uma lavagem de tonalidade) ainda vai aumentar a sua profundidade de campo, porque apenas a sugestão da localidade pode ser suficiente para manter o fluxo e momento.
Rendering Your Storyboards
Justice League storyboard by Steve Skroce. Seu fundo em quadrinhos é um ajuste natural para storyboards; o uso da cor claramente identifica as figuras-chave dentro de seu estilo mais solto, Mais gestual de desenho.mais uma vez, dependendo do tempo, recursos e/ou orçamento, você pode querer manter um estilo de desenho simples, porém energético, ou talvez uma abordagem mais completa e inspirada em romance gráfico. Você pode querer adicionar cor completa, ficar em tons de cinza, ou fazer uma mistura de ambos. Estas são todas as escolhas que às vezes serão feitas para você, seja por um diretor ou as circunstâncias do projeto. Independentemente do resultado, um estilo não é melhor do que o outro; é simplesmente uma questão de preferência e do que é apropriado. O tom, o fundo ou a intenção do projeto irão informar a forma como você faz as coisas.por exemplo, filmes como o Livro dos irmãos Hughes, “The Book of Eli and George Miller’s Mad Max: Fury Road” são notáveis por usar seus storyboards no lugar de um roteiro tradicional. Além dos longos períodos de pré-produção que permitiram que a totalidade dos dois filmes fosse storyboarded, estes filmes empregavam artistas de quadrinhos (Chris Weston em Eli, Mark H. Sexton em Max) para emprestar um deliberadamente maior do que a vida e um olhar altamente estetizado que foi mantido durante toda a produção. Artistas de conceito e artistas de storyboard quase sempre vêm antes de figurinistas, designers de produção, e outros – assim, no entanto você optar por renderizar seus desenhos, não subestimar a influência que seu trabalho terá no elenco, equipe e filme como um todo.
The Book of Eli storyboard by Chris Weston. Seu estilo é definido por um nível de detalhe e atmosfera Brian Bolland-esque. O trabalho de Weston foi apresentado como um romance gráfico para os atores no lugar de um roteiro tradicional.Jim Penola é um ilustrador freelance e artista de storyboard. Ele estudou de perto com seus mentores e veteranos da indústria Robert Castillo (Os Sopranos, Precious) e William H. Frake III (Pocahontas, Idade do Gelo). Jim recebeu seu diploma de BFA em Arte/Ilustração da Universidade William Paterson. Você pode segui-lo no Twitter e Instagram @jimpenola.
Top image: Selected storyboards by Jim Penola for an upcoming music video from Lindsey Stirling.