tem uma estranha sensação de déjà vu após a reunião, artista Britânico Marc Quinn. A sua cabeça—ou melhor, uma escultura congelada dela lançada do seu próprio sangue—tornou-se uma imagem icónica da arte contemporânea, gravada na nossa memória colectiva. Uma vez um retrato do artista e do homem comum, a escultura, intitulada Auto, encapsula a vida e a morte—um memento mori de matéria real que poderia, teoricamente, ser clonado para fazer uma nova vida. E há um exército cada vez maior destas réplicas estranhas Quinn, que evocam o monstro de Frankenstein, O sacrifício asteca, e a Eucaristia Cristã.inspirado pelos auto-retratos de Rembrandt que traçam a sua imagem desde a juventude até à velhice, Quinn comprometeu-se a produzir um novo “eu” a cada cinco anos, que envolve extrair oito litros do seu sangue ao longo de vários meses. Ele fez cinco até à data, no entanto, estas chamadas cabeças de sangue, cada um desencarnado em cima de um plinto de aço inoxidável contendo uma unidade de refrigeração, desafia qualquer processo de envelhecimento linear; na verdade, a cabeça original de Quinn de 1991 parece o mais idoso.”‘Self’ é quase como uma versão Beckett de Rembrandt”, diz Quinn. “Com Rembrandt, é realmente sobre ele em cada ponto e sua personalidade, enquanto o meu é como uma repetição da mesma coisa. É mais uma visão do progresso do século XXI.”Quanto à razão pela qual ele escolheu o sangue como meio, ele diz que queria empurrar os limites materiais da escultura, e “o sangue era a única parte do meu corpo que eu poderia tirar sem me mutilar.”
CORTESIA MARC QUINN STUDIO, LONDRES
Em Quinn East London studio, enormes pinturas de flores psicodélicas e humanos íris de competir por atenção com esculturas de Kate Moss amarrado em yoga nós, um transexual casal copulando estilo cachorrinho, e desmedida conchas. Tais assuntos aparentemente díspares estão ligados pela constante preocupação do artista em refletir a cultura de nossos tempos. Em suas explorações de identidade, sexualidade, beleza e fragilidade da existência, ele fez esculturas de estrelas pornô e pessoas deficientes, pinturas de gigantescas impressões digitais, e instalações de jardins de Flores congeladas. Igualmente diversos são seus materiais, que incluem pão, DNA, gelo, fezes, placenta e sangue do nascimento de seu filho.aos 50 anos, Quinn mantém uma aparência jovem, ostentando uma t-shirt verde-lima de 200 dólares com um padrão de impressões digitais que faz parte da linha de roupas que ele lançou há três anos e um Rolex preto que ele projetou com o Departamento de relógios de Bamford. Atualmente, ele está ocupado criando novas obras para uma exposição em setembro no Centro de Arte Contemporânea de Málaga, na Espanha, e para três grandes shows solo agendados para o próximo ano: no Observatório exterior de Jantar Mantar, século XVIII, em Jaipur, Índia; o Museu de arte de Denver; e a filial de White Cube, cavernous Bermondsey, no sudeste de Londres.ele está montando uma nova série de tapeçarias (feita com um Tear Computadorizado Jacquard) que retrata cenas de recentes revoltas em todo o mundo. Estas peças estendem-se a partir de sua tapeçaria a criação da história (2012), com base em uma imagem dos tumultos de 2011 na Inglaterra, mostrando uma juventude encapuzada contra um pano de fundo de conflagração. “Eu estava interessado na forma como as tapeçarias eram usadas para celebrar batalhas nos tempos medievais”, explica. “Estas são como batalhas contemporâneas.”Ao contrário das tapeçarias que antigamente revestiam paredes do Palácio, as de Quinn estão destinadas ao chão—a ser pisadas e transformadas, refletindo o espírito democrático dos protestos populares.seus bronzes de árvores bonsai marcam outra incursão em novas técnicas, usando tecnologia revolucionária para escanear as dimensões de uma árvore viva e, em seguida, cortar a laser um protótipo que é mais tarde moldado em bronze. “Acredito que a digitalização 3D-que já usei nas esculturas da concha—é um desenvolvimento para a escultura tão importante quanto a invenção da fotografia foi para a pintura há cem anos”, diz ele.
Quinn nasceu em Londres, em 1964, de uma mãe francesa e pai Britânico—um físico que trabalhou por muitos anos em Paris, no BIPM (o francês initialism para o Bureau Internacional de Pesos e Medidas), uma organização que mantém o padrão mundial de tempo e pesos. Quinn se lembra vividamente de visitar o laboratório de seu pai, onde eles olhariam para relógios atômicos juntos.
TODD-BRANCO FOTOGRAFIA de ARTE/CORTESIA de MARC QUINN STUDIO, LONDRES
No início da década de 1990, Quinn ganhou destaque como um dos Jovens Artistas Britânicos, ou YBAs, que abalou até Londres contemporânea-arte em cena com os seus provocantes obras conceptuais e hedonista palhaçadas. O fio que unia o grupo divergente era, na opinião de Quinn,” a ideia de trazer a vida real para a arte”, bem como uma recusa em esperar pela aprovação institucional para mostrar o seu trabalho.muitas vezes retratado na mídia como o inteligente, Quinn estudou história e história da arte na Universidade de Cambridge, enquanto muitos outros ybas buscavam Belas Artes na Universidade de Londres Goldsmiths College. Ele diz que nunca teve qualquer treinamento formal de arte, mas antes de Cambridge, ele trabalhou como assistente do escultor Galês Barry Flanagan, conhecido por seus brilhantes bronzes de lebres.Quinn dividiu um apartamento com a então namorada de Damien Hirst, Maia Norman; festejou duro e lutou contra o alcoolismo. Ele foi para a reabilitação em 1993 e desistiu da bebida. “Foi apenas uma escolha entre a morte e a vida, na verdade. Foi bastante extremo”, diz o artista, cujo comportamento Plácido e voz suave believe um temperamento atraído para o extremo.ele foi o primeiro YBA a ser assinado por Jay Jopling, diretor da operação Multivenue White Cube gallery, que ainda representa ele e outros do grupo. (O patrono de YBA, Charles Saatchi, separou várias obras de Quinn através de Jopling, incluindo Self 1991, que mais tarde vendeu para o gerente americano de hedge-fund Steve Cohen. Hoje, as pinturas de Quinn chegam a US $ 400.000 e suas esculturas variam de US $250.000 a mais de US $1,5 milhões na White Cube e Mary Boone Gallery em Nova York. Seu trabalho está nas coleções de Tate, Museu Metropolitano de arte de Nova Iorque, e o Centro Pompidou em Paris, entre outras instituições.o conceito de “materializar o imaterial” e fazer as coisas desaparecerem fascina Quinn—a ideia de que um toque do interruptor de energia poderia transformar um auto-retrato gelado em uma poça de sangue. (Rumores dizem que isso aconteceu na casa de Saatchi em 2002, mas Quinn diz que a anedota é um mito urbano. Ele criou uma série de” esculturas em suporte de vida ” que dependem da tecnologia e infra-estrutura para existir. Estes vão desde as cabeças de sangue até as flores congeladas até à respiração (2012), a sua colossal escultura inflável de uma nua grávida incapacitada. Quinn considera o último como um “monumento vivo”, dizendo: “é uma escultura mantida no ar pela respiração. É muito humano. Se lhe tocares, dá como carne.baseado em seu retrato em mármore da artista Alison Lapper—que nasceu sem braços e com pernas subdesenvolvidas—o hálito provocou ataques de críticos, mídia local e da Igreja Católica quando foi ambientado em meio à arquitetura renascentista de Veneza durante a Bienal do ano passado como parte da retrospectiva de Quinn na Fundação Giorgio Cini. Quinn considerou Breath como “o único trabalho político real” na Bienal para envolver o público, e ele viu a polêmica como evidência de seu sucesso. “Na Itália, onde coisas como deficiência estão muito escondidas, foi uma coisa incrível”, diz ele.
cortesia MARC QUINN STUDIO, LONDON
a escultura original de urtiga pertencia a uma série de mármores imaculadamente acabados retratando pessoas deficientes, uma ruminação sobre noções convencionais de beleza inspirada pela fragmentada estatuária clássica. A estátua ganhou uma competição para adornar o quarto plinto da Praça Trafalgar de Londres, onde sua instalação em 2005 ao lado de monumentos de lendas militares britânicas provocou indignação e admiração. A versão insuflável de 36 pés tornou-se a peça central da cerimônia de abertura para os Jogos Paralímpicos de verão de 2012, em Londres, antes de sua saída em Veneza.investigando os ideais contemporâneos de beleza física, Quinn fez uma série de esculturas em bronze e Ouro de Kate Moss em contorções yogicas, apresentando o modelo willowy e a estrela tabloide como uma divindade secular para a nossa cultura obcecada por imagens. Enquanto a arte do momento de Quinn parece tocar um acorde com o público, a recepção crítica às vezes tem sido dura. “Quinn fundiu os métodos conceituais da arte contemporânea britânica com generosas injeções de correção política e sentimento heróico para criar alguma da arte mais rasa do nosso tempo”, escreveu Jonathan Jones, do The Guardian, no ano passado, que rotulou as esculturas de musgo de “manipuladoras Não – obras-primas que procuram atenção em massa.”
no entanto, os Kates têm provado ser “grandes favoritos” com colecionadores, de acordo com Oliver Barker, especialista internacional sênior na Sotheby’s. Desde que vendeu a primeira cabeça de sangue, Quinn “tem tido uma longevidade maior do que artistas como Sarah Lucas, Tracey Emin, e até Damien Hirst”, observa Barker. “Seu é um mercado que está crescendo continuamente e se tornando cada vez mais global. Uma versão de 18 quilates de Moss intitulada Microcosmos (Siren), 2008, foi vendida em leilão para um investidor asiático por US $900 mil em 2011.mais recentemente, Quinn encontrou musas em pessoas que alteraram radicalmente seus corpos através de cirurgia plástica, implantes e tatuagens. Seu show em white Cube de 2010 contou com esculturas em tamanho real do transgênero “pregnant man” Thomas Beatie e do falecido Dennis “Stalking Cat” Avners, que recebeu implantes de cabelo e tatuagens, a fim de se assemelhar a um tigre. As estrelas dessa exposição foram dois atores pornográficos Transexuais—Allanah Starr, que manteve seu pênis, e Buck Angel, um homem trans que tem uma vagina—retratado em bronze lacado como um Adão e Eva dos dias modernos, de mãos dadas e tendo sexo.tal “freak show”, como a mídia britânica o rotulou, torna Quinn um alvo fácil para acusações de voyeurismo e titilação. Mas isso não é o ponto, diz o admirador Joachim Pissarro, um professor de história da arte no Hunter College de Nova York e coautor de arte selvagem, um livro sobre modos não convencionais de expressão artística. Ele vê os retratos de Quinn no contexto dos estudos de Toulouse-Lautrec sobre prostitutas e dançarinos de Degas. “Marc olha para as complexidades humanas com um olhar muito profundo e empático”, insiste Pissarro. “Há uma recusa em Excluir pessoas que não obedecem aos nossos critérios do que é aceitável ou não.”
ROGER WOOLDRIDGE / cortesia white CUBE, LONDON
a Ciência permeia a prática de Quinn, talvez sem surpresa. A primeira cabeça de sangue continuou ameaçando congelar devido ao ar na câmara, até que Quinn inventou a solução de congelá-la em silicone líquido. Isso estimulou mais experiências. Deixando uma flor em um frasco de silicone em seu congelador, ele encontrou, interrompeu o processo natural de decomposição, resultando em sua série de esculturas de Flores congeladas.”é como esta transformação mágica entre a vida e a arte”, diz Quinn. “Você tem algo que se torna uma escultura de si mesma feita das mesmas moléculas de que a planta viva foi feita, mas ela já não está viva.”Levando isso adiante, ele criou a instalação “jardim” na Fundação Prada de Milão em 2000, um Éden artificial de flores exóticas preservadas em eterna floração em silicone subzero—enquanto a energia estava ligada.essas obras congeladas levaram a pinturas coloridas e bronzes de flores, que são populares entre os colecionadores, mas não têm o soco expressivo das primeiras esculturas de Quinn em chumbo e látex. No entanto, o historiador de arte veterano Germano Celant, que curou “Garden”, bem como o show de Veneza de Quinn, argumenta que as aparências slick escondem questões profundas. “Quando desmantelamos o ‘Garden’ , as flores tornaram—se Negras-simplesmente horríveis. Eles ficaram, tipo, queimados”, diz ele. “A beleza e a morte andam juntas no seu trabalho.”
As ideias que Quinn explora num corpo de trabalho muitas vezes levam tangencialmente a outro. A série” Self ” deu origem a um retrato de 2001 de John Sulston, feito a partir do DNA do biólogo vencedor do Prêmio Nobel. Identidade novamente entra em jogo nas pinturas “Labyrinth” De Quinn com impressões digitais e em suas pinturas na íris, ambas as quais parecem abstratas, mas são retratos de indivíduos. “Quando entra na América, a sua impressão digital é tirada, o seu olho é digitalizado. É como se estivéssemos sendo reduzidos, somos controlados pela abstração”, diz Quinn. Recentemente, ele adicionou mapas mundiais às obras de iris, inspiradas em parte por Alighiero Boetti e também pelo ciclo de notícias globais de 24 horas.Quinn é casado com a autora de livros infantis Georgia Byng, com quem ele tem dois filhos, Lucas, 11, e Sky, 8, e uma enteada, Tiger, 23, do casamento anterior de Byng. A família vive no norte de Londres e tem uma segunda casa no Caribe, e Quinn e Byng são regulares no circuito de celebrity party. Um colecionador de arte afiado, Quinn tem espalhado por todo o seu estúdio uma cara de barro por Picasso, uma obra de Lucio Fontana, uma retrete de resina de Sarah Lucas, sete “cadeiras de conto de fadas” por Ai Weiwei, uma pintura de Gary Hume, e várias estátuas antigas de Chola Indiana (a inspiração para o yogic Kates).apesar de sua modesta e afável maneira, Quinn claramente tem grandes aspirações. Ele diz que sua série de embriões em mármore, “Evolution”, de 2005-7, o lembra dos “escravos” inacabados de Michelangelo, e ele sugere que sua recente pintura a óleo de uma modelo nua, grávida, reclinada em carne crua poderia ser uma versão moderna da Vênus de Ticiano de Urbino ou Olympia de Manet. Mas então os YBAs não são conhecidos por sua auto-efacement. Perguntado para onde sua exploração da humanidade irá a partir daqui, Quinn responde com um sorriso: “eu ainda não sei. É isso que me faz continuar.”E depois acrescenta:” os únicos limites estão na minha mente.Elizabeth Fullerton é uma escritora freelance baseada em Londres. Ela está trabalhando em uma história de Britart a ser publicada por Thames & Hudson.
uma versão desta história apareceu originalmente na edição de Maio de 2014 do ARTnews na página 76 sob o título “‘Self’ na Era das Selfies.”