Je crois fermement que les rôles des artistes ne sont pas spécifiques à leur concentration choisie, ni même à leur inclination naturelle. Que vous soyez illustrateur, auteur, photographe, acteur ou musicien, vous trouverez sans doute une certaine consolation dans l’expression créative. Le storyboard est un excellent moyen d’encourager cela, car il est beaucoup plus accessible que, disons, la peinture ou le dessin de la vie. De plus, les enjeux ne sont pas aussi élevés avec les storyboards car, comme je l’ai déjà mentionné, ils sont un moyen d’atteindre une fin, et non « la fin » elle-même. Donc, que vous soyez prêt à cartographier un long métrage, ou simplement curieux de savoir comment reprendre la pratique, voici tout ce que vous devez savoir pour commencer!
Dessinez Vos propres boîtes
Un « Ridleygram » de Ridley Scott pour son film Prometheus (2012).
J’adore dessiner mes propres boîtes de storyboard, même si je passe finalement à un modèle pré-fait. En créant vos propres bordures, vous vous permettez d’expérimenter différents rapports d’aspect, et de découvrir ainsi à quel point vous faites ou ne devez pas être économique avec ce que vous incluez dans la photo.
De plus, créer le contour de vos cadres à la main crée une relation physique et tactile avec votre travail – ce qui est bien, c’est qu’il cultive une connexion organique entre l’imaginatif (les dessins) et la mécanique (la bordure contenant lesdits dessins). Cela peut littéralement vous pousser à dessiner en dehors de la boîte (c’est-à-dire compositions ouvertes), ou au moins changer le type de boîte que vous utilisez. Cela peut se manifester par des bordures en gras (« très importantes »), en pointillés (« pas très importantes »), ondulées (« séquence de rêve ») ou même codées par couleur. La façon dont vous les définissez dépend entièrement de vous. La meilleure façon de penser à cette action est un échauffement ou une poignée de main avec la toile de votre choix.
Ligne d’horizon, Point de fuite et Perspective
Une seule ligne tracée derrière ou au-dessus de vos chiffres clés, aussi imparfaite soit-elle, peut faire des merveilles: en ajoutant cela, vous rendez un aspect essentiel, bien qu’apparemment rudimentaire, de la profondeur et de l’espace. C’est quelque chose que beaucoup d’entre nous ont probablement appris à l’école primaire, et sa place dans l’éducation de notre enfance est bien méritée, car elle fait sortir nos croquis du monde clairement 2D et le (faux) 3D. Comme aimait à le dire un de mes professeurs d’université, le dessin est tout « un jeu de con » – ce qui signifie que, lorsqu’il s’agit de graphite sur papier ou de pixels sur un écran, nous créons l’illusion d’un objet dans l’espace, pas l’objet lui-même. Me rappeler cela enlève simultanément une certaine pression et libère mon imagination.
L’autre moitié de cette étape est tout aussi simple et enfantine, mais aussi cruciale: Pour créer votre point de fuite, tracez simplement un point n’importe où sur la ligne d’horizon. À partir du point, rayonnez quelques lignes vers vous (axe Y) et parallèlement à vous (axe X). J’utilise rarement une règle, car je trouve que cela ralentit et me distrait, mais il est toujours bon d’en avoir une partout malgré tout. Si vous souhaitez aller plus loin, vous pouvez même dessiner des cercles sur la grille que vous venez de faire représenter (dans un sens presque topographique) où seront vos figures / objets clés.
En fin de compte, quelles que soient vos armes de choix (stylo et papier, stylet et tablette, etc.), votre objectif est de donner du volume à vos figures et de la profondeur à vos emplacements et paramètres. L’acte d’esquisser une ligne d’horizon et un point de fuite, bien que pas toujours nécessaire (comme avec des gros plans ou des angles bas), est toujours une pratique utile.
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Formes de base, Composition et Échelle
Avant de remplir votre esprit (et ensuite votre cadre) de détails non pertinents, il est important d’établir la relation entre vos figures et la zone qu’elles occupent. Il est tentant de sauter directement dans les lignes d’un visage ou les fenêtres d’un bâtiment, mais si vous dessinez d’abord les silhouettes de ces éléments clés, la somme de votre croquis sera supérieure à ses parties — ce qui vous donne une plus grande licence pour ensuite remplir les détails.
Lors de l’exploration de l’échelle (plans d’établissement grandioses, vues aériennes panoramiques, scénarios littéraux / métaphoriques « David et Goliath »), la meilleure façon de commencer est avec des lignes et des formes de base.
Par exemple, en dessinant simplement une forme plus grande et plus audacieuse à côté d’une plus petite, vous suscitez une réponse émotionnelle. De même, laisser une grande quantité d’espace négatif autour d’une seule marque peut suggérer la solitude ou la perte. C’est le pouvoir de l’échelle. Tout comme la musique concerne parfois les notes que vous ne jouez pas, le storyboard concerne parfois les lignes que vous ne dessinez pas.
L’ordre de vos actions pourrait également vous faire gagner un temps précieux (sans parler des maux de tête). Travailler en traits larges et significatifs au début organise les éléments clés de votre tir plutôt que de le brouiller. Si vous pouvez l’aider, vous ne voulez jamais vous laisser distraire en dessinant le chaume d’un personnage avant même d’avoir fini d’esquisser sa tête.
Frame Division
Alors que la règle des tiers est omniprésente pour une raison — c’est l’articulation claire de la raison pour laquelle nous trouvons certaines images si convaincantes – simplifier encore plus une composition, en quadrants (ou même en moitiés), peut aller au cœur de cet intérêt encore plus rapidement. Tout comme l’œil humain est capable de lire un mot ou une phrase avec la moitié inférieure coupée (mais rarement avec le haut coupé), on pourrait en dire autant de la mise en scène d’une scène. Prenons, par exemple, l’immortel Lawrence d’Arabie de David Lean. Sur un plan purement fonctionnel, il est facile de remarquer la façon dont l’action essentielle est encadrée pour résider dans la moitié supérieure. D’une manière légèrement plus complexe, mais entièrement axée sur l’histoire et le personnage, prenez note de la façon dont Peter O’Toole, alors que Lawrence se déplace de son quadrant supérieur gauche de l’écran vers le coin supérieur droit dans un acte d’agression. Rien de tout cela n’est accidentel. Votre travail devrait, et sera toujours à un certain niveau, le résultat de vos instincts, mais vos moments les plus fiers seront sans aucun doute lorsque vous marierez l’instinct avec une pensée délibérée.
Profondeur de champ et arrière-plans
DREDD (2012) storyboard by JOCK. Son style audacieux et trapu est faussement minimal et entièrement fonctionnel.
Plus tôt, j’ai mentionné comment l’utilisation d’une règle me ralentit. Comme le temps est souvent essentiel dans le storyboard, vous, en tant qu’artiste, devez prioriser l’information visuelle tout en étant conscient de la gestion du temps (parfois inconsciemment). Cela se produira au fil du temps, par la pratique et la répétition, et vous avez probablement déjà inculqué votre propre façon de faire. Le fait est que – et c’est un thème récurrent du storyboard – vous vous concentrez sur les informations visuelles clés, pas nécessairement toutes les informations. Franchement, il y a des moments où vous n’avez pas du tout à dessiner un arrière-plan. Si vous êtes en avance sur le calendrier, peut-être que vous le souhaitez, mais en fonction de facteurs critiques tels que le temps alloué et le budget alloué, vous représenterez l’action sur l’emplacement établi à chaque fois. En effet, des choses comme le réglage deviendront naturellement implicites lorsque vous l’aurez dessiné dans les images et les plans précédents.
Cela dit, lorsque vous créez un arrière-plan, même la version la plus primitive (une ligne d’horizon ou un lavage de tonalité) augmentera toujours votre profondeur de champ, car seule la suggestion des paramètres régionaux peut suffire à maintenir le flux et l’élan.
Rendu de vos Storyboards
storyboard de la Ligue de Justice par Steve Skroce. Son expérience dans les bandes dessinées convient naturellement aux storyboards; l’utilisation de la couleur identifie clairement les figures clés de son style de dessin plus lâche et plus gestuel.
Encore une fois, en fonction du temps, des ressources et / ou du budget, vous souhaiterez peut-être conserver un style de dessin simple mais énergique, ou peut-être une approche plus approfondie, inspirée du roman graphique. Vous voudrez peut-être ajouter des couleurs complètes, vous en tenir à des niveaux de gris ou mélanger les deux. Ce sont autant de choix qui seront parfois faits pour vous, soit par un réalisateur, soit par les circonstances du projet. Quel que soit le résultat, un style n’est pas meilleur que l’autre; c’est simplement une question de préférence et de ce qui est approprié. Le ton, l’arrière-plan ou l’intention du projet informeront tous la façon dont vous faites les choses.
Par exemple, des films comme Le Livre d’Eli des Frères Hughes et Mad Max: Fury Road de George Miller sont remarquables pour utiliser leurs storyboards à la place d’un scénario traditionnel. Mis à part les longues périodes de pré-production qui ont permis de scénariser l’intégralité des deux films, ces films ont chacun employé des artistes de bandes dessinées (Chris Weston sur Eli, Mark H. Sexton Sur Max) pour donner un look délibérément plus grand que nature et très esthétisé qui a été maintenu tout au long de la production. Les artistes conceptuels et les artistes de storyboard viennent presque toujours avant les concepteurs de costumes, les concepteurs de production et autres – donc, quelle que soit la façon dont vous choisissez de rendre vos dessins, ne sous-estimez pas l’influence de votre travail sur le casting, l’équipe et le film dans son ensemble.
Le storyboard du Livre d’Eli par Chris Weston. Son style est défini par un niveau de détail et une atmosphère Brian Bolland-esque. Le travail de Weston a été présenté comme un roman graphique aux acteurs à la place d’un scénario traditionnel.
Jim Penola est un illustrateur indépendant et un artiste de storyboard. Il a étudié de près avec ses mentors et vétérans de l’industrie Robert Castillo (The Sopranos, Precious) et William H. Frake III (Pocahontas, Ice Age). Jim a obtenu son baccalauréat en Art / Illustration de l’Université William Paterson. Vous pouvez le suivre sur Twitter et Instagram @jimpenola.
Image du haut: storyboards sélectionnés par Jim Penola pour un prochain clip de Lindsey Stirling.