Qu’est-ce que la Superposition sonore ?
Faire de la musique, c’est comme peindre une image. Vous commencez par le contour et la forme de base, puis remplissez progressivement la toile de couleur, de texture, de lumière et d’ombre, avant d’ajouter quelques touches finales. Faire les bons choix à toutes les étapes du parcours créatif — de l’écriture de chansons au suivi et à l’arrangement — peut grandement accélérer le processus de mixage, aboutir à une piste plus soignée et éviter de « la fixer dans le mixage ».
Lors de la superposition des sons, deux considérations majeures sont en jeu : le profil de fréquence de chaque son et son amplitude dans le temps. Une note de guitare basse pincée, par exemple, aura généralement la plupart de ses informations dans le bas du spectre de fréquences, avec des informations de fréquence supérieure à la partie pincée du son. Sa forme d’enveloppe aura normalement une attaque rapide et une queue en décomposition lente. Un smash de gong, en revanche, a une composition de fréquence à large bande, avec une attaque lente et un long sustain.
Superposition de fréquences
Pendant des siècles, arrangeurs et compositeurs ont pensé à la composition fréquentielle des différents instruments pour lesquels ils sont en train de composer. Les instruments acoustiques ont une gamme de fréquences définie, régie par leur taille physique et leurs tendances de résonance (parmi d’autres facteurs). Les compositeurs utilisent ces limites pratiques à leur avantage. Lorsqu’il écrit de la musique pour quatuor à cordes, par exemple, un compositeur connaît instinctivement les limites de chaque instrument : la contrebasse peut atteindre des fréquences très basses, tandis que la gamme du violon s’étend dans les registres les plus élevés. Ils marquent des parties instrumentales de sorte que certaines sections orchestrales se complètent — appel et réponse entre les parties inférieures et supérieures de l’ensemble, par exemple, ou glissandos entraînants qui commencent dans les registres inférieurs et se terminent par les notes les plus aiguës.
Étendre ce concept à vos compositions — même si vos sons sont électroniques – est un excellent moyen de gérer la composition fréquentielle de votre mix, et d’apporter un son professionnel à vos pistes finies. Choisissez soigneusement des instruments avec des profils de fréquences non concurrents pour remplir votre toile sonore et garder l’oreille de l’auditeur engagée. Et n’abusez pas du même instrument sur toute la gamme musicale, surtout si vous avez beaucoup de choses à faire dans votre arrangement.
Espace d’arrangement
Les mixages occupés peuvent être captivants et passionnants, mais surcharger vos pistes avec de l’instrumentation peut être écrasant pour l’auditeur, (encore moins difficile à mixer). Il existe plusieurs façons de gérer les mélanges chargés, mais la première étape consiste toujours à vous demander ‘ai-je vraiment besoin de cette partie?’. Pouvoir y répondre fidèlement est le véritable test d’un bon producteur: se détacher émotionnellement de la musique sur laquelle vous avez travaillé, et la juger d’un point de vue objectif, pour laisser derrière vous la déclaration artistique la plus pure.
L’expérimentation du placement de vos parties musicales dans votre arrangement est un bon moyen de garder la main sur des passages que vous aimez vraiment, mais qui menacent d’encombrer vos chansons. C’est une erreur courante de charger toutes vos idées musicales près du devant de la chanson, de sorte que vous atteignez rapidement le sommet de l’énergie musicale et que vous n’avez nulle part où aller. Si vous êtes tombé dans ce piège, espacez les motifs musicaux pour permettre à l’énergie musicale de se construire lentement et dynamiquement.
Une autre astuce consiste à distiller vos idées musicales en phrases plus légères. Peut-être avez-vous une partie de guitare compliquée à deux mesures qui peut être réduite à quelques coups de langue qui font exactement le même travail dans le mix. Parce qu’il y a moins d’informations sonores, vous vous retrouverez avec plus d’espace, plus de plage dynamique et plus d’impact dans votre mix.
Bien sûr, si vous avez essayé de déplacer ou d’adapter des pièces gênantes, et qu’elles n’ont toujours pas leur place, vous n’avez peut—être pas d’autre choix que de les supprimer – le bouton supprimer est parfois votre meilleur ami. Cependant, ne jetez pas vos bonnes idées pour toujours — créez un dossier d’idées lorsque vous avez besoin d’inspiration.
Dynamique en musique
Le caractère dynamique de tout son peut être défini par son attaque, sa décroissance, son sustain et sa libération — vous trouverez ces paramètres sur l’enveloppe d’amplitude d’un synthétiseur et sur les processeurs de dynamique. En superposant des sons avec différentes caractéristiques dynamiques, vous pouvez changer leur forme, pour aider la batterie à frapper sans surcharger le mélange, rendre le son des leads plus prononcé sans qu’ils soient trop dominants et maintenir des sons cohérents.
La superposition dynamique prend beaucoup de temps. Disons que vous avez une grosse caisse 808 percutante, mais votre rythme manque d’énergie bas de gamme lorsque vous le jouez sur un système de son complet. Vous ne voulez pas perdre le personnage de kick que vous avez déjà; il vous suffit de renforcer le grondement bas. Ce n’est pas aussi simple que de simplement placer un échantillon subby sur chaque coup de pied. Tout d’abord, vous devrez accorder l’échantillon pour vous assurer qu’il rentre dans la clé de votre chanson. Ensuite, vous devez façonner le son pour vous assurer qu’il ne submerge pas votre coup de pied existant ou ne masque aucun des autres instruments. Il existe plusieurs outils que vous pouvez utiliser pour ce faire, le premier étant un compteur d’analyse de spectre (il en existe de bons gratuits en ligne, et votre DAW en aura probablement un). Vient ensuite un compresseur; vous pouvez utiliser des contrôles d’attaque et de libération extrêmes pour modifier complètement le profil de l’enveloppe d’amplitude. Vous pouvez même acheminer la sortie d’un autre instrument vers l’entrée de la chaîne latérale du compresseur pour que la dynamique de votre nouvel échantillon soit façonnée par le signal d’un autre instrument.Vous pouvez également utiliser un outil de conception transitoire, qui vous donne un contrôle complet sur tout ce qui précède.
Rappelez-vous que la superposition des sons, en particulier ceux à basse fréquence, peut entraîner d’étranges incohérences d’égalisation, causées par l’accentuation et l’annulation de certaines fréquences lorsqu’elles entrent en phase les unes avec les autres. Une attention particulière au profil de fréquence de vos sons est requise — vous devrez peut-être effectuer des ajustements de micro-synchronisation, que ce soit dans votre échantillonneur ou sur la timeline.
Kick and Bass: Un piège de superposition commun
Déversant trop d’informations sonores dans une zone du spectre de fréquences peut rendre votre mix un énorme casse-tête. Lorsque vous superposez la grosse caisse et la basse, pensez à leur donner des bandes de fréquences dédiées pour qu’elles ne soient pas en concurrence — utilisez un analyseur de fréquence pour déterminer où, dans le spectre sonore, chaque instrument est le plus intense, et annulez cette fréquence pour qu’un seul instrument y soit actif. D’autres méthodes pour gérer cela sont de syncoper les lignes de coup de pied et de basse les unes contre les autres afin qu’elles ne jouent pas toujours ensemble.
Le dernier conseil — quelque chose que vous avez certainement entendu auparavant – est d’écouter vos morceaux préférés et de prendre note de la façon dont les instruments comme ceux de vos compositions sont superposés. Tous les instruments jouent-ils en même temps ? Certaines tonalités sont-elles visiblement filtrées ? Il n’y a rien de mal à prendre vos repères de superposition des pros!