sunt un credincios ferm că rolurile artiștilor nu sunt specifice concentrării alese sau chiar înclinației lor naturale. Indiferent dacă sunteți ilustrator, autor, fotograf, actor sau muzician, veți găsi, fără îndoială, o anumită măsură de consolare în expresia creativă. Storyboarding – ul este o modalitate excelentă de a încuraja acest lucru, deoarece este mult mai abordabil decât, să zicem, pictura sau desenul de viață. În plus, mizele nu sunt la fel de mari cu storyboard-urile, deoarece, așa cum am menționat anterior, sunt un mijloc pentru un scop și nu „sfârșitul” în sine. Deci, dacă sunteți gata pentru a mapa un film de lung metraj, sau doar curios cum de a ridica practica, aici e tot ce trebuie să știți pentru a începe!
desenați propriile cutii
un „Ridleygram” de Ridley Scott pentru filmul său Prometheus (2012).
îmi place să desenez propriile cutii de storyboard, chiar dacă în cele din urmă trec la un șablon pre-făcut. Prin crearea propriilor granițe, vă permiteți să experimentați diferite rapoarte de aspect și, prin urmare, să descoperiți cât de economic faceți sau nu trebuie să fiți cu ceea ce includeți în fotografie.
Mai mult, crearea conturului cadrelor tale de mână creează o relație fizică, tactilă cu munca ta – ceea ce este bun în acest sens este că cultivă o legătură organică între imaginativ (desenele) și mecanic (marginea care conține desenele menționate). Făcând acest lucru vă poate împinge literalmente să desenați în afara cutiei (adică. deschideți compoziții) sau cel puțin schimbați tipul de casetă pe care o utilizați. Acest lucru se poate manifesta în unele granițe fiind îndrăzneț („foarte important”), punctat („nu foarte important”), ondulat („secvență de vis”) sau chiar codat în culori. Modul în care le definiți depinde în totalitate de dvs. Cel mai bun mod de a gândi la această acțiune este ca o încălzire sau o strângere de mână cu pânza la alegere.
linia orizontului, punctul de dispariție și perspectiva
o singură linie trasată în spatele sau deasupra cifrelor cheie, oricât de imperfectă ar fi, poate face minuni: adăugând acest lucru, redați un aspect esențial, deși aparent rudimentar, al adâncimii și spațiului. Este ceva ce mulți dintre noi am învățat probabil în școala elementară, iar locul său în educația copilăriei noastre este bine câștigat, deoarece aduce schițele noastre din lumea 2D clar și în cea (faux) 3D. Așa cum unuia dintre profesorii mei de colegiu îi plăcea să spună, desenul este tot „un joc con” — ceea ce înseamnă că, atunci când vine vorba de grafit pe hârtie sau pixeli pe un ecran, creăm iluzia unui obiect în spațiu, nu obiectul în sine. Amintindu – mi de acest lucru simultan ia o anumită presiune off și eliberează imaginația mea.cealaltă jumătate a acestui pas este la fel de simplă și copilărească, dar și crucială: pentru a vă crea punctul de dispariție, pur și simplu desenați un punct oriunde pe linia orizontului. Din punct, radiați câteva linii spre dvs. (axa Y) și paralel cu dvs. (axa X). Rareori folosesc o riglă, deoarece mi se pare că încetinește și mă distrage, dar este întotdeauna bine să ai unul în jur fără deosebire. Dacă doriți să faceți un pas mai departe, puteți chiar să desenați cercuri pe grila pe care tocmai ați făcut-o pentru a reprezenta (într-un sens aproape topografic) unde vor fi figurile/obiectele dvs. cheie.
în cele din urmă, indiferent de armele alese (stilou și hârtie, stilou și tabletă etc.), obiectivul dvs. este de a împrumuta volum cifrelor și profunzimii dvs. în locațiile și setările dvs. Actul de a schița o linie de orizont și un punct de dispariție, deși nu este întotdeauna necesar (cum ar fi cu prim-planuri sau unghiuri joase), este întotdeauna o practică utilă.
Related Post desen inspirație: Cheile pentru crearea de scenarii ucigașe
forme de bază ,compoziție și scară
înainte de a vă umple mintea (și ulterior cadrul) cu detalii irelevante, este important să stabiliți relația dintre figurile dvs. și zona pe care o ocupă. Este tentant să sari direct în liniile unei fețe sau ferestrele unei clădiri, dar dacă schițați mai întâi siluetele acestor elemente cheie, suma schiței dvs. va fi mai mare decât părțile sale — ceea ce vă oferă o licență mai mare pentru a completa apoi specificul.
când explorăm scara (fotografii grandioase de stabilire, vederi aeriene, scenarii literale / metaforice „David și Goliat”), cel mai bun mod de a începe este cu linii și forme de bază.
de exemplu, doar desenând o formă mai mare și mai îndrăzneață lângă una mai mică, provocați un răspuns emoțional. În mod similar, lăsarea unei cantități mari de spațiu negativ în jurul unei singure mărci poate sugera singurătatea sau pierderea. Aceasta este puterea scării. La fel cum muzica este uneori despre notele pe care nu le redați, storyboarding-ul este uneori despre liniile pe care nu le desenați.
ordinea acțiunilor dvs. ar putea, de asemenea, să vă economisească timp prețios (ca să nu mai vorbim de durerile de cap). Lucrul în lovituri largi și semnificative la început organizează elementele cheie ale fotografiei dvs., mai degrabă decât să o încurce. Dacă îl puteți ajuta, nu doriți niciodată să vă distrageți prin desenarea miriștii unui personaj înainte de a termina chiar schițarea capului.
Frame Division
în timp ce regula treimilor este omniprezentă dintr — un motiv – este articularea clară a motivului pentru care găsim anumite imagini atât de convingătoare-simplificarea unei compoziții și mai departe, în cadrane (sau chiar jumătăți), poate ajunge la inima acestui interes și mai repede. La fel cum ochiul uman este capabil să citească un cuvânt sau o propoziție cu jumătatea inferioară tăiată (dar rareori cu partea superioară tăiată), același lucru se poate spune și pentru punerea în scenă a unei scene. Luați, de exemplu, nemuritorul Lawrence al Arabiei al lui David Lean. La un nivel pur funcțional, este ușor de observat modul în care acțiunea esențială este încadrată pentru a locui în jumătatea superioară. Într – un mod puțin mai complex, dar în întregime bazat pe poveste și personaje, luați notă de modul în care Peter O ‘ Toole, în timp ce Lawrence se mișcă din cadranul din stânga sus al ecranului spre dreapta sus într-un act de agresiune. Nimic din toate acestea nu este accidental. Munca ta ar trebui, și va fi întotdeauna la un anumit nivel, să fie rezultatul instinctelor tale, dar momentele tale cele mai mândre vor fi, fără îndoială, atunci când vei căsători instinctul cu gândul deliberat.
adâncimea de câmp și fundaluri
DREDD (2012) storyboard de JOCK. Stilul său îndrăzneț, blocky este înșelător minim și în întregime funcțional.
mai devreme, am menționat cum utilizarea unei rigle mă încetinește. Deoarece timpul este adesea esențial în storyboarding, tu, ca artist, trebuie să prioritizezi informațiile vizuale în timp ce ești conștient de gestionarea timpului (uneori subconștient). Acest lucru se va întâmpla în timp, prin practică și repetare și probabil că v-ați insuflat deja propriul mod de a face acest lucru. Ideea este că – și aceasta este o temă recurentă a storyboarding – vă concentrați pe informațiile vizuale cheie, nu neapărat pe toate informațiile. Sincer, există momente în care nu trebuie să desenați deloc un fundal. Dacă sunteți înainte de termen, poate doriți, dar în funcție de factori critici, cum ar fi timpul alocat și bugetul dat, veți reprezenta acțiunea peste locația stabilită de fiecare dată. Acest lucru se datorează faptului că lucruri precum setarea vor deveni în mod natural implicite atunci când l-ați desenat în cadre și fotografii anterioare.
acestea fiind spuse, atunci când creați un fundal, chiar și cea mai primitivă Versiune (o linie de orizont sau o spălare a tonalității) vă va spori în continuare adâncimea câmpului, deoarece doar sugestia locației poate fi suficientă pentru a menține fluxul și impulsul.
redarea Storyboard-urilor dvs.
Justice League storyboard de Steve Skroce. Fundalul său în cărțile de benzi desenate este o potrivire naturală pentru storyboard-uri; utilizarea culorii identifică în mod clar figurile cheie din stilul său de desen mai slab și mai gestual.încă o dată, în funcție de timp, resurse și/sau buget, ați putea dori să mențineți un stil de desen simplu, dar energic, sau poate o abordare mai aprofundată, inspirată de romanul grafic. Poate doriți să adăugați culoare completă, să rămâneți la tonuri de gri sau să faceți o combinație a ambelor. Acestea sunt toate alegerile care vor fi făcute uneori pentru dvs., fie de către un director, fie de circumstanțele proiectului. Indiferent de rezultat, un stil nu este mai bun decât celălalt; este pur și simplu o chestiune de preferință și de ceea ce este potrivit. Tonul, fundalul sau intenția proiectului vor informa modul în care faceți lucrurile.
de exemplu, filme precum frații Hughes’ Cartea lui Eli și George Miller ‘ s Mad Max: Fury Road se remarcă prin utilizarea scenariilor lor în locul unui scenariu tradițional. În afară de perioadele lungi de preproducție care au permis ca ambele filme să fie povestite, aceste filme au angajat fiecare artiști de benzi desenate (Chris Weston pe Eli, Mark H. Sexton pe Max) pentru a oferi un aspect deliberat mai mare decât viața și extrem de estetizat, care a fost menținut pe tot parcursul producției. Artiștii de Concept și artiștii de storyboard vin aproape întotdeauna în fața designerilor de costume, a designerilor de producție și a altora – deci, oricum alegeți să vă redați desenele, nu subestimați influența pe care o va avea munca dvs. asupra distribuției, echipajului și filmului în ansamblu.
Cartea lui Eli storyboard de Chris Weston. Stilul său este definit de un nivel de detaliu și atmosferă Brian Bolland. Opera lui Weston a fost prezentată actorilor ca un roman grafic în locul unui scenariu tradițional.
Jim Penola este un ilustrator independent și artist storyboard. A studiat îndeaproape sub mentorii și veteranii industriei sale Robert Castillo (Sopranii, Precious) și William H. Frake III (Pocahontas, Ice Age). Jim a primit diploma de BFA în artă / Ilustrație de la Universitatea William Paterson. Îl puteți urmări pe Twitter și Instagram @ jimpenola.
imagine de sus: storyboard-uri selectate de Jim Penola pentru un videoclip muzical viitoare de la Lindsey Stirling.