Minimalism maxim: Muzeul Glenstone al lui Emily și Mitchell Rales crește

Clausered pe o proprietate sylvan, care a fost folosit o dată de către un club de vânătoare de vulpi în bogat Washington, DC., suburbie a Potomac, Maryland, Muzeul Glenstone a fost timp de mulți ani ceva de un mister.

când s-a deschis pentru prima dată publicului în 2006, vizitele la clădirea expozițională proiectată de Charles Gwathmey de 30.000 de metri pătrați și terenurile pline de artă erau disponibile doar cu programare, câteva zile pe săptămână. Fondatorii săi-Mitchell Rales, un industriaș cu o valoare netă estimată de aproximativ 4 miliarde de dolari, și soția sa, Emily Rales, fost dealer de artă—au vorbit rar cu presa și au fost reticenți cu privire la planurile lor pe termen lung. Până în 2013, când și-au anunțat intenția de a crea o a doua clădire mult mai mare pentru muzeu, mai puțin de 10.000 de oameni au vizitat vreodată.

„este nevoie de timp pentru a construi o instituție”, mi-a spus Emily recent, amintind de acei ani de început. „Intenția a fost întotdeauna acolo pentru a fi primitori și pentru a ne deschide ușile—ne-a luat doar puțin timp să ajungem acolo.”Cererea de a vedea colecția lor formidabilă de artă predominant postbelică și contemporană, care numără acum 1.300 de lucrări, a ajuns să fie enormă, a spus ea. „Totul se reduce la chestiuni practice foarte simple privind infrastructura, parcarea și personalul. Am avut foarte puțin din aceste trei lucruri.”

asta s-a schimbat. Pe 4 octombrie, va fi inaugurată extinderea—o structură de 204.000 de metri pătrați proiectată de arhitectul Thomas Phifer din New York, plus o inițiativă ambițioasă de amenajare a teritoriului de către PWP Landscape Architecture pe cei 230 de acri ai lui Glenstone-va fi inaugurată. Dar într-o după-amiază fierbinte de iunie, în timp ce arta era încă instalată cu atenție, am vizitat terenul și clădirea, care sunt uimitoare atât în ceea ce privește amploarea, cât și atenția la detalii. Odată deschis, glenstone va fi unul dintre cele mai ambițioase și impresionante muzee private de artă din lume.

clădirea lui Phifer este una de o simplitate somptuoasă, realizată din lemn, sticlă și aproximativ 26.000 de blocuri de beton care au dus la crearea a 11 galerii—pavilioane, în limbajul lui Glenstone—multe dintre ele fiind dedicate afișărilor pe termen lung ale pieselor unor artiști singuri, inclusiv Brice Marden, Cy Twombly Charles Ray și alții. Un spațiu singuratic în prezentarea inițială va fi dedicat 65 de piese de 52 de artiști din colecția muzeului, care este bogat în genul de expresionism Abstract, Minimalism și Conceptualism pe care puține muzee și le pot permite în aceste zile. (Muzeul a refuzat să precizeze costul extinderii.”Glenstone este despre acest mediu foarte contemplativ și senin și minimal”, a spus Emily. „Arhitectura nu încearcă să eclipseze arta—este în armonie cu ea.”Raleses intenționau să găsească un arhitect la mijlocul carierei și au fost luați cu Muzeul de Artă din Carolina de nord pe care Phifer l-a finalizat în Raleigh în 2010, „văzând cât de sensibil era la peisaj și artă”, a spus ea. Clădirea pe care a proiectat-o pentru Glenstone are un sentiment puternic, dar neobișnuit de cald, de liniște, care amintește de Muzeul Kolumba al lui Peter Zumthor din Koln, în timp ce lumina sa naturală aduce în minte renovarea subtilă a lui Robert Irwin Dia:Beacon în nordul statului New York. „Nu vrem ca becurile să fie aprinse în timpul zilei”, a spus Phifer, ” astfel încât să simțiți mișcarea luminii și atmosfera luminii și schimbarea luminii de la sezon la sezon.”

„Mai mult decât orice altceva, căutam o experiență lentă și imersivă, astfel încât să începeți să încetiniți și să vă deplasați prin peisaj și să vă deplasați prin clădiri cu toate aceste momente de reflecție și pauză”, a spus Phifer. El a conectat cele unsprezece galerii cu holuri situate în jurul unei grădini de apă întinse, presărată cu nuferi—o scenă direct din Monet. „Am vrut să facem o cameră care să fie despre cer, lumină și apă”, a spus Phifer, menționând Ryquxan-ji, templul Zen din Kyoto, Japonia, ca sursă de inspirație pentru acel spațiu liniștit în aer liber. O bancă lungă de lemn a artistului Martin Puryear, a cărei lucrare Raleses au adunat în profunzime, se află afară în grădina cu apă.

în conceperea expansiunii lui Glenstone, Emily a spus, echipa s-a întrebat: „cum evităm oboseala Muzeului?”și” cum extindem experiența Muzeului astfel încât să poată acoperi poate trei ore, poate cinci ore?”Este ușor să vă imaginați o vizită care consumă o jumătate de zi sau mai mult. Cei 50.000 de metri pătrați de spațiu expozițional în expansiune sunt egali cu cei ai Muzeul Whitney în New York, iar terenurile includ o piesă topiară falnică de Jeff Koons, o lucrare sonoră Janet Cardiff și George Bures Miller adăpostită în păduri dense și sculpturi la scară largă de Richard Serra și Ellsworth Kelly. (Clădirea originală Gwathmey are 9.000 de metri pătrați de spațiu expozițional.) Există două caf-uri și o zonă de sosire cu o librărie, ambele situate departe de clădirea principală, astfel încât experiența de artă să fie nestingherită de mâncare și comerț, la colecția Menil din Houston. (Ca și Menil, intrarea este gratuită. Muzeul este deschis patru zile pe săptămână.

chiar și pe măsură ce expansiunea progresează, colecția Glenstone continuă să crească și să se schimbe. „Mitch și cu mine luăm toate deciziile noi înșine” în ceea ce privește achizițiile, a spus Emily. Ei preferă să delege aceste alegeri consilierilor, deoarece” este prea distractiv și ne place prea mult”, a continuat ea. „Acestea fiind spuse, avem linii directoare foarte stricte pe care le respectăm.”Printre acestea se numără un accent intens pe calitate:” suntem foarte metodici în a merge după cei mai buni dintre cei mai buni”, a spus ea. Orice artist pe care îl cumpără trebuie să fi fost activ și de 15 ani și urmăresc cu atenție ceea ce deține Galeria Națională de Artă din apropiere, al cărei consiliu Mitchell este și Muzeul Hirshhorn. „Ne simțim foarte conectați la această comunitate a instituțiilor din Washington și nu vrem să duplicăm exploatațiile lor”, a spus ea.

au arătat o înclinație rară pentru a fi răbdători în urmărirea lor. Printre lucrările lor de artă apreciate se numără piese cheie ale lui Willem de Kooning, Louise Bourgeois și Jasper Johns, precum și ceea ce este probabil cel mai faimos al lui David Hammons: cum mă placi acum? (1988), un portret de aproximativ 13 pe 19 picioare al unei versiuni cu pielea albă a lui Jesse Jackson însoțit de textul acelei întrebări. A fost prezentată pentru prima dată într-o expoziție de artă publică din Washington, D. C., anul în care a fost făcută, când a fost vandalizată cu baros. (Hammons a plasat ulterior un gard construit din aceste instrumente în fața lucrării.) „A ținut – o timp de 20 de ani”, a spus Emily. „Am fost foarte persistenți și am fost dispuși să așteptăm și am continuat să ne întrebăm dacă ar fi bine sau nu să renunțe la ea și, în cele din urmă, a fost de acord, ceea ce a fost foarte interesant.”

una dintre cele mai recente achiziții este Allan Kaprow ‘ s Yard (1961)—o extindere a anvelopelor de cauciuc care pot fi reconfigurate de fiecare dată când este instalat. Se alătură unei colecții care a adăugat fotografie, instalații la scară largă (un alt motiv al extinderii), lucrări bazate pe timp-inclusiv 144 de piese ale colecționarului Canadian Ydessa Hendeles—precum și lucrări din afara Statelor Unite și Europei, precum Gutai japonez și NEO—beton Brazilian. „Nu este în niciun caz un proiect finalizat”, a spus Emily. „Mai avem mult de lucru, uitându-ne la alte tradiții. Va dura ceva timp să construim.”

o versiune a acestei povești a apărut inițial în numărul din toamna anului 2018 al ARTnews la pagina 94 sub titlul „Minimalism maxim.”