Jag är fast övertygad om att artisternas Roller inte är specifika för deras valda koncentration, eller till och med deras naturliga lutning. Oavsett om du är en illustratör, författare, fotograf, skådespelare eller musiker, hittar du utan tvekan ett visst mått av tröst i kreativt uttryck. Storyboarding är ett bra sätt att uppmuntra det, eftersom det är mycket mer tillgängligt än, säg, målning eller livsteckning. Dessutom är insatserna inte lika höga med storyboards eftersom de, som jag nämnde tidigare, är ett medel till ett slut, och inte ”slutet” själv. Så oavsett om du är redo att kartlägga en långfilm, eller bara nyfiken på hur du hämtar övningen, här är allt du behöver veta för att komma igång!
rita dina egna lådor
En” Ridleygram ” av Ridley Scott för sin film Prometheus (2012).
Jag älskar att rita mina egna storyboard-lådor, även om jag så småningom går vidare till en färdig mall. Genom att skapa dina egna gränser tillåter du dig att experimentera med olika bildförhållanden och därmed upptäcka hur ekonomiskt du gör eller inte behöver vara med vad du inkluderar i skottet.
dessutom skapar konturerna av dina ramar för hand en fysisk, taktil relation med ditt arbete – det som är bra med detta är att det odlar en organisk koppling mellan det fantasifulla (ritningarna) och det mekaniska (gränsen som innehåller nämnda ritningar). Att göra detta kan bokstavligen driva dig att rita utanför lådan (dvs. öppna kompositioner), eller åtminstone ändra vilken typ av Ruta du använder. Detta kan manifestera sig i vissa gränser som djärva (”mycket viktiga”), prickade (”inte särskilt viktiga”), vågiga (”drömsekvens”) eller till och med färgkodade. Hur du definierar dessa är helt upp till dig. Det bästa sättet att tänka på denna åtgärd är som en uppvärmning eller ett handslag med din duk av val.
horisontlinje, försvinnande punkt och perspektiv
en enda linje ritad bakom eller ovanför dina nyckeltal, hur ofullkomlig den än är, kan göra underverk: genom att lägga till detta gör du en väsentlig, om till synes rudimentär, aspekt av djup och rymd. Det är något som många av oss förmodligen lärde oss i grundskolan, och dess plats i vår barndomsutbildning är välförtjänt, eftersom det ger våra skisser ut ur den tydliga 2D-världen och in i (faux) 3D-en. Som en av mina högskoleprofessorer gillade att säga är teckning allt ”ett con-spel” – vilket betyder att när det gäller grafit på papper eller pixlar på en skärm skapar vi illusionen av ett objekt i rymden, inte själva objektet. Att påminna mig om detta tar samtidigt lite tryck och frigör min fantasi.
den andra halvan av detta steg är lika enkel och barnslig, men också avgörande: för att skapa din försvinnande punkt, rita helt enkelt en punkt var som helst i horisonten. Från punkten, utstråla några linjer mot dig (Y-axeln) och parallellt med dig (X-axeln). Jag använder sällan en linjal, som jag tycker att det saktar ner och distraherar mig, men det är alltid bra att ha en runt oavsett. Om du vill gå ett steg längre kan du till och med rita cirklar på rutnätet som du just har gjort för att representera (i nästan topografisk mening) där dina nyckeltal/objekt kommer att vara.
i slutändan, oavsett dina vapen val (penna och papper, penna och tablett, etc.), är ditt mål att låna volym till dina siffror och djup till dina platser och inställningar. Handlingen att skissa en horisontlinje och försvinnande punkt, även om det inte alltid är nödvändigt (som med närbilder eller låga vinklar), är alltid en bra övning.
relaterade inlägg Inspiration: Nycklarna till att skapa Killer Storyboards
grundläggande former, komposition och skala
innan du fyller ditt sinne (och därefter din ram) med irrelevanta detaljer är det viktigt att fastställa förhållandet mellan dina figurer och det område de upptar. Det är frestande att hoppa rakt in i linjerna i ett ansikte eller fönstren i en byggnad, men om du löst skissar silhuetterna av dessa nyckelelement först kommer summan av din skiss att vara större än dess delar — vilket ger dig större licens för att sedan fylla i detaljerna.
När du utforskar skalan (grandiose etablering av skott, svepande flygbilder, bokstavliga/metaforiska ”David och Goliat” scenarier) är det bästa sättet att börja med grundläggande linjer och former.
till exempel, bara genom att rita en större, djärvare form bredvid en mindre, framkallar du ett känslomässigt svar. På samma sätt kan en stor mängd negativt utrymme runt ett enda märke föreslå ensamhet eller gå vilse. Det är kraften i skalan. Precis som musik ibland handlar om noterna du inte spelar, handlar storyboarding ibland om linjerna du inte ritar.
ordningen på dina handlingar kan också spara dyrbar tid (för att inte tala om huvudvärk). Att arbeta i breda, meningsfulla slag i början organiserar nyckelelementen i ditt skott snarare än att förvirra det. Om du kan hjälpa det, vill du aldrig bli distraherad genom att rita en karaktärs Stubb innan du ens slutar skissa på huvudet.
Frame Division
medan tredjedelsregeln är allestädes närvarande av en anledning-det är den tydliga artikuleringen av varför vi hittar vissa bilder så övertygande – förenklar en komposition ytterligare, i kvadranter (eller till och med halvor), kan komma till hjärtat av det intresset ännu snabbare. Mycket som det mänskliga ögat kan läsa ett ord eller en mening med den nedre halvan avskuren (men sällan med den övre avskuren), kan detsamma sägas för iscensättning av en scen. Ta till exempel David Leans odödliga Lawrence of Arabia. På en rent funktionell nivå är det lätt att märka hur den väsentliga åtgärden är inramad för att ligga i den övre halvan. På ett lite mer komplext, men ändå helt historia – och karaktärsdrivet sätt, notera det sätt som Peter O ’ Toole när Lawrence flyttar från sin övre vänstra kvadrant på skärmen till det övre högra i en aggressionshandling. Inget av detta är oavsiktligt. Ditt arbete bör, och kommer alltid på någon nivå, vara ett resultat av dina instinkter, men dina stoltaste stunder kommer utan tvekan att vara när du gifter dig med instinkt med avsiktlig tanke.
skärpedjup och bakgrunder
DREDD (2012) storyboard av JOCK. Hans djärva, kantiga stil är bedrägligt minimal och helt funktionell.
tidigare nämnde jag hur man använder en linjal saktar mig ner. Eftersom tiden ofta är kärnan i storyboarding måste du som konstnär prioritera den visuella informationen samtidigt som du är uppmärksam på tidshantering (ibland undermedvetet). Detta kommer att hända över tid, genom övning och upprepning, och du har förmodligen redan infört ditt eget sätt att göra detta. Poängen är att – och detta är ett återkommande tema för storyboarding-du fokuserar på den viktigaste visuella informationen, inte nödvändigtvis all information. Uppriktigt sagt finns det tillfällen då du inte behöver rita en bakgrund alls. Om du är före schemat kanske du vill, men beroende på kritiska faktorer som tilldelad tid och budget, representerar du åtgärden över den etablerade platsen varje gång. Detta beror på att saker som inställning naturligtvis blir underförstådda när du har ritat det i tidigare ramar och bilder.
med det sagt, när du skapar en bakgrund, kommer även den mest primitiva versionen (en horisontlinje eller en tonalitetstvätt) fortfarande att öka ditt skärpedjup, för bara lokalens förslag kan vara tillräckligt för att upprätthålla flöde och momentum.
gör dina Storyboards
Justice League storyboard av Steve Skroce. Hans bakgrund i serietidningar är en naturlig passform för storyboards; användningen av färg identifierar tydligt nyckeltalen inom hans lösare, mer gestural ritstil.
återigen, beroende på tid, resurser och/eller budget, kanske du vill behålla en enkel men energisk ritstil, eller kanske en mer grundlig, grafisk romaninspirerad strategi. Du kanske vill lägga till fullfärg, hålla fast vid gråskala eller göra en blandning av båda. Dessa är alla val som ibland kommer att göras för dig, antingen av en regissör eller omständigheterna i projektet. Oavsett resultatet är en stil inte bättre än den andra; det är helt enkelt en fråga om preferens och vad som är lämpligt. Tonen, bakgrunden eller avsikten med projektet kommer alla att informera hur du gör saker.till exempel filmer som Hughes Brothers’ The Book of Eli och George Miller ’ s Mad Max: Fury Road är anmärkningsvärda för att använda sina storyboards i stället för ett traditionellt manus. Bortsett från de långa förproduktionsperioderna som gjorde det möjligt för hela båda filmerna att bli storyboarded, använde dessa filmer var och en serietidningar (Chris Weston på Eli, Mark H. Sexton på Max) för att ge ett medvetet större än livet och mycket estetiserat utseende som bibehölls under hela produktionen. Konceptkonstnärer och storyboardkonstnärer kommer nästan alltid in före kostymdesigners, produktionsdesigners och andra – så hur du än väljer att göra dina ritningar, underskatta inte det inflytande ditt arbete kommer att ha på casten, besättningen och filmen som helhet.
boken av Eli storyboard av Chris Weston. Hans stil definieras av en Brian Bolland-esque detaljnivå och atmosfär. Westons arbete presenterades som en grafisk roman till skådespelarna i stället för ett traditionellt manus.
Jim Penola är en frilansande illustratör och storyboard artist. Han har studerat nära under sina mentorer och industriveteraner Robert Castillo (The Sopranos, Precious) och William H. Frake III (Pocahontas, Ice Age). Jim fick sin BFA-examen i konst / Illustration från William Paterson University. Du kan följa honom på Twitter och Instagram @jimpenola.
toppbild: valda storyboards av Jim Penola för en kommande musikvideo från Lindsey Stirling.