övergångar visas mindre och mindre i moderna manus.
de kan ibland användas, men du bör göra det sparsamt.
om du någonsin läser ett gammalt manus kommer du att märka hur tätt skrivet de är. Beskrivningen är inte bara mer detaljerad (och ibland gränsar till prosa), du hittar kameraanvisningar och alla slags övergångar. Detta var tillbaka på dagen då manusförfattare använde skrivmaskiner och var vanligtvis tidigare dramatiker och författare.
idag, tack vare screenwriting-programvara, har screenwriting blivit jämlikt i naturen. Som ett resultat har den samtida manusförfattaren strömlinjeformat hantverket och har avskaffat mycket av det tekniska jargongen. Prioriteringen är att förmedla en övertygande och filmhistoria så ekonomiskt som möjligt. I den meningen har manuset blivit en funktionslängd för en film snarare än den beat-for-beat-blueprint som den brukade vara.
detta betyder inte att du ska kasta bort alla spår av korrekt formatering. Ett manus ska fortfarande ha scenrubriker, karaktärsnamn över dialogen och mer eller mindre likna hur ett manus alltid har sett ut. Det ska bara vara smalare och lättare för ögonen. Allt som inte är nödvändigt för din berättelse krävs inte. Ofta faller övergångar under”Inte nödvändigt”.
När jag först bröt in i verksamheten, för ungefär 10 år sedan, fylldes mina skript med kameraanvisningar och överflödiga övergångar. Detta berodde på att de enda manus jag hade läst var äldre. Tack och lov, min calling-card script ansågs stark nog att ingen brydde sig. Det var inte förrän efter min första manusförsäljning som en producent sa till mig:”du behöver inte alla dessa klipp till.”
”No CUT TO’s”!”mina tankar balked. Är inte det rätt format? Det ingår i alla manus programvara som formatering alternativ!
producenten förklarade för mig varför de inte var nödvändiga: vi har alla sett filmer; vi vet att de klippte från scen till scen. Han hade rätt: det är ganska standardredigering att klippa. Kanske tillbaka på 1940-talet hade du torka till eller IRIS IN eller IRIS ut, men kort av en Star Wars-film, skar de flesta moderna filmer bara till varje scen. Om det är underförstått att vi skär från en scen till nästa, varför ta upp en hel indragen linje med frasen skuren till? Producenten berättade också för mig att läsa något samtida manus och jag kommer att upptäcka att ingen använde CUT till längre. Jag tog hans råd och läste ett manus som nyligen hade sålt och, säker nog, han hade rätt: inte ett enda snitt till.
Cool. Jag var glad att sluta sätta skära till.
det sparade en avsevärd tid och sidutrymme och hindrade mitt flöde från att störas.
den enda anledningen att använda ett snitt till är om du vill förmedla en plötslig eller abrupt visuell förändring. Det är här SMASH CUT används bäst. Detta gör redaktörens jobb, men som jag skrev i min senaste artikel om montage, gynnar det dig ibland att göra manuset så visuellt och filmiskt som möjligt. Detta betyder inte Kamera riktningar och en hel del teknisk jargong, men om du vill förmedla en kortfattad och kraftfull ”BAM!”, en SMASH CUT kommer att uppnå detta mål.
en SMASH CUT eller en vanlig CUT TO kan också vara användbar när du övergår till en FLASHBACK. Upplösningen till, och särskilt krusningen upplöses till, anses vara gammaldags. Om du noterar, skär de flesta moderna filmer bara när flash-backing eller gör en drömsekvens. Allt du behöver göra är att förmedla att något annat händer på skärmen. Du kan även bara skriva börja FLASHBACK eller dröm sekvens som en slug linje. Och sedan en enkel tillbaka till när du återvänder till huvudberättelsen.
en SNABBSKÄRNING är densamma som en SMASH CUT. A JUMP CUT är en mycket specifik redigeringsteknik som populariserades av den franska filmskaparen Jean-Luc Godard på 1960-talet; det är när en scen skär till nästa scen på ett hackigt eller till synes slumpmässigt sätt. Om du inte gör en parodi på den franska New Wave eller ett MTV-stilprogram, hoppa inte. TIME CUT är en övergång som dyker upp ofta i Funna filmskript. Det är i huvudsak samma sak som ett hoppklipp, som förmedlar en abrupt tidsförskjutning i filmen. Vissa författare använder MATCH CUT, vilket är när du gör en visuell parallell från en scen till nästa. Som med alla övergångar bör detta användas sparsamt. Ditt jobb är att berätta en historia, inte konstnärligt ram skott.
kanske är den mest överflödiga övergången FADE in och FADE OUT.
ingenting skriker ”nybörjare” mer än att läsa tona in i början av ett spec-skript.
Tänk på det. Vad är en FADE IN? Det är en föråldrad teknik som används i gamla filmer. Efter titelkorten använde dessa filmer en tona in för öppningsskottet. Det är därför det blev en fras som vanligtvis förknippas med manus. Vad är mer suggestivt av hantverket av manus än en tom sida i en skrivmaskin med orden tona in på toppen? Naturligtvis använder ingen skrivmaskiner längre och filmer bleknar inte i början.
Om du inte tittar på Turner Movie Classics är det osannolikt att någon film du tittar på kommer att använda den här tekniken. Redaktörer slutade använda bleknar så snart tekniken tillät dem att göra smidigare övergångar. På samma sätt bör en manusförfattare använda Smidig, diskret formatering. Om filmer inte bleknar längre, varför skulle en manusförfattare vilja öppna ett manus på detta sätt? För ceremonin av det? Traditionen? Tja, du kan också använda en skrivmaskin, bo i en bungalow i 1930-talsstil och ha en fluga. Eller så kan du välja att vara en samtida manusförfattare och penna ett samtida manus. Och, genom att göra, Nix blekna in och blekna ut.
återigen, om du går för en viss estetik, är alla dessa övergångar tillgängliga för dig.Men fråga dig själv först: behöver jag denna övergång?
förmedlar det vad som redan är underförstått utan det?