Overganger vises mindre og mindre i moderne manus.
De Kan noen ganger brukes, men du bør gjøre det sparsomt.
hvis du noen gang leser et gammelt manus, vil du legge merke til hvor tett skrevet de er. Ikke bare er beskrivelsen mer detaljert (og til tider grenser på prosa), du finner kameraveiledninger og alle slags overganger. Dette var tilbake i dag da manusforfattere brukte skrivemaskiner og var vanligvis tidligere dramatikere og forfattere.
I Dag, takket være screenwriting-programvare, har screenwriting blitt egalitær i naturen. Som et resultat, moderne manusforfatter har strømlinjeformet håndverket og har gjort unna med mye av den tekniske sjargong. Prioriteten er å formidle en overbevisende og filmatisk historie så økonomisk som mulig. I denne forstand har manuset blitt en helaftens tonehøyde for en film i stedet for beat-for-beat blueprint det pleide å være.
Dette betyr ikke at du bør kaste alle spor av riktig formatering. Et skript skal fortsatt ha sceneoverskrifter, tegnnavn over dialogen, og mer eller mindre ligne hva et manus alltid har sett ut. Det bør bare være slankere og lettere på øynene. Alt som ikke er avgjørende for fortellingen din, er ikke nødvendig. Ofte faller overganger under «ikke avgjørende».Da jeg først brøt inn i virksomheten, for omtrent 10 år siden, ble skriptene mine fylt med kameraretninger og overflødige overganger. Dette var fordi de eneste screenplays jeg hadde lest var eldre. Heldigvis ble mitt telefonkortskript ansett som sterkt nok til at ingen brydde seg. Det var ikke før etterkant av mitt første manussalg at en produsent sa til meg: «Du trenger ikke alle DISSE KUTTENE.»
«Ingen KUTT til’!»mine tanker steilet. Er ikke det riktig format? Det er inkludert i alle screenwriting programvare som formatering!produsenten forklarte meg hvorfor de ikke var nødvendige: Vi har alle sett filmer; vi vet at de kutter fra scene til scene. Han hadde rett: det er ganske standard redigering å kutte. Kanskje tilbake på 1940-tallet hadde DU TØRKE TIL ELLER IRIS INN ELLER IRIS UT, men kort Av En Star Wars-film, DE fleste moderne filmer BARE KUTTET til hver scene. Hvis det er forstått at vi kutter fra en scene til den neste, hvorfor ta opp en hel innrykket linje med uttrykket KUTTET til? Produsenten fortalte meg også å lese et moderne skript, og jeg finner ut at ingen brukte KUTT til lenger. Jeg tok hans råd og lese et manus som nylig hadde solgt og, sikker nok, han hadde rett: ikke en ENESTE KUTT til.
Kult. Jeg var begeistret for å slutte å sette INN KUTT til.
det lagret en betydelig mengde tid og sideplass, og holdt min flyt fra å bli forstyrret.
den eneste grunnen til å BRUKE ET KUTT til er hvis du vil formidle en plutselig eller brå visuell endring. DET er her SMASH CUT er best brukt. Dette gjør jobben til redaktøren, men som jeg skrev i min siste artikkel om montasje, noen ganger fordeler det deg å gjøre skriptet så visuelt og kinematisk som mulig. Dette betyr ikke kamera retninger og mye teknisk sjargong, men hvis du ønsker å formidle en konsis og kraftig «BAM!», VIL EN SMASH CUT oppnå dette målet.
EN SMASH KUTT eller en vanlig KUTT til kan også være nyttig når overgangen til EN FLASHBACK. OPPLØSNINGEN TIL, og spesielt RIPPELEN OPPLØSES til, regnes som gammeldags. Hvis du tar notat, kutter de fleste moderne filmer bare når flash-backing eller gjør en drømmesekvens. Alt du trenger å gjøre er å formidle at noe annet skjer på skjermen. Du kan også bare skrive BEGYNNE FLASHBACK eller DRØM SEKVENS som en slug linje. Og så en enkel TILBAKE til når du kommer tilbake til hovedfortellingen.
ET RASKT KUTT er det samme som ET SMASH-KUTT. A JUMP CUT er en veldig spesifikk redigeringsteknikk popularisert av den franske filmskaperen Jean-Luc Godard på 1960-tallet; det er når en scene kutter til neste scene på en hakkete eller tilsynelatende tilfeldig måte. Med mindre du gjør en parodi av den franske Nye Bølgen eller ET MTV-stilprogram, ikke hopp. TIME CUT er en overgang som dukker opp ofte i funnet opptakene skript. Det er egentlig det samme som et hoppkutt, som gir et abrupt tidsskift i opptaket. NOEN forfattere bruker MATCH CUT, som er når du lager en visuell parallell fra en scene til den neste. Som med alle overganger, bør dette brukes sparsomt. Din jobb er å fortelle en historie, ikke kunstnerisk ramme skudd.
Kanskje DEN mest overflødige overgangen ER FADE inn og FADE UT.
Ingenting skriker «nybegynner» mer enn å lese FADE I begynnelsen av et spec-skript.
Tenk på det. Hva ER EN FADE IN? Det er en gammeldags teknikk som brukes i gamle filmer. Etter tittelkortene brukte disse filmene EN FADE inn for åpningsskuddet. Dette er grunnen til at det ble et uttrykk som ofte er forbundet med screenwriting. Hva er mer stemningsfullt av håndverket av screenwriting enn en tom side i en skrivemaskin med ordene FADE inn øverst? Selvfølgelig bruker ingen skrivemaskiner lenger, og filmer FALMER ikke inn i begynnelsen.
Med Mindre Du ser På Turner Movie Classics, er det usannsynlig at noen film du ser vil bruke denne teknikken. Redaktører sluttet å bruke fades så snart teknologien tillot dem å gjøre jevnere overganger. På samme måte bør en manusforfatter bruke jevn, diskret formatering. Hvis filmer IKKE FALMER inn lenger, hvorfor vil en manusforfatter åpne et skript på denne måten? For seremonien av det? Tradisjonen? Vel, du kan også bruke en skrivemaskin, bo i en 1930-talls bungalow, og ha en slips. Eller du kan velge å være en moderne manusforfatter og penn et moderne skript. Og, ved å gjøre gjøre, nix FADE inn og FADE UT.
Igjen, hvis du går for en viss estetikk, er alle disse overgangene tilgjengelige for deg.Men spør deg selv først: trenger jeg denne overgangen?
formidler det det som allerede er underforstått uten det?