transições estão aparecendo cada vez menos em roteiros modernos.
às vezes podem ser usados, mas você deve fazê-lo com moderação.se alguma vez leres um argumento antigo, vais notar o quão densamente escritos são. Não só a descrição é mais detalhada (e, às vezes, contorna a prosa), você vai encontrar direções da câmera e todos os tipos de transições. Isso foi na época em que roteiristas usavam máquinas de escrever e eram geralmente antigos dramaturgos e romancistas.
hoje, graças ao software de escrita de tela, a escrita de tela tornou-se igualitária na natureza. Como resultado, o roteirista contemporâneo racionalizou o ofício e eliminou grande parte do jargão técnico. A prioridade é transmitir uma história convincente e cinematográfica tão economicamente quanto possível. Neste sentido, o roteiro tornou-se uma longa-metragem para um filme, em vez do modelo beat-for-beat que costumava ser.isto não significa que devas eliminar todos os vestígios de formatação adequada. Um roteiro ainda deve ter cabeçalhos de cena, nomes de personagens sobre o diálogo, e mais ou menos se assemelham ao que um roteiro sempre foi. Devia ser mais magro e mais fácil para os olhos. Qualquer coisa que não seja essencial para a sua narrativa não é necessária. Muitas vezes, as transições caem sob “Não essencial”.
Quando entrei no negócio pela primeira vez, cerca de 10 anos atrás, meus scripts foram preenchidos com direções de câmera e transições supérfluas. Isso foi porque os únicos roteiros que eu tinha lido eram os mais velhos. Felizmente, o meu guião do cartão de visita foi considerado forte o suficiente para ninguém se importar. Não foi até o rescaldo da minha primeira venda de script que um produtor me disse, “Você não precisa de todos estes cortes para.”
“no CUT TO’!”os meus pensamentos falharam. Não é o formato adequado? Está incluído em todo o software de escrita de tela como uma opção de formatação!
o produtor me explicou por que eles não eram necessários: todos vimos filmes; sabemos que eles cortam de cena em cena. Ele tinha razão: é uma edição bastante padrão para cortar. Talvez na década de 1940 você tivesse a varredura ou a íris dentro ou fora, mas além de um filme de Star Wars, a maioria dos filmes modernos foram cortados para cada cena. Se se compreende que estamos a cortar de uma cena para a outra, porquê usar uma linha inteira com a frase cortada? O produtor também me disse para ler qualquer script contemporâneo e eu vou descobrir que ninguém estava usando corte para mais. Segui seu conselho e li um roteiro que havia vendido recentemente e, com certeza, ele estava certo: nem um único corte.fixe. Fiquei feliz por deixar de inserir o CUT.ele economizou uma quantidade considerável de tempo e espaço de página, e manteve meu fluxo de ser interrompido.
a única razão para usar um corte é se você quer transmitir uma mudança visual repentina ou abrupta. É aqui que o corte de SMASH é melhor usado. Isto é fazer o trabalho do editor, mas como eu escrevi no meu último artigo sobre montagem, às vezes beneficia você fazer o roteiro o mais visual e cinematográfico possível. Isso não significa direções de câmera e um monte de jargão técnico, mas se você quiser transmitir um sucinto e enérgico ” BAM!”, um corte esmagador vai realizar este objetivo.
um corte esmagador ou um corte regular para também pode ser útil quando a transição para um FLASHBACK. A dissolução para, e especialmente a ondulação para, são considerados antiquados. Se você tomar nota, a maioria dos filmes modernos apenas cortar quando flash-backing ou fazer uma sequência de sonho. Tudo que você precisa fazer é transmitir que algo diferente está acontecendo na tela. Você pode até mesmo escrever FLASHBACK ou sequência de sonho como uma linha de lesma. E depois um simples regresso ao momento em que regressas à narrativa principal.um corte rápido é o mesmo que um corte esmagado. Um corte de salto é uma técnica de edição muito específica popularizada pelo cineasta francês Jean-Luc Godard na década de 1960; é quando uma cena corta para a próxima cena de uma forma agitada ou aparentemente casual. A menos que estejas a fazer uma paródia da New Wave francesa ou de um programa ao estilo MTV, não saltes. O corte de tempo é uma transição que aparece frequentemente em scripts de filmagem encontrados. É essencialmente a mesma coisa que um corte de salto, transmitindo uma abrupta mudança de tempo nas filmagens. Alguns escritores usam MATCH CUT, que é quando você está fazendo um paralelo visual de uma cena para a próxima. Como em todas as transições, isto deve ser usado com moderação. O teu trabalho é contar uma história, não fazer fotos artisticamente.
talvez a transição mais supérflua é FADE IN e FADE OUT.
nada grita “novice” mais do que ler FADE IN no início de um script spec.pensa nisso. O que é um FADE IN? É uma técnica antiquada usada em filmes antigos. Após as cartas de título, esses filmes utilizaram um FADE IN para a cena de abertura. É por isso que se tornou uma frase comumente associada com a escrita de tela. O que é mais evocativo do ofício da escrita de tela do que uma página em branco em uma máquina de escrever com as palavras desvanecem-se no topo? Claro que já ninguém usa máquinas de escrever e os filmes não desaparecem no início.a menos que esteja a ver “Turner Movie Classics”, é improvável que qualquer filme que esteja a ver Use esta técnica. Os editores pararam de utilizar fades assim que a tecnologia lhes permitiu fazer transições mais suaves. Da mesma forma, um roteirista deve usar uma formatação suave e discreta. Se os filmes já não desaparecem, porque é que um argumentista iria querer abrir um guião desta maneira? Para a cerimónia? A tradição? Bem, você também pode usar uma máquina de escrever, viver em um bungalow estilo 1930, e usar um laço. Ou você pode escolher ser um roteirista contemporâneo e escrever um roteiro contemporâneo. E, ao fazê-lo, nix o FADE IN e FADE OUT.
novamente, se você está indo para uma certa estética, todas essas transições estão disponíveis para você.Mas pergunta-te Primeiro: preciso desta transição?ele transmite o que já está implícito sem ele?