Transitions: Pour « Couper à » ou Ne Pas « Couper à »

Les transitions apparaissent de moins en moins dans les scénarios modernes.

Ils peuvent parfois être utilisés, mais vous devriez le faire avec parcimonie.

Si vous lisez un scénario ancien, vous remarquerez à quel point il est densément écrit. Non seulement la description est plus détaillée (et, parfois, frôle la prose), mais vous trouverez des directions de caméra et toutes sortes de transitions. C’était à l’époque où les scénaristes utilisaient des machines à écrire et étaient généralement d’anciens dramaturges et romanciers.

Aujourd’hui, grâce aux logiciels de scénarisation, l’écriture de scénario est devenue de nature égalitaire. En conséquence, le scénariste contemporain a rationalisé le métier et a supprimé une grande partie du jargon technique. La priorité est de transmettre une histoire convaincante et cinématographique aussi économiquement que possible. En ce sens, le scénario est devenu un pitch de long métrage pour un film plutôt que le plan beat-for-beat qu’il était.

Cela ne signifie pas que vous devez abandonner toutes les traces de formatage approprié. Un script doit toujours avoir des titres de scène, des noms de personnages au-dessus du dialogue et ressembler plus ou moins à ce à quoi un scénario a toujours ressemblé. Il devrait juste être plus maigre et plus facile pour les yeux. Tout ce qui n’est pas essentiel à votre narration n’est pas nécessaire. Souvent, les transitions relèvent de la catégorie  » non essentielles « .

Lorsque j’ai fait irruption dans l’entreprise, il y a environ 10 ans, mes scripts étaient remplis de directions de caméra et de transitions superflues. C’était parce que les seuls scénarios que j’avais lus étaient des plus anciens. Heureusement, mon script de carte de visite était considéré comme suffisamment fort pour que personne ne s’en soucie. Ce n’est qu’au lendemain de ma première vente de scénario qu’un producteur m’a dit :  » Tu n’as pas besoin de toutes ces COUPURES. »

 » Pas de COUPURES »! » mes pensées ont rechigné. N’est-ce pas le bon format? Il est inclus dans tous les logiciels de scénarisation en tant qu’option de formatage!

Le producteur m’a expliqué pourquoi ils n’étaient pas nécessaires: Nous avons tous vu des films; nous savons qu’ils coupent de scène en scène. Il avait raison : C’est un montage assez standard à couper. Peut-être que dans les années 1940, vous aviez la LINGETTE ou l’IRIS DEDANS ou l’IRIS DEHORS, mais à court d’un film Star Wars, la plupart des films modernes se CONTENTENT DE COUPER chaque scène. S’il est entendu que nous passons d’une scène à l’autre, pourquoi reprendre une ligne entière en retrait avec la phrase COUPÉE? Le producteur m’a également dit de lire n’importe quel scénario contemporain et je trouverai que plus personne n’utilisait CUT TO. J’ai suivi ses conseils et lu un scénario qui avait récemment été vendu et, bien sûr, il avait raison: pas une seule COUPE À.

Cool. J’étais ravi d’arrêter d’insérer CUT TO.

Cela a permis d’économiser beaucoup de temps et d’espace de page, et d’éviter que mon flux ne soit perturbé.

La seule raison d’utiliser une COUPURE est si vous voulez transmettre un changement visuel soudain ou brusque. C’est là que la COUPE SMASH est la mieux utilisée. Cela fait le travail de l’éditeur, mais comme je l’ai écrit dans mon dernier article sur le montage, il est parfois avantageux de rendre le scénario aussi visuel et cinématographique que possible. Cela ne signifie pas des directions de caméra et beaucoup de jargon technique, mais si vous voulez transmettre un « BAM! », une COUPE FRACASSANTE permettra d’atteindre cet objectif.

Une COUPE SMASH ou une COUPE régulière peut également être utile lors de la transition vers un FLASHBACK. Le DISSOLVE TO, et surtout le RIPPLE DISSOLVE TO, sont considérés comme démodés. Si vous prenez note, la plupart des films modernes se coupent simplement lors d’une sauvegarde flash ou d’une séquence de rêve. Tout ce que vous devez faire est de transmettre que quelque chose de différent se passe à l’écran. Vous pouvez même simplement écrire une SÉQUENCE de FLASHBACK ou de RÊVE comme une ligne de limace. Et puis un simple RETOUR AU moment où vous revenez au récit principal.

Une COUPE RAPIDE est la même chose qu’une COUPE SMASH. Le JUMP CUT est une technique de montage très spécifique popularisée par le cinéaste français Jean-Luc Godard dans les années 1960; c’est quand une scène passe à la scène suivante de manière saccadée ou apparemment aléatoire. À moins que vous ne fassiez une parodie de la Nouvelle Vague française ou un programme de style MTV, ne sautez pas. TIME CUT est une transition qui apparaît fréquemment dans les scripts found footage. C’est essentiellement la même chose qu’une coupure de saut, véhiculant un décalage temporel brusque dans la séquence. Certains scénaristes utilisent MATCH CUT, c’est-à-dire lorsque vous faites un parallèle visuel d’une scène à l’autre. Comme pour toutes les transitions, cela doit être utilisé avec parcimonie. Votre travail consiste à raconter une histoire, pas à cadrer artistiquement des plans.

La transition la plus superflue est peut-être le FONDU ENTRANT et le FONDU SORTANT.

Rien ne crie plus « novice » que de lire FADE IN au début d’un script de spécification.

Pensez-y. Qu’est-ce qu’un FONDU? C’est une technique désuète utilisée dans les vieux films. Après les cartes de titre, ces films ont utilisé un FONDU pour le plan d’ouverture. C’est pourquoi il est devenu une expression couramment associée à l’écriture de scénario. Quoi de plus évocateur du métier de scénariste qu’une page blanche dans une machine à écrire avec les mots en fondu en haut? Bien sûr, plus personne n’utilise de machines à écrire et les films ne s’effacent pas au début.

À moins que vous ne regardiez Turner Movie Classics, il est peu probable qu’un film que vous regardez utilise cette technique. Les éditeurs ont cessé d’utiliser des fondus dès que la technologie leur permettait de faire des transitions plus fluides. De même, un scénariste doit utiliser une mise en forme fluide et discrète. Si les films ne disparaissent plus, pourquoi un scénariste voudrait-il ouvrir un scénario de cette façon? Pour la cérémonie de celui-ci? La tradition ? Eh bien, vous pouvez également utiliser une machine à écrire, vivre dans un bungalow de style années 1930 et porter un nœud papillon. Ou vous pouvez choisir d’être un scénariste contemporain et de rédiger un scénario contemporain. Et, en faisant le faire, nix le FONDU ENTRANT et le FONDU SORTANT.

Encore une fois, si vous optez pour une certaine esthétique, toutes ces transitions s’offrent à vous.Mais demandez-vous d’abord: Ai-je besoin de cette transition?

Transmet-il ce qui est déjà implicite sans cela?

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